Archi.ru:
Wie interagieren bildende Kunst und Architektur im Rahmen einer Ausstellung? Was ist der beste "Hintergrund" für das Kunstwerk?
Tatiana Nazarenko:
- Es scheint mir, dass in historischen Museumsräumen, genau wie in Räumen von Kirchen oder Kathedralen, moderne Ausstellungen sehr interessant aussehen können: vielleicht viel interessanter als in einem speziellen, leeren Raum, der Ihnen keine Fantasie gibt.
In der Vergangenheit befanden sich viele sowjetische Museen in den Gebäuden von Kirchen und Kathedralen. Früher habe ich meine Ausstellung in einer Kirche in Lemberg gemacht: Meine Werke befinden sich unter gotischen Gewölben. Später gab es eine Ausstellung in Wologda, in der Geburtskathedrale, und dort ließ ich einen Engel aus Polyurethanschaum, ziemlich groß, unter den Bögen fliegen - über den Gouverneur und andere Leute, die die Ausstellung eröffneten. Ich mochte es sehr; und in einer gewöhnlichen Halle sitzt dieser Engel unter der Decke und sitzt, und es gibt keine solche Verschiebung in den Konzepten. Gleiches gilt für die Ausstellung der AES + F-Gruppe in Genf: Sie war auch großartig, weil ihre antiken und anderen historischen Motive mit der neobarocken Architektur des Stadtmuseums verflochten waren.
Und manchmal verschwindet in großen Museen ein kleines Werk eines italienischen Meisters des 15. Jahrhunderts, beispielsweise Sassetta, und es sind große Anstrengungen erforderlich, um dies zu verhindern, wie in der Eremitage, wo die Wände dafür und in den Werken in verschiedenen Farben gestrichen sind rentabler aussehen, im Gegensatz zu der jüngsten Praxis ausschließlich weißer Wände.
Das heißt, Sie mögen die bunten Wände
– Ja. Einige der Jobs ändern sich fantastisch. Zum Beispiel ist jetzt eine Ausstellung von Michail Larionow in der Tretjakow-Galerie geöffnet. Kleine Arbeiten an einer blauen oder gelben Wand sehen völlig anders aus, weil sowohl die Wände als auch die Arbeiten ausdrucksstark und intensiv sind [Ausstellungsdesign - Architekt Alexei Podkidyshev. - Ca. Archi.ru]. Sehr gut. Und wenn Sie die Leinwände an eine gewöhnliche weiße Wand hängen und sie nicht einmal anzünden, ist das nur der Tod für sie.
Neulich bin ich durch das Russische Museum gegangen und habe gedacht: Natürlich ist es großartig, aber es entspricht absolut nicht dem Gefühl eines Kunstmuseums. Dies ist ein Museum für königliche Möbel, königliche Kammern, aber Ikonen, Meisterwerke der alten russischen Kunst sind dunkel, dunkel.
Immerhin brannten in den Kirchen Kerzen, aber die Ikonen existierten dort nicht, um sie zu bewundern, sondern als religiöse Symbole. Daher machte sich niemand Sorgen, ob sie rauchig oder leicht sind. Und jetzt, wenn Sie die Kirche betreten, heben Sie den Kopf, etwas auf dem Gewölbe ist in der Dämmerung abgebildet, aber dies ist nicht zum Betrachten. Die Funktionalität des Gebäudes sollte zum Ausdruck gebracht werden: Was muss beleuchtet werden, was bleibt im Schatten. In Europa gefällt mir sehr, dass Menschen während des Gottesdienstes keine Kathedralen betreten dürfen, da dies ein Sakrament ist und es dann nicht notwendig ist, das Licht einzuschalten. Und zu normalen Zeiten schalten Sie das Licht ein und genießen die Fresken und denken, wie wunderbar es ist, dass Strom geliefert wird und Sie alles sehen können.
Wenn wir das Thema Museums- und Ausstellungsdesign ansprechen, was würden Sie sonst noch unter den erfolgreichen Moskauer Ausstellungen nennen?
– «Ilya und Emilia Kabakov. Nicht jeder wird in die Zukunft geführt “in der Tretjakow-Galerie am Krymsky-Tal. Dies ist das gleiche Design wie die Tate Gallery und die Hermitage [Autoren - Andrey Shelyutto, Marina Chekmareva, Timofey Zhuravlev. - Ca. Archi.ru]. Dort war es erstaunlich: Ich ging durch die engen Gänge und sah mir die Werke von Emilia Kabakova an. Es gab gedruckte Geschichten über ihre Kindheit, Fotos, ich stieß auf einige kleine Räume, in denen es Besen, Mülleimer und so weiter gab. Das heißt, sie hat eine noch interaktivere Installation als Ilya erstellt.
Dort - sehr lustig - gab es Ausflüge von sieben- bis achtjährigen Kindern. Und der Führer, eine so ernste Frau, die sich zu ihnen beugte, sagte: "Welche Assoziationen ruft diese Arbeit in Ihnen hervor?" Sie standen vor einem Bild, das angeblich von einer fiktiven Figur Kabakovs gemalt wurde - "Sie hat eine Partykarte bekommen." Ich erstarrte und hörte ungefähr zwanzig Minuten lang zu, was die Kinder über die Assoziationen mit der "Parteimitgliedskarte" und dem Rest antworteten. Es war lustig, aber ich weiß nicht, vielleicht müssen Sie wirklich mit solchen Kindern sprechen, dann wird ihnen im Alter von 16 Jahren alles völlig klar sein.
Ich habe mir gerade die Zeitschrift "Young Artist" angesehen, in der Diplome von Absolventen des Repin-Instituts in St. Petersburg veröffentlicht wurden, und ich dachte: Was für ein schreckliches Gefühl - ein solcher Eindruck, dass sie entweder in den 1950er Jahren oder in den 1950er Jahren geschrieben wurden In den 1960er Jahren entsprechen sie also nicht der modernen Vorstellung, was Arbeit sein sollte. Wie können Sie zu einem bestimmten Zeitpunkt aufhören? Unsere Ausbildung ist schrecklich, deshalb werden wir darauf nicht eingehen.
Was ist für Sie das Thema Kunst in der Stadt?
– Gestern haben wir eine Ausstellung im sterbenden Central House of Artists besucht und sind buchstäblich über zwei Werke von Andrei Bartenev, einem Bären und einer Schlange, gestolpert - ich dachte, sie wären aus Papier oder aufgeblasen. Es war ein bisschen lustig. Dinge müssen an jemanden gerichtet werden, und wenn sie nicht angesprochen werden, gibt es ein seltsames Gefühl.
Und Ihre Installation "Transition", an wen ist sie gerichtet?
– Dies sind Figuren aus Sperrholz, es gab 120 davon, sie wurden in vielen Ländern gezeigt und alles begann mit dem Central House of Artists. Ich glaube, dass ein Künstler seine Zeit zeigen sollte. Wenn ich mir die Werke des fünfzehnten oder achtzehnten Jahrhunderts anschaue, spüre ich ganz deutlich, zu welcher Zeit sie angesprochen werden. Wenn ich mir niederländische Stillleben anschaue, stelle ich mir ein niederländisches Haus mit kleinen gemütlichen Räumen vor, in denen kleine gemütliche Dinge hängen. Sie kommen in den Louvre, sehen sich den Siegeszyklus von Maria Medici Rubens an und verstehen, warum diese riesigen Werke entstanden sind. Sie können in keinem modernen Museum vertreten sein. Der Künstler muss von Zeit zu Zeit sein Gefühl verlassen.
Die Stadt ist ein häufiger Held Ihrer Werke. Was ist eine Stadt für dich? In welchen Städten fühlst du dich gut?
– Ich habe Moskau immer geliebt. Ich habe das alte Moskau geliebt und bin im Zentrum von Moskau auf Plyushchikha aufgewachsen. Es gab immer schöne Gebäude vor mir. Ich bin in einem Haus aus dem Anfang des 20. Jahrhunderts aufgewachsen, in dem es luxuriöse Buntglasfenster gab, in denen Löwenköpfe Ketten, Kassettendecken, zwei schwarze Treppen und eine Haustür hielten. In einer der Wohnungen befand sich eine Brunnen. Das heißt, ich lebte in einem Haus, in dem es schwierig war, kein Künstler zu werden, weil alles mich dazu brachte, zu bewundern und zu träumen. Das Lustige ist, dass die „neuen Russen“, als sie alle Wohnungen dort kauften, diese luxuriösen Buntglasfenster - Bubble-Buntglas mit Metallbändern - ausknockten und weiß gefrostete Wände machten.
Mein ganzes Leben lang liebte ich das Zentrum, ich liebte den Arbat, entlang dessen ich eine Kunstschule besuchte. Ich habe gegenüber der Tretjakow-Galerie studiert. Zamoskvorechye. Welche Kirchen gibt es? Was für Kathedralen! Und dann begann es sich zu verschlechtern, zu bröckeln. Ein Hundespielplatz neben der Gnessin-Schule - tatsächlich ging Novy Arbat durch. Ich erinnere mich, wie schrecklich es für mich war.
Jetzt schaue ich jedes Mal, wenn ich nach Moskau komme, mit Schmerz auf das, was in der Stadt passiert: Vor unseren Augen ändert sich alles, alles verschlechtert sich, alles wird zerstört. Und was bleibt, nimmt so monströse Formen an, dass es schwierig und schmerzhaft ist, es zu betrachten.
Die Redaktion von Archi.ru bedankt sich bei der Gründerin von Artdecision Irina Vernichenko für ihre Hilfe bei der Organisation des Interviews.
