Im Technikgebäude der Tretjakow-Galerie ist eine Ausstellung mit Architekturgrafiken "Nur Italien!" Für die Öffentlichkeit zugänglich. Die Hälfte der Ausstellung besteht aus Dingen aus der Sammlung der Sergei Tchoban Foundation, die Hälfte aus Zeichnungen der Staatlichen Tretjakow-Galerie und einige weitere aus Werken zeitgenössischer Künstler-Architekten: Maxim Atayants, Sergei Kusnezow, Michail Filippow und Sergei Tchoban.
Die Ausstellung ist aus vielen Gründen absolut erstaunlich. Hochwertige Architekturgrafiken sind zuallererst ein Material, das sich selbst zur Verfügung stellt. Es ist ein perfektes Vergnügen, es von Blatt zu Blatt zu untersuchen, die Locken, Schatten, das Personal und die Ordnung im Detail zu untersuchen.
Andererseits kann nicht gesagt werden, dass Architekten häufig in der Tretjakow-Galerie gezeigt werden. Sie werden dort fast nie gezeigt. Und hier - die Ausstellung vereinte nicht nur Dinge aus den Lagerräumen der Galerie, die kaum eine Chance haben, zu einem anderen Zeitpunkt gezeigt zu werden, mit Blättern aus der Sammlung des in Berlin aufbewahrten Tchoban-Fonds. Im Zentrum von allem stehen wie die Krone der Schöpfung die Zeichnungen moderner Architekten.
Das Design der Ausstellung gehört dem SPEECH-Büro und Sergei Tchoban, die die Werke seiner Zeitgenossen (einschließlich seiner eigenen) in einem kleinen Rotunda-Saal arrangierten. In der ihn umgebenden Galerie werden Grafiken des 20. Jahrhunderts ausgestellt. In einiger Entfernung werden in zwei weiteren rechteckigen Räumen Blätter des 18. bis 19. Jahrhunderts ausgestellt, die in zwei Blöcke unterteilt sind: "Die Geburt eines Themas" und "Rossika" (Werke von Ausländern in Russland). So divergiert die Chronologie im Raum der Ausstellung in Kreisen oder konvergiert genauer gesagt von der Vergangenheit in die Gegenwart: so etwas wie Kreise auf dem Wasser, nur umgekehrt.
Es ist anzumerken, dass SPEECH das Motiv der runden Halle in ihrer Arbeit mit Ausstellungsdesign eher konsequent weiterentwickelt: Es genügt, an die Ausstellung "Museum of Graphics" in ArchMoscow im Jahr 2013 (als das Berliner Grafikmuseum noch nicht geöffnet war) zu erinnern. oder zwei Entwürfe der Ausstellung des russischen Pavillons auf der venezianischen Architekturbiennale: das malerische Diorama der Stadt Vyshny Volochok im Jahr 2010 und "Pantheon" aus den QR-Codes 2012
in Zaryadye neu erstellt. Runde Hallen sind bei der Gestaltung moderner Ausstellungen eher selten - der Rotunda-Raum ist nicht sehr praktisch für Ausstellungen, da er die Exponate überfordert und an sich wichtiger und wertvoller aussieht. Es ist ein Tempel, kein Museum, ein Ort der Konzentration oder gar ein Gottesdienst.
Diese Qualität der Runde wird betont und beim Aufhängen verwendet. Grafiken der neuen Zeit werden in Übereinstimmung mit allen Regeln der Museumsausstellung und unter gebührendem Respekt ausgestellt. Im Rotundalraum links ist das Grafikblatt nicht mehr selbstwertig und wird zu einem untergeordneten Teil der räumlichen Darstellung. Die Blätter von Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban werden in zwei Reihen aufgehängt, ohne die Aufmerksamkeit auf jedes einzelne Werk als Museumswert zu lenken (die Grafiken des 20. Jahrhunderts in der kreisförmigen Galerie dienen als Übergang, das Wirbeln selbst entfernt das Museum bereits Strenge).
Die Bedeutung der Aussage ist klar genug. Moderne Grafiken sind hier kein Exponat, sondern eine Erklärung ihrer Existenz - die Mission, die Tradition des klassischen Zeichnens fortzusetzen und wiederzubeleben. Es ist Teil eines imaginären Tempels der Künste, während die historische Sammlung so etwas wie eine Sakristei ist, eine Sammlung wertvoller Exemplare.
Es ist charakteristisch, dass die plastische Innenaussage, die den Inhalt der Ausstellung so subtil interpretiert, im Rahmen der Sprache der Klassiker bleibt. Ganz ohne Bestellung, aber die Details und räumlichen Erlebnisse werden der runden Halle durch die eigentlichen Grafikblätter hinzugefügt. Sie sind seine vergängliche Architektur. Stellen Sie sich zum Beispiel die runde Seite des Pantheons vor, die durch einen ordentlich gezeichneten Sockel aus Entladebögen gegliedert ist: „Das Pantheon im Pantheon“setzt das gestartete Spiel weiter fort, bereits in einem imaginären Raum hinter der Ebene des Grafikbogens.
Zu dem Gesagten muss noch hinzugefügt werden, dass die Ausstellung, beginnend mit den "Gründern" des 18. Jahrhunderts, die spezifisch russische Tradition der Bewunderung Italiens weiter untersucht und näher am 21. herausstellt, dass diese Tradition hier einige erworben hat Ganz besondere Merkmale, nicht ohne Bewunderung und im guten Sinne mit Besessenheit, die so subtil von der Tempelform der Halle erfasst wird. Niemand bekennt sich so aufrichtig zu Antiquitätenstudien wie Maxim Atayants; niemand glaubt, dass seine Architektur wie Michail Filippow aus einer Aquarelllandschaft hervorgegangen ist; Niemand ist dem inneren Wert des Genres der Architekturgrafiken so verpflichtet wie Sergei Tchoban, der das Museum geschaffen hat, und Sergei Kuznetsov, der ständig an die frische Luft geht. Zusammen ergibt sich ein heterogenes, aber sicherlich einzigartiges Phänomen.
Wir haben mit allen vier Ausstellern des Contemporary Drawing Room gesprochen.
Sergey Choban Archi.ru:
Ist dies wirklich die derzeit größte Ausstellung von Architekturzeichnungen, die unter Beteiligung Ihrer Stiftung erstellt wurde?
Sergey Choban:
- Ich denke ja. Sowohl nach der Anzahl der präsentierten Werke als auch nach dem abgedeckten Zeitraum ist dies die größte Ausstellung. Hier finden Sie die Werke herausragender westeuropäischer Autoren, Gründer der Schule für Architekturzeichnung des 18. Jahrhunderts, sowie eine Vielzahl von Grafiken herausragender russischer Künstler und Architekten, die in diesem Zusammenhang aktiv gearbeitet haben.
Ausstellungen architektonischer Grafiken, die von Ihrer Stiftung organisiert werden, nehmen bereits in einer bestimmten Reihenfolge Gestalt an. Gibt es einen allgemeinen Plan, einen Entwicklungsvektor oder wird die Handlung jedes Mal neu erfunden?
S. Ch.: Im Allgemeinen jedes Mal, wenn es neu erfunden wird, obwohl wir bestimmte Prinzipien haben. Insbesondere bemühen wir uns um die Zusammenarbeit mit renommierten Museumsinstitutionen. Eines unserer nächsten Projekte wird mit Albertina aus Wien zusammenarbeiten. Dr. Schroeder [Direktor des Albertina-Museums in Wien - Archi.ru] war in den Hallen unseres Museums in Berlin und äußerte den Wunsch nach einem gemeinsamen Projekt - wir freuen uns sehr darüber und sind stolz auf diesen Vorschlag. Es gibt auch andere Projekte.
Es gibt Pläne, mit dem Shchusev Museum of Architecture zusammenzuarbeiten. Ich denke, das ist sehr wichtig.
Sie sind Sammler, Grafiker, Designer, Architekt - wie hängt das zusammen?
S. Ch.: Es scheint mir, dass dies verschiedene Verbindungen desselben Berufs sind. In einem historischen Kontext waren Architekten auch Künstler; Sie beschäftigten sich nicht nur mit Hauptgebäuden, sondern auch mit Bühnenbildern und Theateraufführungen.
Bis zum 20. Jahrhundert hatten Architekten keine Fotografie …
S. Ch.: Ich denke, dass Fotografie nicht die gleichen Ziele hat wie Architekturzeichnungen. Die Zeichnung fängt den wichtigsten Teil der menschlichen Kreativität ein - die Architektur, die eine Person im natürlichen Raum schafft.
In der Zwischenzeit machen Maxim Atayants und Mikhail Filippov klassische Architektur, aber Sie sind es nicht
S. Ch.: Natürlich nicht, dies hängt nicht direkt mit der Architektur zusammen, die wir machen. Es scheint mir, dass das Studium der Architektur durch Zeichnen zu völlig anderen Ergebnissen führen kann: Es ist das Studium der Proportionen, räumlichen Effekte, des Gewebes und der Details. Nicht umsonst wird heute nicht nur auf Russisch, sondern auch in vielen europäischen Schulen wieder viel Wert auf das Zeichnen gelegt, denn nur durch Zeichnen kann man sehen, wie Materialien unterschiedlicher Strukturen miteinander kombiniert werden, wie die Stoff der kleinsten Details fließt ineinander.
Ihre Zeichnungen auf Ausstellungen sind immer sehr fertige Werke, die aus der Natur stammen. Warum zeigst du keine Skizzen?
S. Ch.: Erstens ist das Thema dieser Ausstellung ganz klar, es impliziert nichts anderes. Und zweitens müssen die Zeichnungen selbst eine eigenständige Qualität haben. Skizzen haben nicht immer diese Qualität.
Wächst Ihr Gemälde mehr aus Ihrer Sammlung oder aus Ihrer Architektur?
S. Ch.: Ich denke, dass die Sammlung doch aus dem Zeichnen hervorgegangen ist. Und ein Großteil der Architektur, die ich mache, entsteht aus dem Zeichnen. Es wächst einfach nicht gerade. Es gibt keine Möglichkeit, ein Gebäude aus der Antike zu zeichnen und dann etwas Ähnliches zu entwerfen. Dann entwerfen Sie etwas anderes, weil die Gesetze der Raumentwicklung unterschiedlich sind.
*** Wir haben es geschafft, drei anderen Teilnehmern der Ausstellung dieselbe, in diesem Fall wichtige Frage zu stellen: ob und wie sich ihre Grafiken von den historischen unterscheiden.
Maxim Atayants
Wie unterscheiden sich Ihre Grafiken von den hier auf der Ausstellung präsentierten historischen?
M. A. Die Grafiken sind hier so unterschiedlich … Ich habe das Gefühl, dass sich die vier zeitgenössischen Aussteller fast genauso stark voneinander unterscheiden wie diejenigen, die in anderen Hallen dieser Ausstellung hängen.
Die Epochen sind unterschiedlich. Moderne Grafiken konnten nur durch die kolossale visuelle Redundanz der Moderne beeinflusst werden. In den letzten zwei Jahren wurden seit dem ersten Daguerreotypie mehr Fotos auf der Welt aufgenommen als in der gesamten Vorgeschichte. Der Druck der visuellen Redundanz zwingt uns, die Zeichnung anders zu behandeln und etwas herauszuholen, was beispielsweise in der Fotografie nicht der Fall ist. Ich bin ein ziemlich professioneller Fotograf, daher ist es mir wichtig, diese Dinge zu vergleichen. Aber ich habe Angst, bewusst über dieses Thema nachzudenken, weil die Aufgabe des Zeichnens und Fotografierens dieselbe ist … Ich möchte irgendwie meine Freude und Aufregung über das Treffen mit diesen Gebäuden zum Ausdruck bringen. Wahrscheinlich hat Quarenghi die gleichen Probleme gelöst. Und das Ergebnis ist anders, weil die Ära anders ist. Wie kann man das sonst beantworten?
Warum fotografierst du nicht nur, sondern zeichnest auch?
M. A. Aber darauf kann ich leicht antworten. Weil verschiedene Mechanismen beteiligt sind. Zeichnen ist eine Art zu lernen, die einzige Art menschlicher Aktivität, an der Gehirn, Auge und Hand gleichzeitig mit gleicher Intensität beteiligt sind. Es ist unmöglich, eine Stunde lang nachdenklich und konzentriert ein Stück Architektur zu betrachten, wenn Sie nicht malen. Dies ist eine Art zu lernen.
Wir machen Bilder, die andere teilen können, und zeichnen für uns. Zur Assimilation. Zumindest in meinem Fall.
Hast du jemals von einem Foto gemalt?
M. A. Natürlich habe ich wie jeder Idiot, der an der Akademie der Künste studiert hat, nachts aus der Fotografie gezogen, als ich zum Beispiel keine Zeit hatte, meine Hausarbeit fertigzustellen. Dann schien es mir, dass es einfacher war. Jetzt versuche ich, dies nicht zu tun, da dies eine bedeutungslose Nachahmung des Prozesses ist. Meiner Meinung nach geht es beim Zeichnen darum, aus dem Leben zu schöpfen.
Wenn ich zeichne und etwas verstehe, dann ist dieser Prozess tief. Warum es vereinfachen, während Sie versuchen, das gleiche Ergebnis billig zu erzielen? Oder äußerlich gleich aussehen. In den Fällen, in denen Sie keine Zeit hatten, vor Ort fertig zu werden, gucken Sie manchmal natürlich auf das Foto … Aber das ist zweitrangig. Es ist erstaunlich, dass es für mich jetzt viel schwieriger und länger ist, von einem Foto als von der Natur zu zeichnen. Es stimmt.
Sergey Kuznetsov
Wie unterscheiden sich Ihre Grafiken von den hier auf der Ausstellung präsentierten historischen?
S. K.: Ich würde demütig sagen, dass wir das nicht können. Ich bin begeistert von den Werken von Maxim Atayants, der eine Ressource in sich selbst gefunden hat, in der Lage war, in einen anderen Grad an Details einzutauchen - es ist klar, dass schwierig nicht gut bedeutet, sondern einfach nicht schlecht - aber dennoch, welche Höhen die alten Meister erreichten, und in Geduld, in harter Arbeit und im Auge - das ist erstaunlich. Wir müssen lernen … Ich schaue immer noch neidisch auf die hier präsentierten Grafiken; Eine solche Fähigkeit zu beherrschen, wäre natürlich großartig.
Bedeutet das Zeichnen klassischer Architektur das Streben nach klassischer Architektur?
S. K.: Nein, das heißt überhaupt nicht. Das Zeichnen klassischer Architektur sollte nicht mit dem Design klassischer Architektur verbunden sein, so wie das Lesen der drei Musketiere nicht bedeutet, dass Sie morgen bereit sind, das Schwert zu schwingen.
Wie sind Architektur und Malerei dann persönlich mit Ihnen verbunden?
S. K.: In diesem Sinne bin ich ein Mensch der alten Schule, ich schätze grundlegende handwerkliche Fähigkeiten. Es scheint mir, dass sich die Art und Weise, wie Architektur gemacht wird, nicht geändert hat und nicht ändern sollte: Eine Person muss Gedanken, Empfindungen, Gefühle durch sich selbst weitergeben - ein Computer wird es nicht zulassen, alles auszudrücken. Ich mochte Computergrafik sehr und sehr, ich hatte viele Veröffentlichungen und Ausstellungen, dies gibt mir die Möglichkeit, Arbeit mit meinen Händen und Augen zu vergleichen - und mit einem Computer zu arbeiten. Wenn Sie die Kontrolle über Ihre Hand haben und mit Ihren eigenen Händen darstellen können, was sich in Ihrem Kopf befindet, hilft dies Ihnen persönlich und eignet sich auch gut als Überzeugungswerkzeug.
Warum zeigst du keine Skizzengrafiken?
S. K.: In diesem Fall wäre es nicht angemessen … Dies ist keine bewusste Position; Es wird Vorschläge geben - wir werden ausstellen. Im Allgemeinen stimmt das nicht, wir stellen es aus - auf der Ausstellung des "Architekten des Jahres" auf Arch Moscow hatten wir eine Skizze. Wir haben viele hochwertige Skizzen. Die Handschriften werden meiner Meinung nach für das Publikum einfach nicht von Interesse sein. Im Allgemeinen würde ich sagen, dass das Interesse des Publikums an einer Arbeit direkt proportional zum Umfang der in sie investierten Arbeit ist.
Wie haben Sie angefangen, historische Architektur zu zeichnen?
S. K.: Ich habe lange vor dem College angefangen zu zeichnen. Meine Eltern waren in keiner Weise mit Kunst oder Architektur verbunden, aber ich war von einer Vielzahl von Kreativität, Prototypen und Zeichnungen mitgerissen, und so nahm ich an Vorbereitungskursen am Moskauer Architekturinstitut teil. Seitdem habe ich nicht aufgehört zu malen; Nach dem Institut gab es jedoch eine Pause, in der ich mich nicht mehr mit Handbuch, sondern mit Computergrafik beschäftigte.
Später, als ich ungefähr 2006 anfing, mit Sergei Tchoban zu arbeiten, schlug ich vor, dass er in verschiedene Städte reisen und Architektur zeichnen sollte. Seitdem reisen wir regelmäßig mehrmals im Jahr, um Architektur zu malen. Unsere erste Reise unter freiem Himmel in Rom war zum Beispiel auf den Spuren von Piranesi.
Mikhail Filippov
Wie unterscheiden sich Ihre Grafiken von den hier auf der Ausstellung präsentierten historischen?
M. F.: Ich kann eine solche Frage nicht beantworten. Ich kann Ihnen sagen, wie sich Architekturgrafiken von einer Architekturlandschaft unterscheiden. Ich bin seit 30 Jahren Mitglied der Union der Künstler und habe an vielen Orten als Künstler ausgestellt, darunter in der Tretjakow-Galerie und im Russischen Museum. Für mich ist diese Frage absolut klar. Die architektonische Landschaft, mit der sich unsere Vorfahren beschäftigten, ist vor allem eine qualitativ hochwertige Zeichnung und Organisation des Blattes mit einem künstlerischen Ansatz. Leider malen die meisten Architekten ihr Lieblingsobjekt als kleine Perspektive und nicht als Landschaft.
In der Sowjetzeit arbeitete ich sogar im Rahmen der Verträge der Akademie der Künste als reiner Landschaftsmaler. Während der Perestroika kamen dort die Seroviten an die Macht - die meisten von ihnen sind gute Künstler, Realisten, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Starke technische Grafiken waren auch da.
Der Rest der sowjetischen Grafik entwickelte sich in Richtung der modernistischen Organisation des Blattes: Wenn zum Beispiel das Wasser leicht ist, ist es vollständig weiß geschrieben und so weiter. Als ich anfing zu schreiben, dachte ich mehr über Nuancen, Zwischentöne nach; Schattierungen von weißer Nacht, Qualität des Zeichnens, Feinheiten der Perspektive … Das machte mich damals ziemlich einzigartig, diese alten Leute liebten mich sehr. Ich arbeitete unter Verträgen, kam und zeigte ihnen, sie machten einige Kommentare - es fühlte sich an, als würden mich die Meister beobachten.
Ich habe also keinen großen Unterschied zu den alten Meistern. Wenn sie keine technische Zeichnung machen würden, sondern eine Landschaft. Die Annäherung an die Landschaft war wie ein Künstler. Die Architekturfakultät der Akademie der Künste stellte einst diejenigen ein, die besser zeichnen, und das Gemälde - diejenigen, die schlechter zeichnen. Und sie gaben ein Diplom unter dem Namen "Künstler der Architektur" - dieses wurde formuliert, bis einige, ich erinnere mich nicht genau, ein Jahr. Ich spüre keinen Unterschied zu ihnen, besonders wenn es um Werke vom Anfang des Jahrhunderts geht. Ich bin mit den Werken von Ostroumova-Lebedeva aufgewachsen.
Obwohl für mich eine andere Nuance interessant ist - die weiße Nacht. Die russische Landschaft wurde in Zwischenstaaten nuanciert. Zum Beispiel Vasiliev - Tauwetter, kein Winter, kein Frühling, kein Licht, keine Dunkelheit, Halbton, ein Sonnenstrahl … In der Weltmalerei finden Sie keine hochwertigen Landschaften, in denen es ein helles Blau geben würde Himmel und helles Grün! Vielleicht hat Rylov so etwas oder Cezanne, aber das ist schon anders.
Es stellt sich heraus, dass Sie zwei Themen haben: Ihre architektonische Landschaft und Ihre Architektur …
M. F.: Nein! Es gibt keinen Unterschied. Schöne Architektur sollte mit der Natur, mit der Sonne verbunden sein. Ich kenne und liebe Kunstgeschichte sehr gut. In den 1980er Jahren war es für mich interessant, das fortzusetzen, was in den zwanziger Jahren gekürzt wurde, als sich die Malerei irgendwie in eine - vielleicht sehr hochwertige -, aber moderne zu verwandeln begann.
Glaubst du, es ist real, zusammen zu wachsen?
M. F.: Ja, das ist eine absolute Realität. Im Januar dieses Jahres habe ich es übergeben - Wälder wurden von 750.000 Quadratmetern Wohngebäuden entfernt.
In Sotschi?
M. F.: Nicht nur in Sotschi, in Moskau gibt es ein Haus in der Marschall-Rybalko-Straße. Ich versichere Ihnen, dies ist die Verkörperung des Stils von 2001, den ich vor dreißig Jahren erfunden habe.
Fühlen Sie dies als Verkörperung Ihres Gemäldes?
M. F.: Ja, ja … ich sehe keinen Unterschied.
Ob Sie es glauben oder nicht, ich absolvierte die Akademie, entwickelte ein Konzept und nahm danach zum ersten Mal einen Pinsel und ein Aquarell. Ich habe weder an der Akademie noch an der Kunstschule geschrieben. Und wenn ich schrieb, ist es unmöglich zu sehen, was ich damals tat.
*** Die Ausstellung ist bis zum 27. Juli geöffnet (Öffnungszeiten)
