Hast du jemals gesehen, wie Sets gezeichnet werden? - Vieles von was?
- Und nichts, nur viel …
Lewis Carroll, Alice im Wunderland
Man muss denken, dass der Kurator Aaron Betsky die Architekturbiennale 2008 tief traumatisiert hat - zum zweiten Mal ist das Leitmotiv der Ausstellung eine Rückkehr zur Architektur. Bei der Interpretation des diesjährigen Kurators David Chipperfield bestand die Hauptaufgabe darin, "alle von der Existenz einer Architekturkultur zu überzeugen, die nicht von einzelnen Genies (sprich: Sterne) geschaffen wurde, sondern von einer Gemeinschaft mit einer gemeinsamen Geschichte und gemeinsamen Ambitionen, Prämissen und Ideen. " Infolgedessen gab der Kurator allen eingeladenen Teilnehmern des Hauptprogramms der Biennale eine schwierige Aufgabe: das Wichtigste zu zeigen, die tiefe Bedeutung zu finden (um sie aussagekräftig zu machen). Mit anderen Worten, suchen Sie nach Wurzeln, identifizieren Sie die Quellen und Komponenten Ihrer Inspiration, Schlüsselideen und Bilder, die ursprüngliche Angelegenheit ihrer Arbeit. Um dann die gefundenen Antworten zu kombinieren und zu sehen, wie sie auf einer gemeinsamen Basis interagieren, was in diesem Fall bedeutet - im Ausstellungsraum.
Das Thema der Biennale Common Ground, das Chipperfield von Professor für Soziologie Richard Senett vorgeschlagen wurde, wird im Manifest bereits mehrdeutig und vielschichtig interpretiert, was den Teilnehmern mehr Freiheit gibt. Die erste Schicht ist am verständlichsten - das sind öffentliche Räume. Chipperfield legt jedoch nicht nur öffentliche Räume in einigen Büros und Supermärkten fest, sondern legt auch sofort die "subtilsten Halbtöne" zwischen Privatem und Öffentlichem fest, die Ergebnisse des ewigen Kampfes des Einzelnen und des Generals. Die zweite Interpretation des im kuratorischen Manifest vorgeschlagenen Themas ist die Interaktion eines Architekten mit verwandten Berufen („Architektur erfordert Teamarbeit“, schreibt Chipperfield). Und schließlich ist die dritte Schicht die dünnste - der kulturelle und historische Hintergrund, den wir alle auf die eine oder andere Weise gemeinsam haben.
Am Eingang zu Corderi werden wir von einer weißen Wand gegenüber der leeren Halle, einem steinernen venezianischen Brunnen davor und mehreren kleinen, auf den ersten Blick völlig zufällig ausgewählten Ausstellungen begrüßt: drei einfache formale Vergleiche, begleitet von kurzer Nachdenklichkeit von Bernard Chumi;; eine Venedig gewidmete Ausstellungszeitung mit Interviews mit Anwohnern; und das lustigste Denkmal der Moderne, eine „dreidimensionale Collage“von Meisterwerken des 20. Jahrhunderts (einschließlich Rusakovs Melnikov Club), die 2009 vom Architekten Robert Burchart für einen ganz bestimmten Ort in Berlin erfunden wurde. Drei kleine (offen gesagt nicht die bedeutendsten auf dieser Biennale) Ausstellungsprojekte sind überhaupt nicht miteinander verbunden. Die einzige Verbindung zwischen ihnen ist der gemeinsame Raum der Halle und die gemeinsame Wand an der Wand. Sie sind anders, diese Projekte, aber sie koexistieren und einige Verbindungen entstehen unvermeidlich zwischen ihnen.
Dieser seltsame erste Raum ist in der Tat das klarste Manifest von Chipperfields gesamter Ausstellung. Weiter entlang Corderi wird es dasselbe sein: Abwechslung, Nachbarschaft und eine Mischung aus Groß und Klein, spektakulär mit informativ, formal mit Handlung, junge Architekten mit alten, obskuren indischen Bauherren mit berühmten britischen Stars - die Liste ist fast endlos. Der Kurator David Chipperfield scheint sich vorgenommen zu haben, hier ein Spektrum der Vielfalt der Architekturwelt zu sammeln, vermutlich um gemeinsam aus der offensichtlichen Krise des architektonischen Denkens herauszukommen. Die Arche, nicht anders. Hier gibt es mindestens eine Kopie jeder Kreatur.
Ich muss sagen, dass der erste Saal ein wenig beängstigend aussieht: Es sieht aus wie eine überzählige Ausstellung, die nicht genug Material hatte, um den Betrachter zu überraschen. Weiter (hinter der Wand) folgt ein strenges Foto von Thomas Strut, der die Betrachter nicht sofort von dem furchtbaren Verdacht befreit, dass ihnen hier und weiter in Corderie nur gerahmte Bilder und Kartonmodelle gezeigt werden. Aber die Situation ist anders: Absolut erstaunlich, wenn man sie genau betrachtet, bilden Struts Fotografien tatsächlich den "Kern" der gesamten kuratorischen Ausstellung des Arsenals - seine Ausstellung ist in vier Teile unterteilt, die dann an den unerwartetsten Orten zu finden sind. Es heißt "unbewusste Orte" und zeigt die Arten von "historisch geformten" städtischen Räumen, von denen, wie Sie wissen, die Mehrheit der Welt: vom Stadtrand von St. Petersburg während der eklektischen Zeit bis zum chaotischen Stadtrand von Lim, und zu den unheimlichen mehrstöckigen Gebäuden asiatischer Städte.
Die Ausstellung ist also sogar auf klassische Weise sehr klar aufgebaut: Nach einem kurzen Einführungsmanifest folgt der Beginn der „zentralen“Ausstellung. In der nächsten Halle - die sensorische Wirkung von Norman Fosters Installation: Ein dunkler Raum, in dem auf dem schwarzen Boden, der auf die Fusteln von Corderis Säulen kriecht, die Projektion der Namen von Architekten von Hippodamus bis Eisenmann blinkt (nach dem Prinzip der Vielfalt, es gibt viele Namen von wenig bekannten). Die Namen der Architekten sind unter den Füßen, wie die Grabsteine der bescheidenen Äbte in katholischen Kirchen. Im Gegensatz zu Platten sind diese Namen zwar so beweglich, dass sich Ihr Kopf dreht, wenn Sie sie lange betrachten. Oben an den Wänden, begleitet von Wellen von Lärm oder Stille, flackern Fotografien, die in verschiedenen thematischen Gruppen gesammelt wurden: Revolutionen (einschließlich der ukrainischen Maidan und Femen), Gebete, Ruinen, die Folgen von Katastrophen, einige spektakuläre Gebäude - die Sichtweite ist beeindruckend und zwingt zu inspizieren. Dieser Saal ist definitiv der erste Akkord der Symphonie.
Eine ähnliche Abwechslung: helle emotionale Hallen, Monohallen eines Objekts und schließlich Hallen, die fast bis zum Rand mit kleinen Ausstellungen gefüllt sind - setzt sich im Arsenal und darüber hinaus fort. Man könnte meinen, dass Chipperfield figurative Installationen von der Shojima Biennale, von der Betsky Biennale, voluminöse Objekte, all dies mit "gewöhnlichen architektonischen" Ausstellungen verdünnte - und sowohl Teilnehmer als auch Zuschauer dazu brachte, nach Sinn in all dem zu suchen. Was nicht schlecht ist, weil es mich zum Nachdenken gebracht hat. Die Ausstellung ist nicht sehr unterhaltsam (obwohl es Abwechslung gibt), sie lässt Sie genau lesen und schauen, nach einem Schlüsselkonzept suchen und darüber sprechen, wie viel es enthüllt. In Fosters Halle zum Beispiel wird es buchstäblich offenbart: Die Namen der Architekten prallen auf einem gemeinsamen Halbgrund aufeinander. Aber natürlich nicht nur. Dies ist eine sehr integrale Installation, die alle Betrachter in eine gemeinsame Erfahrung von Ton und Bild einbezieht.
Auf die schwarze Halle von Foster folgt die Gemeindehalle mehrerer Teilnehmer: Der Campus - der Hauptsitz des Pharmaunternehmens Novartis in Basel, Schweiz - wird mit Modellen gezeigt. In der Nähe befindet sich eine persönliche Miniaturausstellung des 80-jährigen Schweizer Architekten Luigi Snozzi, der „vierzig Jahre für das Gemeinwohl gearbeitet hat“, und eine Videoprojektion des Pilgrim's Way-Projekts, in der junge mexikanische Architekten eine Reihe von Aussichtsplattformen schufen, Kapellen und Unterstände entlang des 117 Kilometer langen Pilgerweges zum Bild der Jungfrau Maria von Talpa. Der einzige Hauptakzent in diesem Raum ist das "Schiff" -Objekt ("Schiff" oder "Schiff") der irischen Architekten Sheila O'Donell und John Twomey, ein hölzerner Pavillon aus Holzbrettern "zur Kontemplation" (in dieser Eigenschaft ist es das) ein bisschen wie 'Ear', gebaut von Vlad Savinkin und Vladimir Kuzmin in Nikolo-Lenivets). Mit einem Wort, die Vielfalt ist offensichtlich.
Dann gibt es eine künstlerische Pause in der kleinen Halle des schwedischen Architekten Peter Märkli und seines Kollegen Steve Roth. Hier befinden sich mehrere skulpturale Metallfiguren, von denen die wertvollste, Alberto Giacomettis Venezianerin VIII, von einer Wache umgeben ist. Die Bedeutung der Installation ist ziemlich klassisch: ein Vergleich einer menschlichen Figur (die jedoch in den gezeigten Skulpturen nach einiger Spannung vermutet wird) mit einer Säule: Die Architekten platzierten die Figuren an der Schnittstelle imaginärer gerader Linien, die die Säulen der Halle verbinden schräg. Obwohl dieses subtile Design nur nach dem beigefügten Schema betrachtet werden kann, wird ein weniger aufmerksamer Betrachter berücksichtigen, dass die Figuren einfach auf seinem Weg aufgereiht sind und sie möglicherweise sogar verärgert umgehen, einen Blick auf die Wache werfen und die Raffinesse von nicht schätzen Giacometti. In der Zwischenzeit ähnelt die Idee der Märkli-Halle vor allem der vorherigen Shojima-Biennale: Sie soll die Architektur des Arsenals widerspiegeln, ist ein endloses Zweijahresthema, obwohl die Idee nicht darauf beschränkt ist: das Vorhandensein einer Hier ist die klassische Proportionaldarstellung wichtiger.
Dann beginnt der Spaß: deutsche Klassiker, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron und obskure indische Bauherren mit venezolanischen Hausbesetzern. Wir werden etwas später darüber sprechen. Für Updates aufbewahren.
