- Was bedeutet Ihre Installation? Was ist Ihrer Meinung nach am interessantesten daran?
„Unsere Installation wurde„ Das Museum für ländliche Arbeit “genannt, und das Interessanteste daran ist meiner Meinung nach die Beziehung zwischen dem Außenbild und dem Innenraum. Dies ist ein Turm mit einem Durchmesser von 3,2 Metern und einer Höhe von 8 Metern, der von außen wie eine geometrische Skulptur wirkt - eine Art Ordnungssäule, die aus dem Nichts auf einem Kartoffelfeld in der Nähe des Dorfes Zvizzhi und gleichzeitig auftauchte Die Zeit sieht so aus, als ob sie immer da stand. Wenn man es betrachtet, können die unterschiedlichsten Assoziationen entstehen - von einem banalen Wasserturm bis zur letzten Säule der verschwundenen Akropolis, und vor allem wird es von außen ziemlich schwierig sein, das wahre Ausmaß zu beurteilen, da eine Struktur mit ausgekleidet ist Adobe wird visuell mit seiner irdenen Basis und der allgemeinen Umgebung verschmelzen.
Diejenigen, die in kleine Städte und Dörfer reisen, sind an solche kleinen Vertikalen gewöhnt, Wassertürme, die längst ihre Funktionalität verloren haben, aber als Erkennungszeichen für Siedlungen dienen. Unser Turm von der Seite wird wie eine halb verlassene Dominante aussehen, obwohl er eigentlich als bewohnt gedacht ist. Wir haben den Eingang nur ziemlich unauffällig gemacht und ihn auf der der Straße gegenüberliegenden Seite platziert. Der Innenraum ist nach oben gerichtet und wird mit warmem Licht beleuchtet, und an den Wänden des Turms platzieren wir Objekte des ländlichen Lebens. Der Turm wird als „Museum für ländliche Arbeit“bezeichnet, da er echte Artefakte enthält, die sich nur vorübergehend in Ausstellungsobjekte verwandeln.
Wer sind Ihre Co-Autoren in diesem Projekt?
- Wir haben das Museum für ländliche Arbeit zusammen mit der talentierten Architektin Agnia Sterligova erfunden und realisiert. Unsere Zusammenarbeit begann 2012, als Agnia als Teil des SPEECH-Büros an einem Projekt zur Ausstellung des russischen Pavillons auf der Architekturbiennale in Venedig beteiligt war. Zusammen mit Agnia, heute eine unabhängige praktizierende Architektin, haben wir auch Installationen in Mailand gemacht - U-Cloud im Jahr 2014 und Living Line im Jahr 2015 (zusammen mit Sergey Kuznetsov). Im Januar dieses Jahres haben wir das Design der Jan Vanrita-Ausstellung entwickelt. “Das Gesicht verlieren “für das Jüdische Museum und das Toleranzzentrum in Moskau.
Sie haben Projekte in Mailand durchgeführt, aber noch nie an Archstoyania teilgenommen. Warum jetzt?
- Es ist mir eine große Ehre, am Archstoyanie-Festival teilzunehmen. Dieses Jahr findet das Festival zum zehnten Mal statt, und um ehrlich zu sein, ich habe nicht sofort eine Einladung erhalten, einer seiner Autoren zu werden. Das erste Mal, dass Nikolai Polissky mir dies anbot, war vor ungefähr drei Jahren. Und dann betrachteten wir einen sehr interessanten Ort am Eingang zu Nikola-Lenivets, aber so kam es, dass das Festival gezwungen war, die Geographie der Installationen anzupassen, ein anderer Ort erschien für uns und für ihre Agnia Sterligova und ich machten auch zwei Vorschläge, aber aus verschiedenen Gründen und sie wurden nicht implementiert. Und dann erschien Zvizzhi, dieses Kartoffelfeld, die Idee eines Eintrittsschilds, und schließlich, wie sie sagen, kam alles zusammen. Und darüber freue ich mich sehr.
Wie hat dich der Archstoyanie-Kontext beeinflusst? Wie unterscheidet sich Ihre Installation von Ihren anderen Werken im selben Genre?
- Das Hauptthema von Archstoyanie ist genau der Raum, die Landschaft, in der das Festival stattfindet, und alle Installationen hier sind große architektonische und skulpturale Objekte, die in der natürlichen Umgebung entstehen und sich dann niederlassen und ständig mit dieser Umgebung interagieren. Das Genre der Ausstellung, der temporären Architektur, ist für mich im Prinzip sehr interessant, und die Möglichkeit, ein Objekt zu schaffen, das sich nicht auf die Verstädterung, sondern nur auf die natürliche Umwelt konzentriert, sollte allgemein als einzigartig anerkannt werden, also haben wir uns in den Kontext gestürzt mit großer Freude und versuchte, eine interessante handgemachte Verkörperung dafür zu finden. Dies beeinflusste natürlich auch die Materialwahl. Wir haben verstanden, dass hier nur absolut natürliches Material angemessen ist, aber gleichzeitig kein Holz, da das Thema Holzarchitektur unserer Meinung nach bei Archstoyanie bereits mehr als offengelegt wurde. Wir suchten also nach einem ebenso natürlichen, "lebenden" Material, das ganz natürlich erschien und irgendwann genauso natürlich verschwinden kann. Und am Ende haben wir uns für eine Adobe-Verkleidung entschieden und im Idealfall die Tatsache betont, dass unsere Struktur aus dem Boden herauswächst, was die Arbeit am Boden symbolisiert, die immer die Hauptstütze war und bleibt, die Säule, auf der das menschliche Wohlbefinden beruht.
Obwohl Material, Proportionen und Funktion kompositorisch und bildlich unterschiedlich sind: als etwas, das auf freiem Feld steht, gibt es eine Ähnlichkeit mit Brodskys Rotunde, die auf den Feldern in der Nähe in Nikola-Lenivets steht. Wie bewusst ist diese Ähnlichkeit? Ist es eine Hommage an einen Ort, einen postmodernen Dialog oder einen Unfall? Oder provoziert die Landschaft?
- Um ehrlich zu sein, sehe ich keine Ähnlichkeit zwischen unserem Objekt und Alexander Brodskys Rotunde. Kann die runde Form beider Objekte zu einer solchen Annahme führen? Eine solche Form ist wirklich immer sehr interessant und wird in natürlichen Räumen vorteilhaft wahrgenommen - eine Tatsache, die zumindest seit der Renaissance bekannt ist. Und in Bezug auf Proportionen, Materialien, Wahrnehmung sind unser "Museum" und unsere "Rotunde" völlig unterschiedlich. Einige Parallelen könnten eher zu Nikolai Polisskys "Beaubourg" gezogen werden - einer länglichen Form, gekrönt von einer Art Vollendung. Aber ich wiederhole, wenn sich unser Objekt auf einige Prototypen bezieht, dann sind dies reale Wassertürme zahlreicher Dörfer und Dörfer.
