Bei einer Pressekonferenz vor der Eröffnung der Biennale lobte ihr Präsident Paolo Barrata den Kurator Aaron Betsky sehr dafür, dass er das schwer verständliche Motto „Da draußen“für die Architekturausstellung in Venedig vorgeschlagen hatte - die repräsentativste Architektur Ausstellung in der Welt. Architektur jenseits des Bauens '. Laut Barrata ist dieses Thema vielfältig, bedeutungsvoll und fruchtbar. Es provoziert kreative Suchen und daher ist die aktuelle Architekturbiennale vielleicht die beste in den letzten zehn Jahren. Der Kurator Aaron Betsky nahm das Kompliment positiv an - danach musste er lange Zeit die Fragen der Journalisten beantworten und erklärte, dass er Gebäude liebt und nicht beabsichtigte, die Architekturbiennale in einen Zweig der Biennale für zeitgenössische Kunst zu verwandeln, und auch, dass er überhaupt kein Utopist ist, nicht in den Wolken schwebt und Träume wahr werden.
Das von Betsky in Bezug auf Mehrdeutigkeit gesetzte Thema scheint also alle bisherigen Ausstellungen übertroffen zu haben. Darüber hinaus kann es auf verschiedene Arten übersetzt werden - entweder "außerhalb" oder "vor" oder "über". Ein anderes Wort "jenseits", das jetzt in ganz Venedig eingefügt ist (besonders im italienischen Pavillon), wird als "Leben nach dem Tod" übersetzt. Dies spiegelt unerwartet die Tatsache wider, dass der Kurator der Biennale Gebäude als "Gräber der Architektur" definiert hat - Architektur ist seiner Meinung nach eine Denkweise über Gebäude, und wenn sie gebaut werden, stirbt sie. In Venedig, einer Museumsstadt, die leise unter Wasser versinkt, klingt dies besonders beruhigend und erinnert Sie wohl oder übel an die russische Stadt Kitezh.
Die Aufgabe des Kurators muss jedoch genau umgekehrt verstanden werden - er wollte natürlich nicht die Architektur töten, sondern sie (und die Ausstellung) auf die übliche Weise wiederbeleben - indem er über den Rahmen der Architekturwelt selbst hinausgeht auf der Suche nach Erneuerung. Aaron Betsky ermutigte die Teilnehmer der Biennale zum Experimentieren und wandte sich den Bereichen Kino, Kunst, Design, Landschaftsarchitektur und Performance zu. Experimente, sagte er, können die Form von temporären Strukturen annehmen, sowie Bilder, die "manchmal dunkel" sind.
Letzteres scheint ein wichtiger Bestandteil von Betskys Konzept zu sein. Unsicherheit ist Chaos, und aus dem Chaos soll etwas Neues entstehen. Angenommen, der Haupttraum eines jeden Kritikers und Theoretikers besteht darin, den beobachteten Prozess nicht nur zu beschreiben, sondern auch zu beeinflussen. Wenn dies geschieht, entstehen in der Kunst sehr mächtige, theoretisch fundierte Trends. Zurück zur Architektur ist es leicht zu bemerken, dass nach der Begeisterung für die Entstehung nichtlinearer Architektur in den letzten Jahren nichts Besonderes passiert ist und eine Stagnation skizziert wird. Die Biennale ist die einflussreichste Architekturausstellung, und es ist nicht verwunderlich, dass Betsky mit seiner Hilfe versuchte, die moderne Architektur "aufzuwecken", ein Chaos zu schaffen, aus dem etwas Neues hervorgehen soll. Chaos kann jedoch anders sein - produktiv und destruktiv, Chaos der Erzeugung und Zerstörung (manchmal entwickelt sich jedoch eines zum anderen). Chaos kann auch natürlich sein und aus natürlichen Gründen stammen, und manchmal ist es künstlich, und es scheint, dass das Chaos, das der Kurator auf seiner Biennale zu schaffen versuchte, nur künstlich ist. Aber ob er produktiv ist oder nicht - es wird nur mit der Zeit möglich sein, es zu verstehen. Wenn auf diese Weise in zehn Jahren diese Biennale als Meilenstein bezeichnet wird - dann war die Idee zweifellos ein Erfolg. Wenn nicht, ist es fehlgeschlagen.
In der Zwischenzeit können wir uns nur von Emotionen leiten lassen. Der italienische Pavillon, der ausschließlich der experimentellen Architektur gewidmet ist, vermittelt den Eindruck eines langweiligen Chaos. Es gibt viele Expositionen (55), gesättigt mit Texten und kleinen Bildern, die gelegentlich mit Modellen und Installationen durchsetzt sind - zusammen verschmilzt all dies zu einer Masse, die für die Wahrnehmung schwierig ist, auch weil die Texte stellenweise sehr mysteriös sind - anscheinend für die um die "manchmal Mehrdeutigkeiten" zu erreichen. Um die Vielfalt der Jugendexperimente zu verwässern und um zu zeigen, wie genau man experimentieren sollte, wurden unter ihnen die Hallen ehrwürdiger "Sterne" mit dem Untertitel "Experiment Masters" platziert. In einem von ihnen befindet sich ein Gemälde von Zaha Hadid, das der Avantgarde der 20er Jahre wirklich sehr ähnlich ist, aber nur ein wenig dekorativer und daher schöner - obwohl neben diesen Gemälden ein Teppich, der irgendwie nach ihren Motiven hergestellt wurde sieht auf dem Boden zu passend aus. In der anderen gibt es Kritzeleien von Frank Gehry, der dieses Jahr den Goldenen Löwen für seinen „Lebensbeitrag“erhielt. Kritzeleien - übersetzt als "Kritzeleien", das, was unfreiwillig gezeichnet wird, aber in diesem Fall auch das, was geformt, gefaltet, mit unterschiedlichem Grad an Unfreiwilligkeit zerknittert wird - Prototypen von Gehrys Architektur - die somit aus Kritzeleien geboren werden. Am auffälligsten ist jedoch die Installation von Herzog & De Meuron in Zusammenarbeit mit dem chinesischen Künstler Ai Weiwei: Die geräumige Halle am Eingang des Pavillons ist vollständig von einer Struktur aus langen Bambusstangen besetzt, an denen Bambus befestigt ist Stühle, so in der Luft hängen. Es stellte sich als ziemlich luftig und sehr mysteriös heraus.
Die Ausstellung im Arsenal, wo Betsky Installationen der von ihm eingeladenen Prominenten platzierte, erzeugt ein Gefühl des Chaos, das überhaupt nicht langweilig, aber kraftvoll, sehr ausdrucksstark, düster und beängstigend ist. Vielleicht liegt dies daran, dass der Corderi-Raum selbst groß und dunkel ist, die dicken runden Säulen einer grob gemachten romanischen Kathedrale ähneln, aber Corderi ist länger als die Kathedrale, und der Wechsel der Hallen scheint irgendwann endlos zu sein. Und die Installationen sind groß, sie sind in diesem Raum in großem Maßstab eingeschrieben und entlehnen ihm den Maßstab und den Umfang. Die „Stars“wurden nicht umsonst eingeladen, jeder arbeitete professionell, die Installationen sind solide, erkennbar und hell - Corderi verwandelte sich in eine Reihe von Bildern - in eine Ausstellungsattraktion. Dies ist gut für die Ausstellung, aber nicht sehr gut für die Absicht des Kurators, denn unter den Manifesten der aktuellen Biennale blitzte der Gedanke auf, dass Architekturattraktion nicht sehr gut ist, und Architektur sollte darüber nachdenken, wie wir uns fühlen können, als wären wir dabei diese Welt "wie zu Hause". Diese Idee - „zu Hause sein“- wird in Betskys Texten oft wiederholt und scheint eine der wichtigsten zu sein. Aber Sterninstallationen rufen in keiner Weise "Heimatgefühle" hervor, sondern erzeugen Angst.
Ein weiteres Problem ist die Erkennung. Einmal im Arsenal experimentierten die Stars nicht auf der Suche nach vagen Bildern von etwas Neuem oder Anderem, sondern im Gegenteil - jeder zeigte, dass er es kann. Die Bilder mögen irgendwo vage sein, aber ihre Bedeutung scheint irgendwie dieselbe zu sein - all dies ist eine Zusammenfassung kreativer Konzepte, das Ergebnis, nicht der Anfang, die Vergangenheit, nicht die Zukunft. Frank Gehry ist sehr erkennbar: Er baute ein Fragment der Fassade, ähnlich wie Bilbao, aus Holz und Ton. Konkave Oberflächen werden allmählich mit Ton überzogen, es trocknet und reißt. Dies geschieht langsam, bis zum Ende der Biennale im November wird die gesamte „Fassade“mit Ton beschichtet: Auf diese Weise weist die Installation Leistungsmerkmale auf, die dynamisch sind, aber das Aussehen wird immer noch zurückgedreht - wenn man diese Leistung betrachtet Sie erinnern sich an Bilbao und alles scheint groß und ein spektakulärer Messestand, der das sichtbarste Stück von Gehrys Portfolio präsentieren soll. Das gleiche passiert mit Zaha Hadid - sie hat ihre nächste flüssige Form im Arsenal installiert, worüber in der Erklärung geschrieben steht, dass sie der Prototyp von Möbeln ist. Aber Zaha Hadid hat schon lange so unwahrscheinliche Möbel entworfen. Ein ähnliches Objekt wurde von Zaha in der Villa Foscari zu Ehren des 500. Jahrestages von Andrea Palladio installiert. aber was ist interessant - im Palladio oder im Arsenal - sehr ähnliche Dinge, also was ist der Sinn? Greg Lynn fügte etwas Humor hinzu - Möbel auch herstellen, aber aus "recyceltem Spielzeug". Es stellte sich heraus, dass es sich bei den Spielzeugen um helle Skulpturen handelte, die, wie ich sagen muss, am wenigsten Platz beanspruchten - für sie verlieh die Jury den "Goldenen Löwen".
Darüber hinaus gibt es im Arsenal viele beeindruckende Bilder. Die Spitzen-Spinnennetz-Installation von Matthew Ritchie und Aranda Lush "Evening Line" sieht wunderschön aus. Es besteht ausschließlich aus Ornamenten - teils aus Metall geschnitzt, teils aus Schatten und Videoprojektion, in ein Metallmuster an der Wand eingeschrieben. Was dies bedeutet, ist unklar (was war das Ziel?), Aber es sieht verlockend und relevant aus - jetzt lieben Architekten Ornamente. Unstudio platzierte in Corderi ein voluminöses Objekt von der Größe eines kleinen Raums, das wie ein Mobius-Streifen gebogen ist - dieses Objekt zeichnet sich dadurch aus, dass es im Inneren betreten werden kann. Das Objekt der Familie Fuchsas wird dagegen durch eine gelbe Linie umrissen, die nicht gekreuzt werden darf (was niemand beobachtet): Dies sind zwei riesige grüne Transporter mit kleinen Fenstern, durch die Sie alltägliche Szenen in Stereo sehen können Kino-Format. Der Dealer und Scorfidio verhielten sich sehr leicht - ihre Installation vergleicht die Videos mit zwei Venedig - einem echten und einem Spielzeugamerikaner aus Las Vegas. Es ist unklar, wie dies das Betsky-Thema enthüllt, aber in Venedig sieht es großartig aus und die Stühle sind ständig besetzt. Barkow Leibinger baute aus lasergeschnittenen Metallrohren einen "Nomadengarten" - aufgrund der Homogenität des Materials und der Einfachheit der Lösung ist dies meiner Meinung nach eine der bemerkenswerten Installationen des Arsenals. Aber Philip Rahm machte auf seine Installation aufmerksam, weil in den ersten Tagen der Ausstellung (ich weiß nicht wie später) zwei nackte Menschen dort lagen und neben ihnen vier hip gekleidete Menschen eine Art spielten Gitarrenmusik: Das Projekt widmet sich der globalen Erwärmung, aber hier folgt? Aus Nacktheit?
Der Teil der Ausstellung, der auf den Ruf des Kurators reagieren soll, besteht aus 55 kleinen Ausstellungen im italienischen Pavillon und 23 großen Installationen im Arsenal. Alles in allem ergeben sie den Versuch, Architekten - von der Geschäftspraxis bis zu „Papier“-Fantasien - zum Zwecke der Erneuerung zu erwecken, was im Allgemeinen die Geburt von etwas Neuem bedeutet. Der Pavillon Italiens repräsentiert laut Kurator sowohl die Vergangenheit als auch die Zukunft dieses Prozesses: Jugendausstellungen - Hoffnung auf die Zukunft, retrospektive Ausstellungen von Meistern - eine Art Lehrbuch zum Experimentieren. All dies wird ergänzt durch Bezkis Artikel über die Geschichte des modernistischen Experimentierens nach dem Krieg - seine Ursprünge gehen auf die politische Krise von 1968 und die Energiekrise von 1973 zurück. Becki nennt Namen, baut eine Geschichte und lädt junge Architekten ein, sie fortzusetzen. Die Arsenal-Ausstellung hingegen fordert ehrwürdige Meister zum Experimentieren auf - theoretisch sollte daher die gesamte Architekturgemeinschaft in den Prozess der Erstellung von "Kritzeleien" einbezogen werden - aus denen ein neuer Gedankengang hervorgeht, a neue Wendung würde später auftreten. So was ist los? Die Jugendausstellung erwies sich als flach und übersättigt (obwohl man auf Wunsch interessante Dinge darin sehen kann) - und der „Stern“reproduzierte anstelle von Dynamik und Neuheit die eigenen Techniken der „Sterne“. Der Impuls, der Architektur künstliches kreatives Chaos zu verleihen, scheint gescheitert zu sein. Vielleicht weil es künstlich ist? Obwohl - wie bereits gesagt - erst nach zehn Jahren endgültig klar wird, ob dieser Versuch zumindest einige Früchte getragen hat und ob er zu einer Wende geführt hat. In der Zwischenzeit erscheint es angesichts der Belichtung unwahrscheinlich.
Aber hier ist das Seltsame. Es ist unklar, ob Betsky die Architekten geweckt hat. Aber die Naturkräfte, muss man denken, erwachten. Es war leicht zu bemerken, dass die Eröffnungsfeier der Biennale, deren Kurator in seinem Manifest feststellte, dass es nicht das Wichtigste in unserer Welt ist, sich vor Regen zu schützen, auf einen solchen Regenguss fiel, der in Venedig selten vorkommt. Wegen dieses Regens musste die Öffnung vom Giardini zum Arsenal verlegt werden - und eine Menge nasser und gefrorener Journalisten stand vor dem Eingang. Aber das wäre immer noch nichts. Nachdem der Kurator der aktuellen Biennale über die Bedeutung wirtschaftlicher und anderer Probleme für die Entwicklung des konzeptuellen Denkens gestritten hatte, war offenbar nicht nur Regen, sondern auch die Krise verheerend. Die Krise ist offensichtlich. Wir warten auf Experimente.
Botaniker und Nomaden
Während er sein verwirrtes Thema für die Öffentlichkeit und die Teilnehmer der Biennale interpretierte, sprach Kurator Aaron Betsky hauptsächlich apophatisch, dh aus dem Gegenteil. Kein Gebäude, denn es ist ein Grab menschlicher Hoffnungen und natürlicher Ressourcen, keine Utopie oder abstrakte Lösung sozialer Probleme - sondern Bilder und Rätsel, von denen man träumen kann. Er forderte, über das Bauen und die Architektur als Disziplin hinauszugehen - und zu experimentieren. Aber er sagte nicht genau, wohin er gehen sollte, und behielt das rätselhafte Geheimnis bei.
Jeder reagierte auf dieses Rätsel auf unterschiedliche Weise, mit Kino, Design und Möbeln. Viele Kritiker hielten die Architekturbiennale für zu ähnlich wie die Biennale für zeitgenössische Kunst und verloren damit ihre berufliche Besonderheit. Wenn Sie über den Rahmen hinausgehen, können Sie nicht nur gewinnen, sondern auch verlieren - dies ist im Allgemeinen eine aufregende, aber auch gefährliche Beschäftigung -, um Grenzen zu überschreiten.
Die naheliegendste Art, auf das Thema zu antworten, erwies sich jedoch als die einfachste: Verlassen Sie einfach das Gebäude. Es wäre merkwürdig, wenn die Ausstellungshallen überhaupt leer gelassen und die Ausstellungen draußen zerschlagen würden, aber die Biennale erreichte immer noch keinen solchen Grad an Literalismus. In Bezug auf die Flucht von der Architektur in die Natur und das Bauen außerhalb verschiedener "temporärer Strukturen" konnten die Architekten jedoch auf die reiche Erfahrung der sowjetischen Sommerbewohner zurückgreifen - sie flohen auch vor dem Niedergang der Moderne und setzten sich, nachdem sie entkommen waren einen Gemüsegarten hinauf.
Der größte Gemüsegarten der Biennale wurde von den Gustafsons angelegt. Ein Teil der mit Lianen bedeckten wilden Vegetation des Gartens der Jungfrauen am Rande des Arsenals an der Stelle eines zerstörten Benediktinerklosters wurde vom britisch-amerikanischen Projekt "Through Paradise" (Richtung Paradies) kultiviert. Kohl, Zwiebeln und Dill (Symbole des Sättigungsgefühls) sind mit Blumen durchsetzt. In der Mitte der Komposition befindet sich ein Hügel, der sich wie eine Schnecke krümmt und mit sauberem Gras bedeckt ist. Die Kräuterschnecke soll ein Ort zum Anschauen sein, auf dem Sitzkissen platziert sind, aber an einem regnerischen Tag der Öffnung schwebten nur weiße Kugeln über dem hügeligen Rasen. Außerdem werden in der alten Kapelle (oder Kirche?) Kerzen in Regalen entlang der Wände aufgestellt, und die lateinischen Namen verschwundener Tiere und Pflanzen sind an die Wände geschrieben (es gibt einige). Es muss zugegeben werden, dass dieses Landschaftsprojekt auf der Biennale das ehrgeizigste ist. Um seinetwillen fällten sie sogar mehrere alte Bäume, was in Venedig nicht erwünscht ist.
Übrigens passt das Thema Paradies gut in das kuratorische „da draußen“und „jenseits“- es gibt nichts Außerirdischeres als das Paradies. Im deutschen Pavillon zeigt sich das auf seine Weise: Äpfel wachsen auf in Töpfen steckenden Ästen, an den Ästen hängen Tropfer mit grüner Flüssigkeit. Ob die Früchte selbst auf dünnen Stecklingen gewachsen sind und wie dies erreicht wurde, wird nicht erklärt, aber die symbolische Darstellung wird von dem Argument begleitet, dass Menschen, die versuchen, sich ein Paradies auf Erden zu schaffen, ganze Ökosysteme für dieses technogene Paradies zerstören. Äpfel unter Tropfern sollten wahrscheinlich ein künstliches Paradies darstellen.
Der Pavillon Japans ist von Blumen umgeben, die sich in kurzlebigen Strukturen befinden, die den Umrissen von Türmen ähneln, die von viel Grün umgeben sind. Dies sind Pläne von mehrstöckigen Gebäuden, die von Vegetation bewohnt sind - sie sind auch im Pavillon an den Wänden mit Bleistift abgebildet. Neben Zeichnungen gibt es im Pavillon nichts anderes - er ist komplett weiß wie eine Art Papierblatt, das in den Innenraum gekippt wird. Viele Menschen mochten diesen lakonischen und kontemplativen Pavillon auf synthaische Weise.
Der amerikanische Gemüsegarten ist kleiner und nicht so tiefgründig, aber sozial - er widmet sich insbesondere der Kindererziehung durch Gartenarbeit (diese Art der Erziehung wird heute in vielen Klöstern unseres Landes praktiziert). Die Amerikaner versteckten die kaiserliche Dorica der Fassade hinter einem durchscheinenden Netz, richteten vor der Kolonnade einen Gemüsegarten ein und füllten den Pavillon mit allerlei sozialen Projekten. Im dänischen Pavillon wird eine sehr ernsthafte und vielfältige „Ökotopädie“, eine Enzyklopädie der Umweltprobleme, eingesetzt.
Das Umweltthema ist auch bei experimentellen Projekten im italienischen Pavillon beliebt. Die Ideen sind jedoch größtenteils bekannt: grüne Städte, in denen sich unten ein Wald befindet, und Technologie und Zivilisation "auf der zweiten Ebene" und grüne Wolkenkratzer, von denen einer besonders auffällt - Julien de Smedta, ein Projekt für die Chinesen Stadt Shenzhen, auf dem Festland gegenüber von Hongkong gelegen. Dies ist ein gigantischer Wolkenkratzer, der gleichermaßen von Menschen und viel Grün bewohnt wird und laut den Autoren die bewaldeten Berge ersetzen soll, die in dieser Gegend verschwunden sind und zu einem großen künstlichen Berg werden. Egal, was der Weise aus Cincinnati über die Vorteile vager Inspirationen sagt, ein echtes Projekt sieht vor seinem Hintergrund sehr vorteilhaft aus.
Eine andere Möglichkeit, "aus dem Gebäude" zu entkommen, besteht darin, zur Hütte zu gehen. Seltsamerweise ist er nicht sehr beliebt, aber er steht uns im Geiste nahe. Die Haupthütte in Form einer Jurte wurde von Totan Kuzembaev am Ufer des Arsenals gebaut und in einem Kleinwagen untergebracht. Es geht darum, die nomadischen Accessoires zweier Kulturen zu kombinieren - alte und moderne. Aus der modernen Zivilisation stammen in der Jurte verschiedene technische Zubehörteile, Handys, Laptops usw., die nicht für den vorgesehenen Zweck, sondern als Attribute eines Schamanen verwendet werden. Um in der modernen Welt zu überleben - schreibt Totan Kuzembaev in der Erklärung zu "Nomad" - müssen Sie sich anpassen. Und dann wird entweder etwas Neues entstehen oder der Globalismus wird alles verschlucken, was traurig sein wird - schließt er.
Auf der anderen Seite bauten chinesische Architekten zwischen dem Arsenal und dem Paradies von Gustafson mehrere verschiedene Häuser - aus Kisten, Sperrholz, Hartfaserplatten -. Die Häuser sind groß und dreistöckig, aber im Inneren ist es unbequem und eng, wie in einem Zug. Die von Nikolai Polissky auf der Terrasse des russischen Pavillons erbaute Pergola-Hütte passt ebenfalls in dieselbe Reihe - eine schöne Struktur, die aber leider nicht sehr auffällig ist, da sie sich an der Seite der Lagune befindet.
Es gibt auch eine abstraktere Art zu gehen - zum Beispiel von Form zu Ton und Video. Hier ist ein wunderschöner und völlig unarchitektonischer Pavillon Griechenlands, bestehend aus interaktiven Sockeln mit Monitoren und Kopfhörern mit den Klängen der Stadt. Es ist dunkel mit leuchtenden Plastikfäden.
Und schließlich können Sie sich von der Architektur lösen, indem Sie den Pavillon leeren - dies geschah im Pavillon in Belgien, wo bunte Konfetti auf dem Boden verstreut sind ("After the Party"), oder in der Tschechoslowakei, wo es lustige Kühlschränke mit Lebensmitteln gibt Sätze für verschiedene Zeichen.
Die meisten Teilnehmer interpretierten das Thema fleißig, aber es gibt auch Wunder - diejenigen, die entgegen dem Motto die Gebäude noch zeigten. Schließlich müssen nationale Pavillons dem Thema nicht folgen. Großartig ist der britische Pavillon, in dem eine teure, sorgfältig gestaltete Ausstellung fünf Architekten gewidmet ist, die in britischen Städten Wohnungen bauen. Es stellt sich heraus, dass jetzt in Großbritannien - der Heimat der Gartenstadt und neuer Arten von Wohnungen zu Beginn des 20. Jahrhunderts - immer weniger Wohnungen gebaut werden. Der Pavillon von Frankreich ist mit vielen Modellen gefüllt: Jedes von ihnen wird in eine transparente Plastikbox gelegt und mit einer beweglichen Konsole an der Wand befestigt - Sie können die Modelle drehen, während Sie sie betrachten. Die Architektur Spaniens wird ebenfalls sehr detailliert und traditionell gezeigt - mit Bildern und Modellen. Zum ersten Mal seit vielen Jahren umfasst diese Reihe den russischen Pavillon, über den - etwas später - gesprochen wird.
Russen in Venedig
So kam es, dass unter den Leuten, mit denen ich in Venedig sprechen konnte, Journalisten Aaron Betskys Konzept überwiegend positiv und Architekten meist negativ bewerteten. Es gibt natürlich Ausnahmen, aber im Großen und Ganzen ist es offensichtlich - Architekten kommen nach Venedig, um sich mit Architektur zu befassen, und ihre fast vollständige Abwesenheit war für sie nicht die angenehmste Überraschung.
Im russischen Pavillon passierte alles umgekehrt: Es werden nicht vage Vorsehungen gezeigt, sondern Gebäude, viele Gebäude. Früher, als Projekte und Realisierungen auf der Biennale ausgestellt wurden, wurden Installationen im russischen Pavillon arrangiert, und jetzt, als endgültig beschlossen wurde, echte Architektur zu zeigen, formulierte Aaron Betsky genau das Gegenteil von „Aufgabe“. Das Thema ist jedoch für den nationalen Pavillon nicht obligatorisch … Hätten wir zum ersten Mal die Idee verwerfen sollen, ein Stück echte russische Architektur zu zeigen und uns dem Motto anzupassen? Schwer zu erzählen. Streng genommen ist es jedoch offensichtlich, dass das von Betsky für die Biennale festgelegte Thema der Situation einer gewissen Langeweile und Sättigung mit "Sternen" entspricht, die sich in der Architektur der Welt entwickelt hat. Und das Thema, das der Kurator des russischen Pavillons, Grigory Revzin, festgelegt hat, stimmt mit der Situation des Baubooms in Russland überein. Und die Ausstellung repräsentiert ziemlich genau eine Momentaufnahme der heutigen russischen Architektur. Einschließlich der Variations- und Gedrängeigenschaften, des aktiven, vitalen und nicht sehr kontrollierten Wachstums verschiedener Gebäude.
Die Ausstellung besteht aus zwei Teilen. Das Obergeschoss ist mit modernen Projekten und Gebäuden bewohnt - es verfügt über drei Säle, einen Haupt- und zwei zusätzliche. Die Designer Vlad Savinkin und Vladimir Kuzmin haben sie in drei verschiedenen Farben ausgewählt: Die erste Halle, in der der elektronische Katalog angezeigt wird, ist weiß, die dritte Halle - sie enthält Entwickler, ist schwarz und die zentrale Haupthalle ist rot. Der Boden ist mit Schachzellen ausgekleidet, die roten sind die Gebäude russischer Architekten, die weißen sind die Modelle, die nach den Entwürfen von Ausländern gebaut wurden, die in Russland bauen. Nach der Idee des Kurators findet zwischen den Vorbildern von Russen und Ausländern ein bedingtes Schachspiel statt, das das Thema des Wettbewerbs zwischen „lokalen“und „außerirdischen“Architekten betont.
Der zweite Teil der Ausstellung sind die Holzkonstruktionen von Nikolai Polissky, noch keine Architektur, aber, wie vom Kurator des russischen Pavillons Grigory Revzin definiert, Ausdruck des Traums der russischen Landschaft. Polisskys Arbeiten durchdringen den russischen Pavillon - in der Halle im ersten Stock bilden sie einen von Lichtflecken verdünnten Wald. An derselben Stelle, in der nächsten Halle, werden die Hauptwerke von Polissky gezeigt und - Videos - der Entstehungsprozess durch die Kräfte eines gut koordinierten Teams von Bewohnern des Dorfes Nikolo-Lenivets. Im ersten Stock wachsen Polisskys Strukturen überall weiter - in Form eines spontanen Bogens vor dem Eingang, Pergolen auf der Terrasse (so genanntes "Beyond Building") und sogar die Beine am Tisch in der Entwicklerhalle aus den gleichen krummen Stämmen.
Es muss zugegeben werden, dass sich Nikolai Polisskys Entwürfe deutlich von anderen Landschaftsprojekten der Biennale unterscheiden, und zwar nicht nur dadurch, dass ihnen das Thema „Paradies“eines Gartengartens völlig fehlt und das Material wild, natürlich und kaum gereinigt ist. Sie sind der Natur viel näher als ökologische Projekte, die in der Tat stärker zur Welt der Technik gehören. Polisskys "Wald" ist ein bisschen wild und beängstigend, obwohl es im Pavillon an Größe mangelt - es gibt keinen Ort, an dem man sich umdrehen kann. Aber Sie müssen verstehen, dass dies ein "Export" -Wald ist, ein Kobold auf Tour. In Nikolo-Lenivets sind Polisskys Landschaftsprojekte sowohl größer als auch wichtiger.
In diesem Jahr nahmen die Russen an allen wichtigen Teilen der Biennale teil. Totan Kuzembaev, der kürzlich den zweiten Platz im Wettbewerb um eine Brücke über den venezianischen Canal Grande gewann, wurde von Aaron Betsky zur Teilnahme an der kuratorischen Ausstellung des Arsenals eingeladen und baute die bereits erwähnte Jurte auf der Straße vor ihm. Boris Bernasconi, der kürzlich mit Valerio Olgiati den ersten Platz im internationalen Wettbewerb für das Perm Art Museum teilte, wurde eingeladen, die Ausstellung im italienischen Pavillon zu kuratieren - und nutzte diese Einladung, um gegen das Orange-Projekt von Norman Foster zu kämpfen. Ich muss sagen, dass Aaron Betsky auf seiner Pressekonferenz Bernasconis Projekt separat erwähnte und es sehr lobte, in dem Sinne, dass der junge Architekt es wagte, gegen Foster selbst zu protestieren.
In Venedig angekommen, wurde die Ausstellung des Entbindungsheims (kuratiert von Yuri Avvakumov und Yuri Grigoryan) zu einem sehr schönen Projekt. Die Ausstellung wurde zum ersten Mal in Moskau in der Galerie VKHUTEMAS und dann in St. Petersburg gezeigt. Ich muss sagen, dass sich die Ausstellung, die ein Jahr zuvor erfunden worden war, auf der Biennale als sehr nützlich erwiesen hat: Sie besteht aus skulpturalen Embryonen der Architektur, Interpretationen des Geburtsthemas, die von Architekten hergestellt wurden, unter denen sich viele Russen befinden, aber viele Ausländer. Ich würde sogar wagen vorzuschlagen, dass hier Betskys Hauptidee ausgedrückt wird, wenn nicht genauer, dann prägnanter als im Arsenal. Die Ausstellung in der venezianischen Kirche von San Stae hat sich erheblich verändert: Alle Exponate wurden in Zellen innerhalb der Wände eines Papphauses mit perforierten Wänden platziert. Dieses Gebäude wird mit einem Kirchenreliquiar und gleichzeitig einer Krippe verglichen. Die Entwicklung der Ausstellung scheint sehr logisch zu sein. Darüber hinaus scheint Venedig selbst hier eine Rolle gespielt zu haben - eine Stadt, in der fast jede Wand einen Ikonenbehälter mit einer skulpturalen Ikone trägt. Nach dem, was die Stadt als Ganzes geweiht zu sein scheint - eine Eigenschaft, die andere europäische Städte bereits verloren haben -, verwandelt sich sogar das brutale "Entbindungsheim" hier in eine Weihnachtskrippe. Venedig ist eine wundervolle Stadt.
