Der neue Standort des Garagenmuseums für zeitgenössische Kunst wurde am 12. Juni für die Öffentlichkeit geöffnet. Wir möchten Sie daran erinnern, dass dies das rekonstruierte sowjetische Restaurant Vremena Goda ist. OMA-Gründer Rem Koolhaas sprach zwei Tage zuvor mit Reportern und stellte fest, dass dieses Projekt von Anfang an eine besondere Bedeutung für ihn hatte. Warum hat er das gesagt? Liegt es daran, dass Mitte der sechziger Jahre mit einer Reise nach Moskau sein Interesse an Architektur begann? Oder weil er es endlich geschafft hat, etwas in Russland zu bauen? Oder ist es nur Höflichkeit? Um eine Antwort auf diese Frage zu finden, wenden wir uns dem OMA-Portfolio zu.
Koolhaas hat relativ wenige abgeschlossene Museumsprojekte - acht oder neun (es ist schwierig, genauer zu bestimmen, da Garage und die Prada-Stiftung immer noch auf der OMA-Website unter den im Bau befindlichen aufgeführt sind und zu den gebauten Museen beispielsweise der Museumpark gehört in Rotterdam, das an sich kein Museum ist).
Das erste von OMA entworfene Museumsgebäude war das Kunsthal, das 1992 in Koolhaas 'Heimatstadt Rotterdam eröffnet wurde. Auf den ersten Blick ist die Kunsthal viel komplexer als die "Garage": Sie ist eineinhalb Mal größer, ihre Fassaden sind vielfältiger und im Inneren befinden sich vollständig abfallende Böden und unregelmäßig geformte Löcher in Wänden und Decken.
Aber hier beginnen die Ähnlichkeiten. Beide Gebäude können als "Museen ohne Sammlung" bezeichnet werden - die Kunsthal nennt sich so fast offiziell, während "Garage" eine eigene Sammlung hat, die gerade entsteht. Gleichzeitig können die für Ausstellungen in beiden Gebäuden vorgesehenen Innenräume keinesfalls als neutral bezeichnet werden. Sie haben eine ganz andere Form, manchmal nicht zu hohe Decken, und die Dekoration der Wände hier und da kann kaum als ruhig bezeichnet werden. Für diese "Enge und Aufregung des Raums" kritisieren einige Kommentatoren jetzt Garage. Aber Koolhaas scheint eine andere Meinung zu haben: Er glaubt, dass Orte für die Ausstellung von Kunst an und für sich nicht monumental sein sollten.
Sein eigener Geschmack für zeitgenössische Kunst, sagt Koolhaas, wurde von Kurator Willem Sandberg geprägt, der von 1945 bis 1963 das Stedelijk Museum Amsterdam leitete (Koolhaas selbst lebte von 1955 bis 1968 in Amsterdam). Ausstellungen zeitgenössischer Kunst, russischer und europäischer Avantgarde, Konzerte zeitgenössischer Musik und Filmvorführungen des zeitgenössischen Kinos im Amsterdamer Museum fanden in einem unprätentiösen zweistöckigen Gebäude aus dem Jahr 1954 statt, das nur 24 x 10 m groß war und laut Koolhaas mehr aussieht wie eine "kleine Schule". Dieser bescheidene Schuppen unter einem Satteldach beherbergte neben Ausstellungshallen auch eine Bibliothek, eine Druckerei, ein Café und ein Auditorium für Konzerte und Vorträge. Der Sandberg-Flügel führte die zeitgenössische Kunst erfolgreich in die Amsterdamer ein, bis 2004 beschlossen wurde, sie durch eine modernere und umfangreichere Erweiterung zu ersetzen.
In Bezug auf die meisten Museen für zeitgenössische Kunst betont Koolhaas, dass sie in erster Linie „gigantische Mengen an leerem Raum zur Verfügung stellen“und nennt als Schlüsselbeispiel die berühmte „Turbine Hall“der Tate Modern in London, die „praktisch zu einem Symbol unserer geworden ist Zeit.
Infolgedessen, fährt Koolhaas fort, "sind die Künstler gezwungen, auf eine Art apokalyptische Weise aufzutreten", weil nur die stärksten Emotionen mit Räumen dieser Größenordnung konkurrieren können. Es gibt keinen Platz für Nuancen. "Kunst wird immer autoritärer." In OMAs Projekten hingegen ermöglicht die Vielfalt der Räume laut Koolhaas Künstlern und Kuratoren, mit subtileren Themen zu arbeiten.
Kunsthal unterscheidet sich von den meisten Kunstmuseen auch dadurch, dass sein Architekt dem Besucher nicht nur verschiedene Räumlichkeiten mit Exponaten anbot, sondern sie auf einem bestimmten Bewegungsweg aufgereiht hat. Koolhaas, in der Vergangenheit selbst Drehbuchautor, glaubt, dass der Architekt verpflichtet ist, die Szenarien für die Raumnutzung im Voraus zu überdenken.
Vielleicht wäre es für Kuratoren einfacher, mit Bänden zu arbeiten, die neutral im Design und einfach in der Form sind, mit einer neutralen Umgebung, die keine eigenen Szenarien auferlegt? Aber zeitgenössische Kunst, die polemischer Natur ist, muss auf ihre Umgebung reagieren. Wenn Sie nichts zu reagieren haben, müssen Sie sich nur auf die Techniken beschränken, die die stärksten Emotionen hervorrufen.
Die gleichen Prinzipien der Szenarioprogrammierung des Museumsraums und seiner Bildung aus Räumlichkeiten unterschiedlicher Größe und Proportionen, die in der Kunsthala angewendet wurden, werden auch in anderen von der OMA errichteten Museen verfolgt, beispielsweise in zwei Projekten für Seoul (Leeum Museum, 2004 und Seoul National University Museum of Art, 2005). Wir treffen die gleichen Prinzipien in Garage.
Aber vielleicht wurden nicht alle Ideen, die Koolhaas bei der Arbeit an Museumsprojekten hatte, bereits in den errichteten Gebäuden umgesetzt? Es sieht so aus. „Die Teilnahme am großen Museumsboom war für uns nicht sehr erfolgreich“, gibt Koolhaas zu und zeigt eine Folie, aus der hervorgeht, dass die nicht realisierten Projekte von Museen für zeitgenössische Kunst, die von OMA herausgegeben wurden, vierunddreißig Fußballfeldern entsprechen. Welche anderen interessanten Gedanken können Sie in diesen offenen Räumen finden? Sie beziehen sich insbesondere auf Methoden der Arbeit mit historischem Material.
In den 2000er Jahren war Koolhaas bei der Beratung der Eremitage in St. Petersburg beeindruckt von den vernachlässigten Innenräumen des Generalstabs und einigen Räumlichkeiten der Eremitage selbst, die der Öffentlichkeit nicht zugänglich sind. Er stellte Fragen: „Muss jedes Museum modernisiert werden? Vielleicht ist manchmal Untätigkeit erforderlich? Könnte die Zurückhaltung gegenüber Veränderungen zu einem Instrument werden, das das Gefühl der Authentizität erhöht, das bei der Modernisierung häufig verloren geht? Sollte ein Architekt in bestimmten Fällen nicht als Archäologe auftreten?"
Koolhaas spricht in seinen Reden über das Hermitage-Projekt und zeigt Collagen, in denen Meisterwerke der Weltkunst vor dem Hintergrund heruntergekommener Palastinterieurs ausgestellt werden. Die Idee war, dass die Kombination der herausragendsten Werke mit der elendesten und vernachlässigtesten (aber gleichzeitig alten und echten) Umgebung die Wirkung dieser Werke auf den Betrachter vervielfacht. Dank dessen werden subtile, heikle Dinge in ihrem Einfluss den primitiven Effekten der "autoritären" Kunst gleichgestellt.
Zum ersten Mal konnte Koolhaas dieses Instrument zur Steigerung der Emotionen, das im Rahmen des Hermitage-Projekts vorgeschlagen wurde, in der Garage in die Praxis umsetzen. Natürlich wird die Ruine der "Jahreszeiten" durch die Restaurierung leicht geschwächt. Die schäbigen Wände scheinen lackiert worden zu sein, und der zerbröckelnde Putz knirscht nicht unter den Füßen der Besucher, wie es beim Betrachten der Skizzen schien. Aber das Tool ist immer noch mächtig.
Es gibt einen signifikanten Unterschied zwischen der Eremitage und der Garage: Das erste zeigt anerkannte Meisterwerke und das zweite wird sich schließlich auf neue, zeitgenössische Kunst konzentrieren. Funktioniert die Lupe von Koolhaas in diesem Fall? Es wird funktionieren, wenn es etwas zu erhöhen gibt. Die Arbeit mit einem solchen Raum ist sowohl für Künstler als auch für Kuratoren eine ernsthafte Herausforderung. Ihnen sind mit Sicherheit starke Emotionen garantiert. ***.
In der Arbeit an dem Artikel wurden Materialien von Vorträgen von Ram Koolhaas in
Museum für moderne Kunst im (Moderna Museet) in Stockholm im März 2013 [siehe. Video der Vorlesung] und in den Fondation Galeries Lafayette in Paris im Juli 2014 [siehe. Video der Vorlesung].
