Ein Architekt und Künstler braucht keine besondere Einführung, auch nicht in die europäische Öffentlichkeit. Er ist einer der bekanntesten russischen Architekten im Ausland. 2006 vertraten seine Werke Russland auf der Biennale in Venedig. Heute befinden sie sich in den Sammlungen einer Reihe der wichtigsten Museen der Welt: dem Deutschen Architekturmuseum (Frankfurt) und dem MOMA Museum für zeitgenössische Kunst (New York)), der A. EIN V. Shchusev. In Europa ist Brodsky vor allem für seine "Papier" -Projekte bekannt: zahlreiche Konzepte, die zusammen mit Ilya Utkin für japanische Architekturwettbewerbe entwickelt wurden. Brodskys "Solo" -Werke - Installationen an der Grenze zwischen Architektur und zeitgenössischer Kunst sowie eine Reihe realisierter Objekte kleiner Formen - Innenräume, Restaurants, konzeptionelle Pavillons sind auch im Westen bekannt.
Die für die Ausstellung ausgewählten Arbeiten decken den Zeitraum der letzten dreißig Jahre ab und geben einen Überblick über die verschiedenen Techniken, mit denen der Architekt arbeitet. In der Halle der ersten Ausstellungsetage des Museums - Brodskys Werke in traditionelleren. Dies ist eine Bleistiftzeichnung, Radierung, Siebdruck. Eine Etage darüber - neue Arbeiten, die speziell für diese Ausstellung geschaffen wurden: Tongrafiken und Tuschezeichnungen auf Dachpappe.
Trotz der Vielfalt der Techniken sieht die gesamte Ausstellung wie eine einzige Aussage aus, die die Besucher mit den Hauptthemen und -motiven der Arbeit des Architekten vertraut machen soll. Im Zentrum von Brodskys Poetik stehen konventionelle, phantasmagorische Welten, die, wenn wir mit einem gewissen Grad an Konvention sprechen, im Stil der klassischen Architekturpräsentation präsentiert werden: Fassade, Schnitt, Perspektive, Gesamtansicht. Der Künstler konzentriert sich auf Kompositionen außerhalb der Zeit, genauer gesagt auf Spuren von Menschen und Geschichte.
In den Kammerhallen oder, wie die Mitarbeiter des Museums selbst lieber nennen, sind die „Büros“im Untergeschoss Werke der 1980er bis frühen 2000er Jahre. Hier ist Brodsky der Nachfolger des Pyranesianismus mit seiner Monumentalität und Phantasmagorizität, sein Blick ist jedoch immer der Blick eines Postmodernisten mit charakteristischer Ironie, Bedeutungsschichtung und Offenheit für verschiedene Interpretationen. Eines der Themen ist die Einheit von Chaos und klassischer Schönheit, postmoderner Entropie und Renaissance-Bildern. Sein Ausdruck ist sowohl in chaotischen fraktalen Perspektiven mit der Einführung architektonischer Hauptelemente - Pyramiden - als auch in der Erscheinung eines schwingenden Pendels unter einer fraktalen klassischen Komposition und im industriellen Chaos, das in einem Längsschnitt in den Raum der Kuppel eingeschrieben ist Fundament neben einem Industrierohr. Die Ästhetik der Renaissance und das Motiv des venezianischen Karnevals sind in den allegorischen Porträts eines bestimmten konventionellen Charakters zu hören. Auf einem von ihnen nennt Brodsky ihn einen Architekten, als würde er dem Publikum einen Hinweis geben. Der Rest der allegorischen Porträts erinnert sowohl an die Helden der mittelalterlichen Mysterien als auch an die "karnevalistische" Atmosphäre der Komödie Del Arte und ist unter anderem eine Umschreibung der berühmten Allegorien der Hauptelemente von Giuseppe Arcimboldo, den Die Surrealisten galten als einer ihrer Vorgänger. Anstelle natürlicher Primärelemente hat Brodsky architektonische Elemente (eine ideale Stadt, die von einem Architekten gehalten wird, der Turm von Babel, der auf den Köpfen der Figuren errichtet wurde), und die Ästhetik des Surrealismus ist einer der Schlüssel zum Eintauchen in seine Welten.
Brodskys Industrielandschaften sind von derselben Ästhetik durchdrungen. Diese Arbeiten sind ein Eintauchen in die introspektive Welt des Unterbewusstseins, in der logische Verbindungen abgeschnitten sind (oder genauer gesagt, sie scheinen abgeschnitten zu sein) und die Welt, aus der eine Person entfernt wird, zum Helden wird. Das gleiche konstante Thema, mit dem Brodsky arbeitet: Ein Mann war hier und hinterließ Spuren.
Die meisten Exponate wurden „ohne Titel“gelassen. Dem Betrachter werden somit Textaufforderungen vorenthalten, die in der modernen Kunst so akzeptiert werden. Natürlich ist Brodskys idealer Betrachter ein gelehrter Kenner der Geschichte und der visuellen Kunst, der in der Lage ist, Schichten gegebener Bedeutungen zu zählen und die postmoderne Ironie des Künstlers einzufangen, während ein weniger anspruchsvoller Betrachter ein leichtes Gefühl des Unbehagens verspüren kann, wenn er in die Welt außerhalb der Welt geworfen wird übliche kausale Zusammenhänge. Zwei Arten von Betrachtern - zwei Arten des Lesens und die Interpretationen des nicht idealen Betrachters können viel emotionaler sein und zu einem freieren Fluss von Assoziationen führen.
Eines der Werke, das der Buchillustration in der Ausstellung "A Place of Common Prosperity" (1998) am nächsten kommt, ist sowohl eine direkte Begrüßung der Bilder des Piranesi-Pantheons, die durch das metaphorische Unterbewusstsein des Autors geführt wurden, als auch eine Anspielung auf das feierlich Erhabene Bezeichnungen von städtischen Infrastrukturobjekten, die 1960 in der UdSSR angenommen wurden -x: Bibliothek - "Tempel des Wissens" und zum Beispiel Kino - "Tempel der Brillen". Hier verwendet Brodsky die Technik der "realisierten Metapher". Vor uns liegt zwar der Tempel und der Prototyp aller Tempel, aber die bedingte Aktentasche in der Zeichnung zeigt einen bedingten Sowjetbürger, dargestellt als Fabelwesen mit Hundeschwanz, der den "Tempel der allgemeinen Wohlfahrt" betrat "um ein Glas Bier zu trinken.
Im gleichen Raum werden auch Bleistiftskizzen von bedingten Architekturfassaden und eine Reihe von Objekten präsentiert. Die Ästhetik des Surrealismus lässt sich auch leicht erraten, und eines der mysteriösesten dargestellten Objekte ist vielleicht eine Art Paraphrase des am häufigsten zitierten Werks von Rene Magritte.
Die Ausstellung ist so organisiert, dass sich Bleistiftskizzen als Skizzen für Brodskys Kunstobjekte herausstellen, die im oberen Stockwerk präsentiert werden. Dies sind Werke von 2014, von denen die meisten speziell für die Ausstellung im Tchoban Museum geschaffen wurden. Die Fassaden, die in der Technik des einzigartigen Autors der "Tongrafiken" hergestellt wurden, beziehen sich sowohl auf den Monumentalismus des Stalinistischen Reichs als auch auf die kafkaeske Burg, die im Rahmen der menschlichen Logik unerreichbar ist. Hier ist die Fortsetzung von Brodskys Hauptthema - die Spuren, die die Zeit hinterlassen hat. Der Schlüssel zur Interpretation dieser Werke und in der Tat der Schlüssel zur gesamten Ausstellung sind zwei Objekte, die mit schwarzer Tinte auf einem Gebäudedachfilz hergestellt wurden und einer Karte und einem axonometrischen Modell einer bedingten archäologischen Stätte ähneln. Die mit Rissen übersäten Tonfassaden sind also nichts anderes als Tonartefakte der Vergangenheit. Es war nicht ohne Ironie im Geiste der Postmoderne: Das Bauen von Dachpappe ist ein beliebtes Material im sowjetischen Datscha-Bau.
In diesem Zusammenhang ist es interessant, an die umgesetzten Projekte des Architekten Brodsky zu erinnern. Sie sind nicht in der Ausstellung vertreten, aber alle sind gleichermaßen der Idee untergeordnet, sich auf die Spuren ihrer Vorgänger zu konzentrieren. Sei es der Pavillon für Wodka-Zeremonien, der für das Art-Klyazma-Festival gebaut wurde, die Rotunde in Nikola-Lenivets oder das Restaurant Prichal 95 * in der Nähe von Moskau. Alle wurden nach den Entwürfen anderer Objekte gebaut, die einst existierten: Fensterrahmen, Türen, Bretter.
Es ist bemerkenswert, dass die Ausstellung von Alexander Brodsky in Berlin mit einer weiteren Ausstellung von Architekturzeichnungen im Martin-Groppius-Bau-Museum zusammenfiel: "VKHUTEMAS - das russische Labor der Moderne" (gültig bis 6. April), in der utopische Zeichnungen von Studenten der VKHUTEMAS der 1920er Jahre. Sowjetische utopische Projekte der 1920er Jahre und Papierdesigns der 1980er Jahre sind die beiden Hauptphänomene des aus Russland stammenden Papierdesigns des 20. Jahrhunderts. Unter den Bedingungen der schnell wachsenden Wirtschaftskrise und des Monopols großer Architekturwerkstätten für die Gestaltung fast aller bedeutenden Objekte ist eine neue Runde der „auf dem Tisch“-Design unvermeidlich. Vielleicht werden die Architekturzeichnungen und konzeptionellen Projekte der zweiten Hälfte der 2010er Jahre eines Tages die Grundlage für zukünftige Museumsausstellungen.
Die Ausstellung ist bis zum 5. Juni 2015 geöffnet.
