Die Biennale war es leid, von Kritikern, Theoretikern und anderen architektonisch nahestehenden Personen kuratiert zu werden, und vertraute sich 10 Jahre nach Massimiliano Fuksas erneut einem Architekten an. Kazuyo Sejima ist ein berühmter japanischer Architekt, einer der Gründer des Architekturbüros SANAA, Autor der Gebäude mehrerer großer Museen, darunter des New Museum in New York, sowie des Serpentine Gallery Pavilion 2009, Gewinner des Golden 2004 Lion, die kurz nach ihrer Ernennung zur Kuratorin der Biennale den Pritzker-Preis erhielt. Sie ist auch die erste Kuratorin in der Geschichte der Ausstellung. Laut der Direktorin der Biennale, Paolo Baratta, ist die Hauptsache jedoch, dass sie eine praktizierende Architektin ist. Sejima wiederholt dies in seiner kuratorischen Botschaft, die mit "Die Biennale 2010 wird eine Reflexion über Architektur sein" beginnt.
Im Gegensatz zu dem rätselhaften Motto "Beyond Building" seines Vorgängers, Kurator Aaron Betsky aus dem Jahr 2008, das die Hälfte der Teilnehmer nicht wirklich verstehen und die andere Hälfte ignorieren konnte, schlug Kazuyo Sejima in diesem Jahr einen einfachen und zugänglichen Slogan vor: "Menschen treffen sich in der Architektur ", die nicht besonders verbindlich ist. Es ist offensichtlich, dass zwei Dinge darin vereint sind - die Architektur, zu der die Biennale offenbar ernsthaft zurückkehren will, und zur Abwechslung eine Art subtile soziologische Note zur Architektur. Es ist schließlich unmöglich, das Hauptthema der Ausstellung vollständig zu absolutieren, etwas sollte hinzugefügt werden. Architektur für etwas, aber sie bauen zum Beispiel so, dass sich Menschen dort treffen. Von hier aus führt ein direkter Weg zu den öffentlichen Gebäuden, die das Portfolio des Kurators so gut schmücken. Neben dem Motto skizzierte Sejima mehrere zusätzliche Bedeutungen: Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf der Reaktion der modernen Architektur auf die Veränderungen des 21. Jahrhunderts, auf Informatisierung und Globalisierung; die Grenzen, die Architektur entweder bezeichnet oder löscht; und die Qualität der gebauten Architektur - fügt Paolo Baratta in seiner Botschaft hinzu. Nach einer langen Suche nach der Wahrheit "nebenbei" wird die architektonische Hauptausstellung der Welt (und natürlich die Biennale von Venedig) zu ihrem Hauptthema zurückkehren, das von einer weichen und unauffälligen Frauenhand geleitet wird. Die kuratorische Ausstellung hat insgesamt 48 Teilnehmer, darunter nicht nur Architekten, sondern auch Ingenieurbüros.
In Bezug auf die kuratorische Hauptausstellung, die auf der Biennale immer im Gebäude des Corderie-Arsenals stattfindet, erklärte Sejima die Freiheit der Teilnehmer und sagte im Manifest, dass jeder Teilnehmer "sein eigener Kurator" innerhalb des "unabhängigen" Fragments des Arsenals sein werde Innenraum ihm zugewiesen. Vielfalt ist besser als der Wille zu vereinen, sagt der Kurator; mit einem Wort, mach was du willst … Völlige Freiheit; Wenn Sie jedoch durch die Ausstellung gehen, verstehen Sie, dass dies nicht ganz stimmt.
Ein Besucher, der die erste Halle des kuratorischen Teils der Biennale betritt, wird von einem riesigen Steinherz begrüßt, das von einer Holzaxt geschnitten wurde. Bei näherer Betrachtung stellt sich heraus, dass die Axt ein Zufluchtsort mit einem Schornstein ist, eine Metapher für die Tragödie des jüngsten chilenischen Erdbebens (eine ausführliche Geschichte über die Erholung nach der Katastrophe finden Sie weiter auf der Weltraumausstellung des chilenischen Pavillons im Arsenal). Vor zwei Jahren wurde die Arsenal-Ausstellung mit einer lustigen Film- und Videoinstallation eröffnet. Im Gegensatz zu ihrer Erinnerung ist das Herz aus Stein sehr groß, rau und ernst. Dies ist eine Art gigantisches Objekt, daneben fühlt man sich wie in einer Kannibalenhöhle und stellt sich unweigerlich ernsthaft ein. Die Säulen des Arsenals scheinen wie Säulen einer romanischen Basilika zu wirken, und im Allgemeinen wird die Ähnlichkeit dieses berühmten Ausstellungsraums mit einem Tempel irgendwie verschärft. Es ist möglich, dass dies beabsichtigt war.
Unmittelbar hinter der Steinaxt befindet sich ein kompakter Kinosaal mit einem Film von Wim Wenders, durch den man schnell gehen kann, um ein noch größeres Thema aus dem Ensamble Studio und seinem Leiter Anton García-Abril kennenzulernen. Zwei riesige I-Träger kreuzen sich unter den Säulenreihen und blockieren den geraden Weg. Sie ruhen im Raum der Halle, ähnlich wie Schienen, und nach ihrer grauen Farbe zu urteilen, höchstwahrscheinlich aus Beton. Ein gigantischer Strahl liegt auf dem anderen und sein freies Ende ruht auf einer Feder, die so groß ist wie ein durchschnittlicher Mann. Der Frühling unterstützt natürlich nichts wirklich, Kinder spielen damit, aber er sieht sehr beeindruckend aus. Dies kann nicht als "Feder" bezeichnet werden. und wenn in der allerersten Halle die Größe des dort platzierten skulpturalen Objekts der Größe des Innenraums entsprach, dann scheint dieser selbst für ein Arsenal-Interieur zu groß zu sein, übertrifft und unterdrückt ihn sogar ein wenig.
Von solch einem fortschreitenden Wachstum denken Sie unwillkürlich - mein Gott, was als nächstes passieren wird. Aber dann befinden wir uns in einer Wolke ("Lebensgröße" - wie im kuratorischen Manifest angegeben), die der japanische Architekt Tetsuo Kondo und der auf Klimaingenieurwesen spezialisierte Ingenieur Matthias Schuler vom deutschen Unternehmen Transsolar gemeinsam gebaut haben (Kenntnis der Besonderheiten des Unternehmens) Es ist leicht zu erraten, warum die Wolke; die Klimatisierung schlich sich in das Arsenal und arrangierte ihr eigenes Wetter darin …). Die Halle ist mit einem weißlichen Nebel gefüllt, der durch spezielle Installationen durch die Löcher in der Wand gepumpt wird. Der Nebel breitet sich auf der Ebene der Galerien aus, und in der Mitte befindet sich eine spiralförmige Struktur, entlang der Sie durch die Wolke gehen und sie von oben betrachten können. Die Wolke breitet sich in geschichteten Fetzen aus, sie ist oben stickig wie in einem Bad, aber der Effekt ist wunderbar. Zwar erlebten die Moskauer erst im August einen ähnlichen Effekt, als Rauch in die Stadt kam. Im Arsenal ist diese Wolke jedoch dicker und scheint sicher zu sein.
Der Kurator interpretiert die gemeinsame Arbeit seines Landsmanns und eines deutschen Ingenieurs wie folgt: Sie treibt uns zu einem neuen Verständnis des Raums, schon allein deshalb, weil die Grenzen der Wolke verschwimmen. Die Grenzen sind in der Tat verschwommen, obwohl sie im Rahmen der Halle eingeschlossen sind. In den Nebel zu tauchen macht Spaß; aber es ist unmöglich, sich nicht daran zu erinnern, was die Wolken bereits getan haben - vor allem die berühmten Architekten-Künstler Elizabeth Diller und Ricardo Scofidio. Vielleicht bemerkt der Kurator deshalb in seiner Botschaft zart: Nicht alle Installationen sind stilistisch originell, aber viele repräsentieren den Höhepunkt der modernen Technologie.
Das indische Studio Mumbai baute die nächste große Halle mit Holzmodellen und hängte klassische Dreiblattventilatoren von der Decke, um daraus eine "Werkstatt" zu machen. Für einen so großen Raum reichen die Dinge jedoch immer noch nicht aus. Es entsteht keine flüchtige Illusion künstlerischer Blockaden. es stellte sich im Vergleich zu den ersten Installationen als klein, aber gemütlich heraus.
R & Sie (n), das Pariser Architekturbüro François Roche und Stéphane Laveau, die vor zwei Jahren im italienischen Pavillon weiße Modelle bionischer Skulpturengebäude zeigten, ließen eine ihrer bizarren Kreaturen in den Arsenalraum frei und verwandelten ihn in einen Tisch Beine. Einerseits ist dieses Mars-Tier mit Glaswucherungen bedeckt, die von grünlichem Licht leuchten, Monitore, die am gegenüberliegenden Ende sprießen, in der Mitte über einem Stück eines mehrfarbigen Pseudominerals, das einem Geigerzähler ähnelt. In der Erklärung erinnern sich die Autoren an Tarkovskys "Stalker" und sprechen über die Grenzen der Errungenschaften der Zivilisation - wahrscheinlich sollte diese Installation auf die These des Kurators über "Grenzen" reagieren. Weil es im Gegensatz zu seinen Nachbarn den Raum in keiner Weise beeinflusst; Vielmehr zeigt es uns einen exotischen Bewohner, der im Inneren lebt.
Aber die Halle von Olafur Eliasson ist sehr effektiv: Im Dunkeln hängen drei Schläuche an der Decke, die sich um die phantasievoll zappelnden Wasserstrahlen verteilen, die sich in den nervösen Blitzen des stroboskopischen Lichts unterscheiden. Die exotische Dusche ist faszinierend, aber schwer zu fotografieren. Ich muss sagen, dass Sejimas Worte, dass viele Bilder nicht neu sein werden, ehrlich wahr sind - Eliasson hat 1996 die erste ähnliche Dusche gemacht.
Weiter - wieder hell, ein Holzrahmen einer flachen Kuppel aus einem chinesischen Büro mit dem französischen Namen Amator (was Amateur bedeutet). In der Tat war es, als würden die Amateure diese Matrizen mit Bolzen zusammendrehen; Aber die Fähigkeit, die Grenze der Kuppel zu überqueren, wo es normalerweise unmöglich ist, sie zu überqueren und buchstäblich "die Kuppel zu betreten", ist ziemlich merkwürdig (wiederum Grenzen).
Zu dieser Zeile müssen wir die Jeanette Cardiff Music Hall hinzufügen, in der die Lautsprecher in einem Kreis angeordnet sind, und in der Mitte befinden sich Stühle zum Hören der resultierenden (volumetrischen? Architektur?) Musik. Und das Kit wird komplett sein. Hier sind nur eine Reihe von was?
Die darin versprochene Architektur scheint auf den ersten Blick nicht genug zu sein. Das heißt, es werden natürlich traditionelle Layouts und Tafeln in einer gemeinsamen Reihenfolge gefunden: Am auffälligsten für das russische Auge ist das Wettbewerbsprojekt des Perm-Museumsgebäudes von Valerio Oljati, am auffälligsten für das Auge im Allgemeinen ist die Taichung-Oper Projekt von Toyo Ito. Dieses Gebäude, das aussieht wie ein kleines Fragment, das aus einem sehr großen Termitenhügel (schließlich China) geschnitzt wurde, wird mit akribischen Details präsentiert und mit einer vollständigen Dokumentation in Form von dicken Alben in der Sprache des Autors auf den Tischen geliefert. Das so detailliert gezeigte Projekt ist jedoch eine Ausnahme und möglicherweise eine Folge der vom Kurator erklärten Freiheit. Die Ausstellung des Arsenals besteht im Übrigen aus Installationen, die nicht immer von Architekten gemacht werden, sondern, wie wir sehen, von Ingenieuren und häufiger von Künstlern, die professionell und gut in diesem Genre arbeiten. Zum Beispiel Olafur Eliasson - in seinem Portfolio gibt es viele gute und unterschiedliche, normalerweise großformatige Installationen (es gibt übrigens mehrere "Wolken", Dealer und Scofidio sind nicht die einzigen in diesem Genre). Matthias Schuler ist Ingenieur. Das heißt, die kuratorische Ausstellung im Arsenal ist in keiner Weise zu einer Ausstellung von Architekten geworden.
Dies bedeutet nicht, dass keine Architektur darin enthalten ist. Es scheint mir, dass Kazuo Sejima als Autorin von Museumsräumen die gesamte Ausstellung in Architektur als Ganzes verwandelte: Sie entwarf sie nicht als Designerin und komponierte sie nicht einmal als Kuratorin, sondern baute sie und kombinierte die meisten davon die Installationen in einer Kette, in der jeder Teilnehmer seine eigene Art bietet, den Raum des Arsenals künstlerisch zu erfassen. So wurde das Arsenal selbst zur Hauptausstellung. Und ich muss sagen, dass die Einstellung zu diesem Ausstellungsraum paradox ist - jeder liebt ihn sehr, aber wenn er Ausstellungen darin organisiert, schenkt er ihm wenig Aufmerksamkeit, indem er einfach etwas hineinlegt. Arsenal ist wahrscheinlich von einer solchen Verachtung beleidigt, sieht düster aus und drückt mit großem Maßstab auf das Publikum. Aber er ist gut in sich selbst und es ist schön, dass der neue Kurator dies bemerkt hat.
In diesem Fall zeigt die kuratorische Ausstellung weniger Architektur als sie selbst. Und der Durchgang durch die Ausstellung wird nicht zum Lesen, nicht zum Nachdenken und nicht zum Schauen, sondern zum Eintauchen in die Architektur (also in eine Fremdsprache eingetaucht). Und die Teilnehmer der Ausstellung, "angeblich freie" Künstler und Ingenieure, wurden für Sejima zum Mittel des architektonischen Verständnisses des Arsenalraums. Was übrigens zutrifft, wenn wir uns daran erinnern, dass Architektur die Hauptkunst ist und der Rest sie einmal befolgt hat. Hier ist ein Kurator von SANAA und hat sie alle unterworfen, aber sehr, sehr unauffällig. Sie arrangierte die Ausstellung nicht im Innenraum, sondern füllte den Raum mit Inhalten. Das Innere des Arsenals erwiderte sie, als würde sie sich revanchieren, trat in die Rolle der "Hauptausstellung" ein und wurde angenehmer. Auf jeden Fall möchte ich es mir jetzt ansehen und die lange Passage durch das Arsenal ist diesmal nicht mehr so anstrengend wie vor zwei Jahren.
Vielleicht liegt das an der Tatsache, dass es viele Hohlräume und nicht sehr viel Inhalt hat - eine feste Form und sogar das schwerelose japanisch-shintoistische: Licht, Dunkelheit (innen verflochten wie Yin und Yang), Stein, Wolke, Wasser, Ton … Man kann wahrscheinlich sogar sagen, dass Sejima eine Reihe von Reproduktionen bereits bekannter Installationen im Arsenal arrangiert hat, um einem Architekten die Möglichkeit zu geben, mit schwer fassbaren Elementen zu arbeiten und die schwer fassbaren, grellen Schatten zu erfassen - Dinge, in denen die japanische Kultur so ist stark. Es lohnt sich, bei Arsenal zu erleben.
Als Ganzes und als Reflexion über die Hauptelemente kommt die Ausstellung gut an. Worte fehlen jedoch ein wenig; Es gibt wichtige Themen wie Raum und Grenze, über die Sejima ständig spricht, auch auf der gestrigen Pressekonferenz. Alle anderen Wörter werden an "streng bezeichneten Orten" gesammelt; Arsenal hat einen Interviewraum mit Stühlen und Monitoren mit Kopfhörern - Liebhaber von Wörtern können dort sehr lange Reden genießen, die Liste der Sprecher nimmt eine ganze Wand ein.
Kurz gesagt, die kuratorische Ausstellung im Arsenal scheint zu Recht als ein weiteres architektonisches Werk der SANAA wahrgenommen zu werden.
Ansonsten ist die vielen bekannte Struktur der Ausstellung unverändert geblieben. Kuratorische Ausstellung im Arsenal im ehemaligen „Pavillon Italiens“, umbenannt in Palazzo Espozicione (Ausstellungspalast); Ausstellungen nationaler Pavillons in Giardini und ein "Parallelprogramm" in der Stadt. Die aktuelle Biennale ist zum Teil ein Jubiläum - 35 Jahre sind seit der ersten Architekturausstellung aus dem Zyklus der Biennale von Venedig vergangen. Daher die Jubiläumsveranstaltungen und Erinnerungen an vergangene Biennalen. In der Säulenhalle des Palazzo Justinian (dem Palast, in dem sich das Hauptquartier des Organisationskomitees der Biennale befindet) wurde gestern eine Ausstellung über die Geschichte der letzten 11 Jahre der Biennale von Venedig eröffnet, eine Art Bericht über die Errungenschaften von die venezianische Ausstellungswirtschaft; Hier findet auch die LUMA-Ausstellung statt, in der Frank Gehrys „Architekturprogramm für ein neues Kulturmodell“vorgestellt wird.
Ein weiterer Teil des Jubiläumsprogramms der Biennale sind "Architektonische Samstage" - wie die Pressemitteilung der Veranstalter besagt, finden an Samstagen in Venedig drei Monate lang Treffen mit wichtigen Persönlichkeiten vergangener Ausstellungen statt, darunter die Kuratoren der vorherigen Biennalen Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975, 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Wir planen, schrittweise detailliertere Berichte über die Ausstellungen und Veranstaltungen der Biennale zu veröffentlichen. Die Ausstellung läuft bis zum 21. November.
