Hani Rashid kam nach Moskau, um im Rahmen des Sommerprogramms des Strelka-Instituts für Medien, Architektur und Design einen Vortrag „Moscow Experience“zu halten.
Archi.ru:
In Moskau interessiert sich jeder sehr für Ihr zukünftiges Museum im ZIL - einem Zweig der Eremitage. Wir haben noch kein einziges mehrstöckiges Museumsgebäude, und solche Gebäude sind auf der Welt selten. Wie planen Sie, die Ausstellungsräume auf Etagen, übereinander oder auf andere Weise zu verteilen?
- Eine der Schlüsselideen bei der Lösung unseres Projekts war, dass wir eine neue Einstellung dazu vorgeschlagen haben, wie man Kunst betrachtet und wie man sie wahrnimmt. Für "traditionelle" zeitgenössische Kunst wird das Gebäude "reguläre" Galerien mit weißen Wänden, klarem, durchgehendem Raum usw. haben. Gleichzeitig wird es jedoch weniger vertraute Räume geben, durch die sich der Besucher bewegt und in denen Künstler eingeladen werden, einzigartige Werke zu schaffen und möglicherweise Experimente durchzuführen. Das Museum hat auch Räume geplant, in denen sehr große Werke ausgestellt werden können, beispielsweise bis zu 30 m hoch.
Wenn Sie über die Geschichte der Museumsarchitektur nachdenken und darüber, wie Menschen Kunst im öffentlichen Raum in Bezug auf Geschichte und Tradition betrachten, ist es wichtig, ältere Museen in diesem Zusammenhang zu analysieren. Im 18. und 19. Jahrhundert wurde die Beziehung zwischen dem Betrachter und dem Kunstwerk als etwas Heiliges angesehen, und in vielerlei Hinsicht hält der heutige „Galerieraum“an einer solchen Dynamik und Haltung fest. Gleichzeitig wurde diese Art der visuellen Erfahrung oft in Frage gestellt, das bedeutendste Beispiel aus der Mitte des 20. Jahrhunderts - das berühmte Frank Lloyd Wright Guggenheim Museum in New York. Die Rotunde dieses Museums schuf zunächst eine neue Beziehung zwischen Betrachter und Kunst, in der Kunst nicht nur aus unterschiedlichen Blickwinkeln und unterschiedlichen, einzigartigen Perspektiven gesehen werden konnte, sondern auch die Besucher des Museums ausgestellt wurden und damit die kollektive Wahrnehmung ergänzten der Kunst. In der Turbinenwerkstatt der Tate Modern in London schufen eigens für ihn in Auftrag gegebene Großarbeiten "Ereignisse", die Besucher [in ihre Umlaufbahn] lockten und so die Erfahrung des Betrachtens von Kunst von passiv in aktiv und sogar interaktiv verwandelten Erfahrung und Präsentation.
Wir haben speziell über diesen Aspekt unseres Museumsprojekts gesprochen und wollten die Erfahrung des "Betrachtens" von Kunst in gut gestalteten Räumen (mit durchdachter Beleuchtung usw.) mit den "zufälligen" Aktionen von Besuchern kombinieren, die es auch sind eingeladen, sich in verschiedenen architektonischen Zwischenbänden zu bewegen und durch sie Kunst auf einzigartige Weise zu betrachten - aus verschiedenen Perspektiven, die völlig neue Lesarten und, wie ich hoffe, neue Erkenntnisse fördern. Durch das Planungs- und Funktionsprogramm des Museums, das auf diese Weise entworfen wurde - als "Trennen" oder vielleicht sogar "Brechen" - entsteht eine Reihe von Räumen und Hohlräumen, die nacheinander bestimmte "Erwartungen" darüber verringern oder verringern, wie ein Museum für zeitgenössische Kunst sollte wahrgenommen werden. Zum Beispiel die Idee eines zentralen Atriums als autoritär und klar definiert, das Mitte des letzten Jahrhunderts vom New Yorker Guggenheim ins Leben gerufen und von Frank Gehrys Guggenheim in Bilbao weiter betont wurde, für dessen Projekt es von zentraler Bedeutung ist. Viele neue Museen nutzen das Atrium heute als Weg, über den sich White-Box-Galerien befinden. Dies ist für uns in der Tat problematisch, um Kunst zu erleben - es ist ein Klischee, das erneut in Frage gestellt werden muss.
Im Zusammenhang mit dem gesamten Gebiet der ZIL gibt es ein Problem: Es wird ein fast völlig neues Gebiet sein, und solche Gebäude sind oft leblos und künstlich. Sie haben viele Projekte neuer Gebiete für verschiedene Städte der Welt. Wie kann diese Künstlichkeit bei Neuentwicklungen verhindert werden?
- Ich stimme zu, dass es schwierig sein kann, dieses Syndrom zu verhindern, wenn Wirtschaft und Politik die Motoren für solche Projekte sind. Im Fall von ZIL sind sowohl der Autor des Generalplans Yuri Grigoryan mit seinem Megan-Büro als auch unser Kunde Andrey Molchanov und seine LSR-Gruppe sehr daran interessiert, ein solches Problem zu vermeiden. Von Anfang an haben sie uns gebeten, einfühlsam und nachdenklich mit dem ZIL-Territorium umzugehen, einschließlich seiner Gebäude, seiner Geschichte und seines Erbes, während wir gleichzeitig beauftragt wurden, in diesem Zusammenhang etwas Neues, „Erfrischendes“und Kraftvolles zu entwerfen - als Katalysatorintegral Entwicklung dieses Territoriums. Das ist unser Ziel.
Unser Gebäude für das Hermitage Modern Contemporary Museum befindet sich am Boulevard of Arts, der für Yuri Grigoryans Masterplan von zentraler Bedeutung ist. Das Leben im ZIL wird sich um Kultur kümmern, einschließlich zeitgenössischer und zeitgenössischer Kunst. Die Existenz des Museums zeigt, dass die Entwicklung dieses Gebiets tatsächlich als bedeutendes kulturelles Projekt angesehen wird. Ich denke, dass dies eigentlich die Hauptidee von Andrei Molchanov ist - dies im gesamten Gebiet der ZIL zu erreichen. Das neue Museum soll zusammen mit anderen für dieses Gebiet geplanten Kulturobjekten die mögliche Leblosigkeit und Sterilität vermeiden, die einige der neuen Gebiete charakterisieren.
Haben Sie ein weiteres Gebäude in der ZIL, einem 150 Meter hohen Wolkenkratzer?
- Der ZIL-Turm ist ein sehr elegantes Stück moderner Architektur, wie kein anderes Gebäude der Welt. Ich denke, es wird eine einzigartige Ergänzung der Moskauer Landschaft sein.
In unseren beiden Projekten für das ZIL-Gebiet haben wir seine Geschichte in Bezug auf die russische Moderne und die Kunstgeschichte dieser Zeit untersucht. Ich selbst bewundere die Konstruktivisten, insbesondere den konstruktivistischen Künstler Gustav Klutsis. Klutsis schuf zu Beginn des 20. Jahrhunderts sehr interessante "Radiosprecher" und andere Werke. Unser Entwurf für den Turm am ZIL wurde von diesen dynamischen und kraftvollen Strukturen sowie von Gemälden und anderen Werken von Vladimir Tatlin, El Lissitzky und mehreren anderen Meistern dieser wichtigen Periode in der Kunst- und Architekturgeschichte in Russland beeinflusst.
Sowohl der Turm als auch das Museum wurden unter dem Einfluss des ZIL selbst, seiner alten Werkstätten, seiner bemerkenswerten Geschichte und seines Erbes geschaffen. Ich habe Dziga Vertovs unglaublichen Film „Der Mann mit der Filmkamera“viele Male gesehen, um die Gefühle und Emotionen sowie die Dynamik und Ästhetik, die aus der alten Energie des Fahrzeugmontageprozesses und deren Pracht gewonnen werden können, besser zu verstehen Fabriken - vor allem ZIL.
Unser Museumsprojekt wurde auch vom russischen Konstruktivismus inspiriert, insbesondere von El Lissitzkys Prouns. In beiden Fällen - dem Turm und dem Museum - sind direkte Zitate und ausgeprägte ästhetische Ähnlichkeiten jedoch nicht offensichtlich und nicht beabsichtigt. Dies sind keine postmodernen Projekte, und wir wollen diese Werke nicht wie Gebäude der konstruktivistischen Ära aussehen lassen, Gebäude der Vergangenheit im Allgemeinen. Wir versuchen vielmehr, den Geist zu erwecken - die Grundlage so vieler radikaler Ideen, die die Konstruktivisten in ihrem kraftvollen, revolutionären formalen Ansatz für eine wirklich dynamische Räumlichkeit zum Ausdruck gebracht haben.
Das Design des Museums ist auch von etwas unerwarteteren Quellen inspiriert, darunter der russischen Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts. Die schönen und gleichzeitig "hartnäckigen" Landschaften dieser Zeit haben einen starken inneren Glanz und die Wirkung der Atmosphäre. Ich möchte, dass dieses Gebäude auch diese Empfindungen hervorruft - in Kombination mit inspirierten Innenräumen und Geräumigkeit.
Ein weiterer wichtiger Aspekt, der bei der Erörterung des Museums und des Turms berücksichtigt werden muss, ist das sehr städtische Konzept des Boulevard of Arts, bei dem der Schwerpunkt auf kulturellen Einrichtungen wie einem Zentrum für darstellende Künste, einem Puppentheater, einem großen „Kunstpark“und liegt weitere Projekte. Der gesamte Plan für ZIL ist das Ergebnis der Vision von Andrey Molchanov, der wirklich versteht, dass der Wohnungsbau eine tiefere Reflexion über andere Aspekte der menschlichen Dimension erfordert.
Molchanov reiste speziell nach New York und Los Angeles sowie in verschiedene europäische Städte, um "internationale" Architekten zu Projekten für ZIL einzuladen. Er hat uns insbesondere gebeten, etwas ganz Besonderes und Sensibles für die Geschichte Moskaus und der ZIL zu schaffen.
Ich glaube, Molchanov ist sich der Besonderheiten der Situation bewusst, in der prominente Architekten aus dem Ausland eingeladen werden, "vor Ort" zu arbeiten. In diesem Fall werden wir besonders auf die besonderen Eigenschaften eines Ortes und einer Stadt achten. Wir wurden gebeten, zwei sehr starke und attraktive Gebäude neben anderen gut durchdachten Gebäuden, interessanten Wohnprojekten und öffentlichen Räumen zu entwerfen. Ich muss hinzufügen, dass es sehr gut ist, dass Yuri Grigoryan zusammen mit Andrei Molchanov beschlossen hat, einige der alten Gebäude im Masterplan zu belassen, damit einige der Merkmale des ursprünglichen Territoriums ein wesentlicher Bestandteil der neuen Geschichte werden von ZIL.
Sie entwerfen für verschiedene Länder der Welt, während überall - Ihre Traditionen, Ihr Niveau an Bautechnologien. Wie gehen Sie mit diesem Unterschied um?
- Auf diese Frage gibt es zwei Antworten. Einerseits bin ich, da mein Vater ein in Ägypten geborener und in Paris ansässiger abstrakter Maler war und meine Mutter Britin, im Wesentlichen eine kulturelle Hybride. Außerdem verließen meine Eltern ihre Heimatländer und zogen nach Kanada, wo ich aufgewachsen bin. Das heißt, ich sehe mich als eine Art „kultureller Nomade“. Unabhängig davon, wo ich in Bezug auf Ort und Kultur arbeite, habe ich eine Sensibilität für das, was ich als „DNA“eines Ortes bezeichnen könnte. Als Kind habe ich in so vielen Ländern gelebt, und als Erbe zweier sehr unterschiedlicher Kulturen war es für mich notwendig, diese Sensibilität zu entwickeln. Dieser Instinkt ist einfach eine Frage des Überlebens und als Mittel, um zu verstehen, wo ich mich befinde besonderen Moment in der Zeit.
Auf der anderen Seite hat jedes Projekt, da wir für verschiedene Städte und Kontexte entworfen und gebaut haben, seine eigenen Einschränkungen aufgrund eines bestimmten Standorts, einer bestimmten Agenda, eines bestimmten Programms, einer bestimmten Wirtschaft usw. Viele der Möglichkeiten, die jeder Standort bietet, sind einzigartig und wir müssen sie "extrahieren". Wir gehören nicht zu den Architekten, die unabhängig vom Kontext dieselben Projekte für verschiedene Orte auf der ganzen Welt entwerfen. Vielmehr entwerfen wir Gebäude, die auf das Programm und das Budget zugeschnitten sind, wie in diesem Fall nicht zu extravagant oder übertrieben. Unsere Absicht war es immer, unsere Arbeit gleichzeitig diskret und intelligent zu gestalten, mit besonderem Augenmerk auf die Wahl der Gebäudetechnologien und der lokalen Materialien. Gleichzeitig argumentieren wir, dass die Konstruktion sehr weit fortgeschritten sein muss, und suchen daher nach einem Ansatz, mit dem wir hohe Ergebnisse erzielen können. Ein weiterer wichtiger Aspekt ist die Auswahl des Projektteams, ähnlich wie bei der Schaffung eines Orchesters: Auswahl der richtigen Personen, Komponenten, Suche nach den richtigen Techniken, Werkzeugen und Methoden. Ein exzellentes Team, mit dem Sie in allen Aspekten des Designs zusammenarbeiten, entscheidet über den endgültigen Erfolg des Unternehmens, unabhängig davon, wo sich das Projekt befindet [das SPEECH-Büro ist für beide Asymptote-Projekte für ZIL verantwortlich - Anmerkung von Archi.ru].
Diese beiden unserer Moskauer Projekte werden nicht nur wichtig sein, weil sie ein wesentlicher Bestandteil der aktuellen russischen Situation sind, sondern auch, weil sie innovativ und in Bezug auf Kultur, Technologie und Wirtschaft relevant sein werden. Wir hoffen, dass sie auch für die Anwohner wichtig sind und als relevante und spirituelle Werke wahrgenommen werden. Diese Asymptote-Projekte werden der Architektur gerecht, machen sie zu ihrem Hauptthema, und um dies zu erreichen, müssen sie nicht teuer oder anspruchsvoll sein. Für uns ist es ein sehr realistisches Ziel, diese Herausforderung anzunehmen, denn wie Sie sehen, sind wir nicht die Art von Architekten, die beauftragt sind, ein Badezimmer oder einen Tanzsaal zu vergolden (lacht).
Wie haben Sie diese Bestellung erhalten? Wurde es Ihnen angeboten oder gab es einen Wettbewerb?
- Ich habe Andrey Molchanov letzten Winter in Moskau getroffen und dann hat er mich gebeten, einen Turm für ZIL (ZIL Gateway Tower) zu entwerfen. Als wir ihm unser Werkportfolio zeigten, interessierte er sich für unser Projekt für den Wettbewerb für das Guggenheim-Museum in Helsinki, und ich glaube, dass uns nach Verhandlungen mit dem Direktor der Eremitage, Michail Piotrowski, angeboten wurde, ein zu entwickeln Projekt für die Filiale der Eremitage in Moskau zur Ausstellung moderner und moderner Kunst. Ich denke, dass sowohl Molchanov als auch Piotrovsky wissen, dass wir trotz der Tatsache, dass wir "Stars" -Architekten genannt werden, nicht auf einem bestimmten Stil oder dogmatischen Ansatz bestehen, sondern dass das Gegenteil der Fall ist: Wir suchen immer nach einem neuen Blickwinkel Sicht auf jede Situation. Dank eines glücklichen Zufalls hatten Mikhail Piotrovsky und ich viele Jahre lang interessante Gespräche darüber, wie wir neue Museen gestalten können - einzigartig und überzeugend. Die Dinge haben sich also schon lange zusammengesetzt, aber jetzt sind wir sehr damit beschäftigt, an zwei wunderbaren Projekten in Moskau zu arbeiten - und fühlen uns geschmeichelt.
Wie stehen Sie zu Wettbewerben, insbesondere zu großen internationalen, wie dem jüngsten für das Projekt des Guggenheim-Museums in Helsinki? Bereichern Wettbewerbe die Architekturkultur oder verschwenden Architekten nur ihre Zeit damit?
- Architekturwettbewerbe als Idee sind für unseren Beruf sehr wichtig und nützlich. Ich selbst habe zusammen mit Liz-Anne Couture unseren ersten Wettbewerb gewonnen, als ich erst 27 Jahre alt war. Das Projekt hieß Los Angeles Gateway und war ein internationaler Wettbewerb. Die Mission bestand darin, ein Denkmal für ein neues Denkmal zu schaffen, das an die US-Einwanderung aus dem Pazifik erinnert. Dies war sehr wichtig für unsere Karriere und für die Gründung unseres Büros Asymptote. Daher denke ich, dass Wettbewerbe wirklich sehr wichtig sind, insbesondere für junge Architekten. Auf der anderen Seite scheinen die Ausschreibungen heute immer operativer zu werden. Es scheint mir, dass "Kunden" (wie Sie hier Kunden nennen) zunehmend Wettbewerbe organisieren, nur um Ideen für wenig Geld zu bekommen - wenn überhaupt nicht kostenlos. Ja, wir können sagen, dass wir Architekten ein bisschen Masochisten sind, da wir an solchen Wettbewerben teilnehmen, auch wenn wir wissen, dass das mögliche Ergebnis nur eine Verschwendung von Geld und Zeit ist. Wir selbst haben viel Zeit, Energie und Ressourcen in Wettbewerbe investiert, nehmen aber auch heute noch daran teil: Dies ist ein seltsamer Aspekt unseres Berufs. In den letzten Jahren ist in diesem System der Verwendung von Architekten zur "Untersuchung" eines Problems oder eines "möglichen" Projekts noch mehr Missbrauch zu beobachten: Ich spüre eine zunehmende Ausbeutung einer Wettbewerbsidee, wobei den teilnehmenden Architekten nichts übrig bleibt. Dies kann teilweise auf die sehr schnelle und oberflächliche Verbreitung von Bildern und Bildern über das Internet zurückzuführen sein, auf Kosten einer tieferen Diskussionsebene, die verloren geht.
Wir haben kürzlich an einem großen und wichtigen Wettbewerb in New York teilgenommen, und - so verrückt es auch klingen mag - der Kunde hat sich letztendlich entschieden, keinen der 14 prominenten Architekten und Baukonsortien einzuladen, die an diesem monatelangen Prozess teilgenommen haben. Stattdessen ohne einen Erklärung, er wählte einen Architekten, der überhaupt nicht am Wettbewerb teilnahm. Ich denke, dies ist ein Beispiel für einen Missbrauch, der sich sehr negativ auf unseren Beruf auswirkt.
Insbesondere der von Ihnen erwähnte Wettbewerb um das Guggenheim-Museum in Helsinki war ein weiteres eindrucksvolles Beispiel für die völlige Absurdität des gegenwärtigen Zustands des Wettbewerbssystems. Am Ende spielt es keine Rolle, wie gut oder schlecht die Gewinner sind (und ich denke, diese Gewinner sind übrigens ziemlich gut). Denken Sie bei fast 2.000 für den Wettbewerb eingereichten Projekten nur an die globalen Anstrengungen, die zur Erstellung dieser Projekte unternommen wurden. Es ist erstaunlich, wenn Sie darüber nachdenken. Am Ende ist die Auswahl des besten Projekts unter ihnen wie die Suche nach einer Nadel im Heuhaufen. Ich bin sicher, es gab Hunderte von interessanten, provokanten Werken, die es nicht einmal in die zweite Runde geschafft haben, ganz zu schweigen von den Preisplätzen.
Ein Teil des Problems besteht darin, dass die Architekturgemeinschaft selbst nicht in der Lage ist, sich ausreichend zu organisieren, um zu verlangen, dass alle Wettbewerbe angemessen bezahlt, ordnungsgemäß strukturiert und professionell organisiert werden. Aber auch hier gibt es immer irgendwo einen Architekten, der bereit ist, kostenlos zu arbeiten oder, nachdem er den Preis gesenkt hat, einen Kollegen zu umgehen, weshalb es uns am Ende alle leid tut.
Sie unterrichten seit langer Zeit viel an verschiedenen Universitäten. Hat sich Ihre Unterrichtsmethode im Laufe der Zeit geändert?
- Ich habe schon in jungen Jahren angefangen zu unterrichten, und als ich 28 war, war ich Professor an der Columbia University in New York. Es war vor dem Internet und den Computern, und zum größten Teil bauten meine Schüler nach meinen Anweisungen große experimentelle Installationen. Später, 1996, war ich Mitbegründer der Paperless Design Studios an der Columbia University: Es war ein ehrgeiziges Programm. Ich begann nur mit digitalen Mitteln zu unterrichten und verzichtete auf Papier, Bleistifte und im Wesentlichen alle Werkzeuge, die wir im Moment unserer Arbeit so gewohnt sind Beruf entstand. Es war ein sehr radikaler Schritt in einer sehr interessanten Zeit. Im Laufe der Zeit änderte sich meine Unterrichtsmethode: Ich interessierte mich mehr für die Stadt als Problem. Derzeit leite ich an der Fachhochschule Wien das Deep Futures Learning Lab / Branch. Dort untersuchen wir mit meinen Schülern die Auswirkungen von Technologie, sozioökonomischen Trends, Umwelt, Computer, digitaler Gestaltung usw. für die Zukunft unserer Disziplin und Städte. Mein Ansatz hat sich im Laufe der Zeit aufgrund der sich ändernden Situation mit Städten und dem Leben im Allgemeinen geändert.
Als ich Ende der 1980er Jahre anfing zu unterrichten, gab es eine sehr starke Architekturkultur, viel gute Kritik, Polemik und viel Theorie zu diskutieren und zu kritisieren. Gleichzeitig gab es auch trockene und konservative Ansichten, Architekten und Theoretiker, die sich auf die Vergangenheit konzentrierten, und diese Kombination ließ das klare Gefühl entstehen, dass radikales Denken in der Architektur wirklich notwendig ist. In diesem Moment fühlte ich es genauso wie die Dadaisten, Konstruktivisten, Futuristen und Surrealisten in ihrer Zeit, als ihre zeitgenössische Kunst ihnen rückläufig erschien. In den neunziger Jahren gab es noch mehr "kritische" Momente und Tendenzen, denen entgegengewirkt werden musste, vor allem durch den Beginn der Unternehmenskultur in unserem Beruf. Der Grund für den ständigen Wandel in der Lehre ist, dass Sie keine Zeit haben, zurückzublicken - und dies geschieht heutzutage sehr schnell, vielleicht sogar zu schnell -, so wie jede radikale Position vom Status quo absorbiert wird. Daher ist es notwendig, ständig sehr vorsichtig zu sein, wenn Sie die Grenzen unseres Berufs erforschen und studieren, wie ich es in meiner Lehre tue.
Im Moment interessiert mich vielleicht am meisten, wie man den Architekten als eine wirklich wertvolle Figur in unserer Gesellschaft definiert, um den Architekten wieder zu einem wertvollen Beitrag zum Denken, Vorstellen und vor allem zur Schaffung unserer Städte, städtischen Räume und Städte zu machen Gebäude. Wir mögen denken, dass der Architekt in dieser Formel immer noch wichtig ist, aber in Wirklichkeit haben wir sehr viel an Boden verloren. Wenn es heute darum geht, unsere gebaute Umwelt zu schaffen und zu gestalten, sind es heute meistens Ökonomen, Politiker, Technologen, Investoren, "Experten" -Berater usw. Richtlinien bilden und wichtige Entscheidungen treffen. Leider ist der Architekt diese hierarchische Leiter in eine Position zunehmender Impotenz gerutscht. Angesichts dieser Realität stelle ich beim Unterrichten die Frage: Wie erhalten und aktualisieren wir die Wissens- und Kompetenzbasis, die erforderlich ist, um den Architekten als Schlüsselakteur im sozialen Prozess der Gestaltung der gebauten Umwelt wiederherzustellen? Die Frage ist: Wie werden wir Architekten zu wichtigen Akteuren und nicht nur ein „Co-Executor“oder nur ein anderer Berater unter vielen anderen.
Bei meinen Studenten und in meinem Büro verwende ich häufig den Begriff "Raumtechnik", um mit diesem Dilemma umzugehen, und ich verwende diesen Begriff, um zu definieren, was unser Fachwissen wirklich ist. Letztendlich glaube ich fest daran, dass "technische Räumlichkeit" das Herzstück des Wissens und der Fähigkeiten eines Architekten ist. Wenn Sie darüber nachdenken, gibt es Künstler, die kompromisslos im reinen Raum arbeiten. Dies ist ihr Hauptinteresse und Anliegen. Auf der anderen Seite des Spektrums befinden sich Ingenieure - Bauherren, Designer, Mechaniker, Spezialisten für Akustik und andere Bereiche Sie sind mit der Realität beschäftigt, das Projekt zum Leben zu erwecken. Nach meiner Vorstellung stehen Architekten zwischen diesen beiden Extremen im Mittelpunkt. Vor diesem Hintergrund untersuchen wir in Wien unsere Disziplin aus dieser vielleicht merkwürdigen, aber wichtigen Perspektive, in der die Idee eines „Architekten“ernsthaft modernisiert werden muss, um die Position dieses vermittelnden und überlappenden Fachwissens einzunehmen.
