Erstmals in der Sammlung veröffentlicht: Dekorative Kunst und thematisch-räumliche Umgebung. Bulletin der MGHPA. Nummer 3. Teil 1 Moskau, 2020 p. 21-31. Mit freundlicher Genehmigung des Autors. Die Blütezeit des Art-Deco-Stils in den USA kam um die Wende der 1920er und 1930er Jahre. und seine Entstehung wurde von einer Vielzahl historischer und relevanter Quellen beeinflusst. Das wichtigste unter ihnen war das sogenannte. "Style of 1925", verkörpert in den berühmten Pavillons der "Internationalen Ausstellung für dekorative Kunst und Kunstindustrie", wurde am 28. April 1925 in Paris eröffnet. Neben künstlerischen und tektonischen Konzepten war jedoch auch der Stil von Wolkenkratzern gebildet dank städtebaulicher und gesetzlicher Einschränkungen.
Das New Yorker Zonierungsgesetz von 1916, das die neu errichteten Gebäude auf eine abgestufte Silhouette beschränkte, war entscheidend für die Bildung des Wolkenkratzerstils. [1] 1922 veröffentlichten H. Corbett und H. Ferris einen Entwurf für den Turm unter Berücksichtigung seiner Anforderungen. Und von diesem Moment an werden neoarchaische, mittelalterliche Bilder als künstlerisch wertvolle Idee wahrgenommen. So bestimmte das Zonierungsgesetz von 1916, das den Stilmerkmalen eines Hochhauses gleichgültig war, die hochkünstlerische Wirkung der tektonischen Ausdünnung der Türme und bildete die neo-aztekische Nachgiebigkeit und die neugotische Silhouette amerikanischer Städte.
In den 1920er und 1930er Jahren ersetzte die Canyon-Ästhetik die traditionellen Proportionen von Straßen und Gebäuden durch klassische Gesimse. In Chicago, dem zweiten Zentrum für die Entwicklung des neuen Stils, in der Zeit von 1927 bis 1930. Holabert & Ruth sowie Graham, Anderson, Probst und White bauen jeweils fünf Stufenwolkenkratzer in neoarchaischem, mesoamerikanischem Art Deco. Monumental, einander gegenüberliegend, sollten sie mit den Errungenschaften des Neoklassizismus der 1900-1910er Jahre und untereinander konkurrieren. Sie konnten nicht anders, als zu bewundern, und so bemühten sich die sowjetischen Architekten der 1930er Jahre zu arbeiten. Darüber hinaus fand der Art-Deco-Neoarchaismus in den USA eine weitere nationale Inspirationsquelle - die Backsteintürme von R. Walker in New York gingen auf die brillante Ästhetik der Monument Valley-Klippen zurück (wie zum Beispiel Western Union Building, 1930 und 1930) AT Tee Long Distance Building, 1932). Die Art-Deco-Türme, die mit Reliefs versehen und bedeckt waren, schienen die Kreationen der Azteken und Mayas zu sein, die sich zum Himmel erhoben. [2]
Der Art-Deco-Stil erschien in den 1910er und 1930er Jahren als kompositorische und plastische Alternative zum Neoklassizismus (Historismus). Ein charakteristisches Merkmal des US-amerikanischen Art Déco ist daher die Verkleinerung, Ebenheit des Dekors, der scharfe großflächige und plastische Kontrast seltener dekorativer Akzente und der grandiose, streng aufgelöste Hauptteil des Turms. Wie die Werke von Louis Sullivan waren die Eingangsportale der Wolkenkratzer luxuriös, aber intim. Art-Deco-Meister haben die archaischen Motive nicht vergrößert, wie das Bild der grandiosen, "bewohnten" alten Pyramide und die Grenze des Umfangs ihrer Verkörperung. Die in großer Höhe entstandenen Art-Deco-Basreliefs unterschieden sich radikal von der plastischen Pracht des Historismus. Dies waren absichtlich abgeflachte Miniaturdetails, die vom Museum auf die Straße gefallen zu sein schienen, ohne ihre Größe zu ändern.
Art-Deco-Kunststoff war äußerst vielfältig - er konnte entweder spitz, geometrisch oder absichtlich gerundet, "geschwollen" oder aerodynamisch sein und in der Ästhetik des sogenannten geschaffen werden. rationalisieren. Art Deco lehnte den griechisch-römischen Kanon ab und ermöglichte es den Autoren, ihre Vorstellungskraft und Gelehrsamkeit zu zeigen. So kommt beispielsweise eine besonders weiche Interpretation der Form in Mode, die auf die Plastizität der buddhistischen und altägyptischen Skulptur zurückgeht. Das Schärfen, Geometrisieren von Silhouetten und Zeichnen von Details wurde eine andere, entgegengesetzte Mode der 1920-1930er Jahre. Es ist kein Zufall, dass der Stil der 1920er bis 1930er Jahre in den Jahren seiner Entstehung die Namen "Zickzack-Modern", "Jazz-Modern" und dergleichen erhielt, was die kubistische Basis des Art Deco betont. Geometrie, Konventionalität wird zum charakteristischen Unterschied zwischen Art Deco und Neoklassizismus, ebenso offensichtlich wie die Unterschiede zwischen dem skulpturalen Kanon des antiken Griechenland und den Basreliefs Mesoamerikas. [3]
So könnte die Dekorativität von Wolkenkratzern die Form der Geometrisierung des Historismus (American Radiator Building) und der plastischen Fantasie (General Electric Building), der authentischen Archaisierung oder der ultimativen abstrakten Askese annehmen. Wolkenkratzer könnten mit geometrisierten, neoarchaischen (Inter Continental Hotel), Fantasy-Details dekoriert sein oder sie könnten völlig frei von ihnen sein. Und dennoch erscheinen sie als integraler, erkennbarer Stil. Die Plastizität dieser Türme könnte auf die Ideen der Avantgarde, die Innovationen der 1910er Jahre und die Pavillons der Ausstellung von 1925 sowie auf die harten Denkmäler der fernen Vergangenheit zurückgehen. Es waren jedoch die Pyramiden der alten Zivilisationen, die sowohl die Abflachung der Basreliefs als auch die abfallende Silhouette der Art-Deco-Türme bildeten. Dies war der plastische und kompositorische Neoarchaismus des amerikanischen Art Deco.
Zum ersten Mal wird der Architekt R. Walker in New York die für Art Deco charakteristische Kombination aus abgeflachten Basreliefs und einer abgestuften Silhouette durchführen. Das Barclay-Vezier-Gebäude (ab 1923) war der erste Art-Deco-Wolkenkratzer, der vor der Ausstellung von 1925 in Betrieb genommen wurde. [4] In seiner Architektur zeigt sich eine breite Palette stilistischer Ursprünge - dies ist die Ästhetik einer abfallenden neo-aztekischen Silhouette und eines Komplexes im Geiste des Kubismus, der Komposition sowie seltener Reliefs, die aufwendig in die Geist von L. Sullivan aus dem Nahen Osten, romanisches und keltisches Erbe. Gleiches gilt für die Hochhäuser um die Wende der 1920er bis 1930er Jahre.
Welche Rolle spielte jedoch die Entstehung des Wolkenkratzerstils auf der Internationalen Ausstellung für dekorative Kunst und Kunstindustrie von 1925 in Paris?
Die Ausstellung in Paris, die ursprünglich für 1914 geplant war und 1925 nach einer langen Baupause stattfand, sollte den Luxus der Architektur aus der Vorkriegszeit wieder aufleben lassen und sammelte alle Innovationen des ersten Viertels des 20. Jahrhunderts. Die Pavillons, später die Wolkenkratzer Amerikas, wurden im Geiste des Orientalismus und des Neoarchaismus entworfen - eine abfallende Silhouette, abgeflachte, fantasiegeometrisierte Reliefs, kontrastierende dekorative Akzente und ein asketischer Hintergrund. Dies waren die französischen Pavillons "Studio Louvre" und "Primavera", "Pomont" und "Metriz", Einkaufspassagen am Pont Alexandre III. Und eines der ersten Beispiele für den in die USA importierten "Stil von 1925" waren die exquisiten Metallgitter des berühmten Edgar Brandt, der an der Pariser Ausstellung teilnahm. Bereits 1925 schmückten sie das Madison Belmont Building in New York. Die Ausstellung von 1925 in Paris "gab dem Stil der 1920er und 1930er Jahre einen Namen" und wurde zu seiner Werbung, konnte aber die Ästhetik von Wolkenkratzern nicht im Alleingang definieren. [fünf]
Die Art-Deco-Architektur auf der Pariser Ausstellung von 1925 und die amerikanische Architektur um die Wende der 1920er und 1930er Jahre hatten gemeinsame Ursprünge, die beide Phänomene befeuerten. Der fehlende Zwischenschritt zwischen den isolierten Werken von L. Sullivan und F. L. Wright in den 1890-1900er Jahren und die niederländische Architektur um die Wende der 1910-1920er Jahre wurden zu einer massiven Verbreitung des neuen Stils. In Amsterdam tauchten zum ersten Mal nach dem Ersten Weltkrieg und Wrights Werken des 20. Jahrhunderts Beispiele für fantasiegeometrisiertes Dekor auf, und dieses Experiment war massiv und überzeugend. Darüber hinaus handelte es sich nicht um temporäre Strukturen, die nur für die Ausstellung geschaffen wurden, sondern um die städtische Umgebung. [6] Niederländische Architekten erkannten als erste das Innovationspotential von Wrights Stil und begannen, ihn zu entwickeln. In den späten 1920er Jahren werden die Schöpfer des amerikanischen Art Deco ihrem Weg folgen. Art Deco America wurde an der Kreuzung von Linien aus Chicago (von Sullivan und Wright), Paris und Amsterdam entwickelt und ist zu einer Ära der Massenanwendung und Konsolidierung zuvor erstellter Lösungen geworden.
Die Ära der Entstehung jener Trends, die Art Deco prägen werden, ist noch in den 1890-1900er Jahren. Die Stillinien, die sich um die Wende der 1920er und 1930er Jahre kreuzen, reichen bis in die frühe Art-Deco-Ära zurück und werden für mehrere Jahrzehnte die Weltmode pulsieren, konkurrieren und formen. 1893 verließ Wright Sullivans Werkstatt, und diese Divergenz der beiden Genies sollte die beiden Kanäle bilden, auf denen sich später das amerikanische Art Deco entwickeln würde. Das letzte Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts war für Louis Sullivan eine Zeit des Wohlstands, der Höhepunkt seiner Karriere. Dann, in den 1890er Jahren, arbeitete er aktiv mit Fantasie, planarem Dekor, während Wright seine eigene geometrisierte Architektur erfand.
Wrights monumentales frühes Art-Deco-Meisterwerk war der Einheitstempel im Oak Park, geschmückt mit ausgefallenem geometrischem Dekor (1906). [7] Und in seiner Architektur ist es offensichtlich und Leidenschaft für die japanische Kultur (insbesondere im Inneren) und die Entdeckung neuer Stiltechniken durch den Meister. [8] Die magische Form dieser Kirche mit unglaublicher Kraft "trifft" in zwei Richtungen und sagt sowohl den Neoarchaismus des Art Deco als auch die Abstraktion der Avantgarde voraus. Und genau diese Dualität wird für den Stil der Wolkenkratzer charakteristisch sein.
Die 1910-1920er Jahre wurden zu einer Ära des Austauschs architektonischer Innovationen für Europa und die Vereinigten Staaten, und nach der Ausstellung von 1925 in Paris, der Mode für einen neuen Stil, wird Art Deco die Städte Amerikas bereits vollständig übernehmen. Bereits 1910 wurde jedoch eine zweibändige Ausgabe von F. L. Wright (das sogenannte Portfolio von E. Wasmut). Es hatte erhebliche Auswirkungen auf die Entwicklung von Avantgarde und Art Deco in Europa. [9] Die Antwort des Einheitstempels waren die Gebäude der Synagoge (G. Elte, 1927) und der Jerusalemer Kirche (FB Jantsen, 1929), die in Amsterdam erbaut wurden und ihre Formen wiederholten. Die Lobby der U-Bahnstation Sokolniki in Moskau (1935), die aus horizontalen Gesimsen und Rahmen sowie Sockeln mit charakteristischen Vasen bestand, wurde zu einer seltenen Annäherung an den Stil des Chicagoer Meisters und die Stromlinie in der UdSSR. [zehn]
Die Arbeit von Frank Lloyd Wright in den 1900er und 1920er Jahren erscheint als allmähliche Bewegung vom "Präriestil" zum Konzept der "Textilblöcke". Und die wichtigste Inspirationsquelle für den Meister in diesen Jahren ist das Erbe der Azteken und Mayas. [11] Der Einfluss der archaischen mesoamerikanischen Architektur auf Wrights Stil war indirekt, aber signifikant. Es war keine Stilisierung. Monumentale Stufenfundamente und doppelte horizontale Stangen, Rahmen ("Präriehäuser", Robie House) und Gürtel mit abgeflachten Reliefs und Mustern (Winslows Haus, Midway Gardens, Hermans Lagerhäuser) und sogar flache Dächer (Unity Temple) - alles Dies war gleichzeitig ein Umdenken der Bilder der alten mesoamerikanischen Architektur, vor allem der Tempel von Uxmal, und eine vielfältige, talentierte stilistische Innovation.
Um die Wende der 1910-1920er Jahre begann Wright in Japan und Los Angeles zu arbeiten, wo er eine großartige Reihe privater Villen und Villen baute. Erbaut in der Architektur der sogenannten. "Textilblöcke" verkörperten sie eine paradoxe und ausdrucksstarke Synthese neoarchaischer und technokratischer Motive. [12] Somit ist die Entwicklung von F. L. Wright in den 1910er und 20er Jahren bestand in der Komplikation der architektonischen Dekoration und der Annäherung an die Art-Deco-Ästhetik. [dreizehn]
1924 zeigt Wright selbst, wie man den Stil seiner Villen in Wolkenkratzer verwandeln kann: Für Chicago schafft er das prächtige National Life Insurance Building. Seine Konzession wurde durch das Zonierungsgesetz diktiert, und nur die Methode des flachen geometrisierten Reliefs war, wie es scheint, wirklich neoarchaisch, mesoamerikanisch. Die Arbeit mit dekorativen Einsätzen (Muster, "Texturen") findet jedoch in den USA eine andere Quelle - der Fantasy-Stil von Louis Sullivan wird der Vorbote flacher Art-Deco-Basreliefs sein.
In seinen Werken schlug Sullivan in den 1890er Jahren das Thema eines abgeflachten Fantasy-Basreliefs als Dekoration für ein Zwischenfenster-Medaillon und ein Eingangsportal vor. [14] Dies waren die Gebäude des Meisters in St. Louis (1891), Chicago (1893), Buffalo (1894), New York (1899) und anderen. Bei der Arbeit mit den Fassaden mehrstöckiger Bürogebäude war es Sullivan Wer begann, den Kontrast von dekorativen Akzenten und Sparmaßnahmen, Betrug und abgeflachtem Relief zu nutzen, und Art-Deco-Wolkenkratzer auch. Ihre dekorative Palette umfasste neoarchaische Motive und Fantasien - geometrisch, technokratisch wie Wrights und blumig, orientalistisch wie Sullivans. Beide Meister verließen sich jedoch auf ihr Talent als Zeichner, Erfindung und archaisches, orientalistisches Erbe. Und genau diese Dualität von Dekoration, Arbeit an der Schnittstelle von Stilisierung und Innovation, wurde in den 1920er und 1930er Jahren von Sullivan und Wright auf den Stil von Wolkenkratzern übertragen.
Man könnte sagen, Art-Deco-Wolkenkratzer wurden im "Stil der Ausstellung von 1925" geschaffen, aber ihre Details machen einen deutlichen Eindruck davon, von sich selbst mit Talent gezeichnet zu werden. Hinter ihnen spürt man eine kraftvolle Kultur, ein massives Experiment, das bereits nur stilistisch genaue Lösungen liefert. Der Stil der Ausstellung wurde durch das Prisma seines eigenen Erbes wahrgenommen. Und wenn für das Paris der Zwischenkriegszeit der "Stil von 1925" eine Ausnahme war, dann war er in den Vereinigten Staaten eindeutig national und hatte hier seine auffälligste Verkörperung erhalten. Art-Deco-Wolkenkratzer wurden für die Vereinigten Staaten zu einer Art "Wiederbelebung" ihrer eigenen archaischen Pyramiden der Azteken und Mayas, zu einem Dialog mit den Pionieren des neuen Stils - Sullivan und Wright - und deshalb gewann der "Stil von 1925" so große Popularität in amerikanischen Städten.
Literatur
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- Secrest M. Frank Lloyd Wright: Eine Biographie - University of Chicago Press, 1998
[1] Ein Meilenstein in der New Yorker Architektur war der Bau des Equitable Building im Jahr 1915, eines rekordverdächtigen Büroraums. Bereits 1916 wird ein Zonierungsgesetz verabschiedet, das als P. P. Zuev erlaubte es den Gebäuden, so hoch wie gewünscht zu sein, beginnend mit einem Abschnitt des Turms, der einem Viertel der Fläche des Geländes entspricht, und forderte eine Einkerbung ab einer Markierung von 45-60 m, dh einer und eine halbe Breite der Straße. In der Folge wurden ähnliche Zonierungsgesetze in anderen Städten in den Vereinigten Staaten erlassen. [4, S. 6]
[2] Die Art-Deco-Ära war sich ihrer Ursprünge bewusst, daher war der Pavillon "Mayan Temple", der für die Weltausstellung "Age of Progress" in Chicago (1933) gebaut wurde, eine Reaktion auf den Pavillon "Angkor" im International Colonial Ausstellung in Paris (1931). Eines der ersten Beispiele für dieses Interesse war der Pavillon "Tempel der Azteken" auf der Weltausstellung in Chicago (1893).
[3] Wie P. Baer betont, trug die Revolution in Mexiko im Jahr 1910 zur intensiven Untersuchung der Denkmäler des präkolumbianischen Amerikas bei. Ihr Stil erwies sich nicht nur als erstaunlich, sondern auch als neu - wie sie sagen: „Die Indianer waren die ersten Kubisten “. [11, S. 16]
[4] Wie von K. Holliday festgestellt, wurden die flachen Reliefs des Barclay-Vezier-Gebäudes bereits vor der Ausstellung im Jahr 1925 angefertigt. R. Walker selbst verwies auf die römische Antike und die Werke von L. Sullivan als Quellen. [14, S. 50]
[5] Wie von T. G. Malinin, der Begriff "Art Deco", entstand 1966 auf der Welle des Interesses an der Kunst der Zwischenkriegszeit und im Zusammenhang mit der Ausstellung zum 40. Jahrestag der Ausstellung in Paris (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). Die gleiche Abkürzung "Art Deco" (Arts Deco) wurde in den 1920er Jahren erstmals in den Artikeln von Le Corbusier verwendet, zunächst in einem ironischen, kritischen Sinne. [5, S. 27; 8, S. 206]
[6] Weitere Einzelheiten finden Sie im Artikel des Autors [1, S. 78-83].
[7] In den 1910er Jahren schuf Wright eine Reihe von Projekten in der Nähe von Art Deco, darunter das gerippte Call Building für San Francisco (1912), Projekte für die Carnegie Library in Ottawa (1913) und das Aline Barnsdel Theatre (1918). und Merchandising Building (1922) in Los Angeles usw. Das Larkin-Gebäude in Buffalo (1904, nicht erhalten), das Bock House in Milwaukee (1916) und das Hollyhock House in Los Angeles (1919-1922) wurden im Stil des frühen Art Deco umgesetzt.
[8] Zum ersten Mal mit japanischer Kultur, F. L. Wright (1867-1959) trifft sich auf der Weltausstellung in Chicago (1893). 1905 unternahm Wright eine Reise nach Japan (der erste einer Reihe) und begann, japanische Drucke zu sammeln. In Tokio entwirft er das Imperial Hotel (1919-1923, nicht erhalten) und die Villa von T. Yamamura (1918-1924) in Tokio. Und genau aus der japanischen Architektur scheint Wright sowohl die Ästhetik stark ausgedehnter Gesimse und Dachschrägen zu erkennen, die das Bild und die Silhouette von "Präriehäusern" bilden, als auch die Farblösungen von Innenräumen, beispielsweise in Unity Temple und Robie House.
[9] Wrights Einfluss ist auch am ikonischen Beispiel der europäischen Avantgarde deutlich zu erkennen - dem Bau des Rathauses in Hilversum (V. Dudok, 1928), das eine Art vergrößertes Bild von Robie House (1908) verkörperte. Der Einfluss von Wrights Stil macht sich auch in den Werken von O. Perret bemerkbar. Die Buntglasfenster des Roby House sind im Inneren der Kirche Notre Dame de Rency (1922), dem stark gerenderten, vereinfachten Gesims der Einheit, erkennbar Die Tempelkirche "vervollständigt" die Fassade des Theaters auf den Champs Elysees (1913).
[10] Streamline gilt als einer der Trends der Art-Deco-Ära. Zu den seltenen einheimischen Beispielen gehört das Gebäude des in Moskau erbauten Kaufhauses Danilovsky (G. K. Oltarzhevsky, 1936). Dies scheint eine Reaktion auf das Mooshaus in Berlin gewesen zu sein (E. Mendelssohn, 1923). Der Bau des Volkskommissariats für Land wurde auch durch die Horizontalen von Gesimsen und Rahmen bestimmt (A. V. Shchusev, 1933). So erscheinen in der Architektur die ersten Beispiele für gerippten Stil und Stromlinien vor ähnlichen Formen im Autodesign. Weitere Einzelheiten zu den Stiltechniken der Stromlinienarchitektur finden Sie in [2, S. 29; 6, S. 389]
[11] Das Erbe der Azteken und Maya war Wright auch zugänglich, so der Grafiker F. Caserwood, der in den 1840er Jahren erstmals die Ruinen der Tempel des präkolumbianischen Amerikas erforschte und skizzierte und aus seinen eigenen Eindrücken bekannt ist - aus dem "Aztekentempel" auf der Weltausstellung 1893 in Chicago (wo die Werkstatt Sullivana den Pavillon "Transport" errichtete) und aus einer Sonderausstellung mit Modellen und Fotografien von Mayatempeln auf der Panama-California-Ausstellung in San Diego, die die Meister im Jahr 1915 besucht.
[12] Zum ersten Mal arbeitete Wright in den 1910er Jahren mit "Textilblöcken", sodass die Entscheidungen getroffen wurden - Midway Gardens (Chicago, 1914, nicht erhalten) und A. Hermans Lagerhaus (Richland Center, 1915). In Los Angeles implementiert Wright in diesem Stil eine Reihe von Villen - Storer House (1923), Millard House (1923), Freeman House (1923) und Ennis House (1924). Wrights Meisterwerk war das Hollyhock House (1919-22). Benannt nach der Hollyhock-Blume, wurde sie mit einer Vielzahl von geometrischen Dekorationen geschmückt, sowohl pflanzenartig als auch technokratisch.
[13] Lassen Sie uns erklären, dass Wrights Werke in den Jahren 1900-1910 ihrer Zeit wirklich voraus waren - sowohl in Bezug auf Architekturgrafiken als auch in Bezug auf Plastik und Komposition von Bänden. In den späten 1920er Jahren, als die Art-Deco-Architektur ihren Höhepunkt erreichte, war Wright jedoch nicht gefragt. Während in den Werken des Meisters eine gewisse Konvergenz der fantasiegeometrisierten Kunststoffe seiner Villen mit der offen neoarchaischen, mesoamerikanischen Stilisierung zu verzeichnen war, war in Europa und der UdSSR bereits eine Avantgarde-Ästhetik im Gange. Und um die Wende der 1920er und 1930er Jahre war Wrights Architektur paradoxerweise weder in den in den Klassikern errichteten Hauptstädten Washington und Moskau noch in den Kreativlabors von VKHUTEMAS und Bauhaus relevant.
[14] Wright erbte von Sullivans Denken in abgeflachten Reliefs, Mustern und stark ausgedehnten rechteckigen Gesimsen (wie im Einheitstempel). Die Unterscheidung der Art-Deco-Ära der 1920er und 1930er Jahre war die Fertigstellung von Gebäuden nicht mit Gesimsen, sondern mit abgeflachten Profilen und Details, Dachböden und neoarchaischen Leisten.
