Das Parallelprogramm der XIV. Architekturbiennale von Venedig enthielt eine Ausstellung, die nichts mit der Kunst der Architektur zu tun zu haben scheint. Dies bezieht sich auf die Ausstellung "Auf der anderen Seite der roten Tür" der führenden Figur der inoffiziellen Kunst der UdSSR Michail Roginsky. Seine Werke von 1978-2001, der Zeit der Pariser Auswanderung, wurden von der Mikhail Roginsky Foundation und im Artibus unter der Leitung der Patronin Inna Bazhenova gebracht. Die Ausstellung wurde in Zusammenarbeit mit der Witwe des Meisters, Liana Shelia-Roginskaya, vorbereitet.
Warum ist Maler auf der Architekturbiennale? So einfach ist das nicht. Die Kuratorin der Ausstellung, Elena Rudenko, erklärte, dass Roginskys Strategie, die Welt in Vorelemente (Tür, Tisch, Regal, Stuhl, Badewanne, Flasche) aufzuteilen, durchaus mit der Idee der Grundlagen übereinstimmt, die von der Kuratorin der Biennale Rem Koolhaas und bestimmte die Richtung der Hauptausstellung des Festivals.
Wie wir uns erinnern, heißt die Hauptausstellung im zentralen Pavillon von Giardini Elemente der Architektur. Sie präsentiert einen bestimmten Katalog von Modulen, aus denen das Gebäude zusammengesetzt ist: Decke, Fenster, Boden, Balkon, Badezimmer, Tür usw. Die Ausstellung ist bemerkenswert als Beispiel für architektonische Propädeutik, ein dreidimensionales Lehrbuch zur Vermittlung des Alphabets architektonischer Formen. Enzyklopädische Artikel, die die Demonstration von Proben von Dächern und Toiletten begleiten, könnten die Grundlage für die Abstracts einiger neugieriger junger Männer und Frauen von Architekturhochschulen und Universitäten werden. Das Problem ist, dass bei der Kommunikation mit dieser Enzyklopädie der Elemente keine persönlichen Emotionen und die Rede des Autors vom Künstler-Schöpfer auftreten. Roginskys Darstellung löst dieses Problem. Er handelt auch von Protoformen unseres Seins und Lebens. Jeder von ihnen ist jedoch in einem Porträt festgehalten und mit der Lebensenergie aufgeladen, die der Künstler selbst gewonnen hat.
Diejenigen, die die Ka'Foscari-Universität betreten, an der sich Roginskys Ausstellung befindet, werden von seiner legendären roten "Tür" begrüßt. Dies ist ein Objekt von 1965. Nicht gefunden, wie man zuerst denken könnte, sondern absichtlich geschaffen und mit absolut "Porträt", wie Malevichs "Schwarzes Quadrat", Plastizität und sogar Mimik. Die Arbeit mit der Oberfläche ist großartig, die vom Künstler so vorbereitet wird, dass Schmuck (unter sorgfältiger Berücksichtigung aller Grate, Farbtropfen und Craquelés) das rauhe Produkt die Qualität eines einzigartigen Schmuckstücks annimmt, so etwas wie ein verschlüsseltes Selbstporträt des Autor.
Bereits vor der Haustür erlangt der Ausstellungsbesucher eine Dimension der Menschlichkeit in Verbindung mit der internationalen Moderne von Blockhäusern und Standardwohnungen, die diesem Problem gleichgültig gegenübersteht. Weitere Bewegungen unterstützen und entwickeln dieses Thema der „Messung der Menschlichkeit“. Es ist großartig, dass die Architektur der Ausstellung vom Guru der russischen Moderne, Evgeny Ass, entworfen wurde. Er legte die Arbeit auf zwei Etagen. Das Layout der Hauptsuite der Ca'Foscari-Universität ist einfach: Ein großer Korridor mit Blick auf den Canal Grande. Parallel dazu gibt es eine Kette kleiner mittelalterlicher Räume mit Holzdecken und manchmal Kaminen. Ass machte absichtlich die Erfahrung des Weltraums schwierig. Er schnitt alle Suiten mit falschen Holzwänden ab. Jedes in der Antike erbaute Zimmer wurde in der Farbe von Roginskys Gemälde gestrichen (sanfte Töne von Rosa, Grün, Dunkelblau, Milchweiß, Ocker). Es stellte sich heraus, dass es so etwas wie ein Labyrinth war. Der Betrachter wandert durch die Ecken und Winkel des Bewusstseins eines Bewohners des sowjetischen Chruschtschows und der Gemeinschaftswohnungen. Das Gespräch wird von Dingen geführt, die in den Räumen solcher Wohnungen leben.
Eine Frage an Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, welchen Effekt wollten Sie im Ausstellungsprojekt erzielen?
Evgeny Ass:
- Wirkung ist nicht das richtige Wort - Ich habe versucht, eine gewisse Kongenialität des Ausstellungsraums von Roginskys Gemälde zu erreichen. Und ich würde nicht über das Labyrinth sprechen, sondern über die schwierige Bewegungsbahn im malerischen Raum. Die zerbrochenen Formen der Hallen, dramatische räumliche Übergänge (alle Öffnungen sind unterschiedlich), unregelmäßiges Aufhängen von Werken - für mich ist das alles die "Architektur der Malerei" von Roginsky.
Es gibt viele Dinge in den Räumen und sie werden in Abschnitten gesammelt. Das erste ist "ABC der Zweidimensionalität". Werke 1978-1980. Regale mit Flaschen und Geschirr. Absichtlich brutal mit billigem Acryl auf billigem Papier oder Pappe bemalt. Ausgestattet mit einer Art tierischer, primitiver Kraft. Wilde Malerei ist dem Fauvismus ähnlich: die offensichtliche Nachlässigkeit des Ursprungs der aristokratischsten. Die Präzision und Tiefe der Farbe und die Schönheit der klanglichen Beziehungen wirken wie ein sonnenbeschienes Buntglasfenster.
Im Abschnitt „Interieur. Landschaft. Figure in Space “zeigt Arbeiten von 1981-1982. Dies ist eine visuelle Rekonstruktion der aus den Sowjetzeiten bekannten Wohnungen durch Roginsky. Der Künstler lebte bereits in Paris und malte Räume mit Lampenschirm, Badezimmer und Treppen aus der Erinnerung. Er wollte niemandem gefallen. Sein Credo war es, Kunst von Schönheit und Künstlichkeit zu befreien, um die Distanz zwischen Malerei und Leben so weit wie möglich zu beseitigen. Immerhin haben sie eine lebendige Affinität. Daher sind die Innenräume absichtlich arm und zerbrechlich. Mit rauchigen Bädern, staubigen Heizkörpern, rauen Tischen und schiefen Trittleitern. Zwei-Meter-Gemälde werden auf Papier mit Acrylfarben in einer fast monochromen Technik hergestellt: grau mit rosa getönt. Wenn wir jedoch mit unseren Augen in diese Innenräume gelangen, fühlen wir uns nicht minderwertig und unwohl. Dezente Arbeiten mit Raum und zarte Nuancen der Oberfläche im selben Ton machen das Gemälde exquisit und sehr edel. Anders verhält es sich in diesen kommunalen Innenräumen der sowjetischen Moderne nicht mit intellektuellen Auseinandersetzungen um Bakhtin und Shklovsky (sie wurden genau im Raum gemeinsamer Küchen geführt).
Eine Arbeit in der Ausstellung bezieht sich genau auf einen möglichen Sympathisanten von Roginsky im Sinne einer absichtlich hässlichen und unhöflichen, aber gleichzeitig raffinierten und schönen Verkörperung von Kunst. Diese Arbeit ist "Friseur". Im Dunst der Morgendämmerung schert ein sowjetischer Friseur geschickt die Haare eines Kunden, der vor einem Spiegel sitzt. Natürlich ist Roginskys Gegenstück in diesem Fall Mikhail Fedorovich Larionov mit seinen Friseuren, der ungeschickten Pantomime des Lebens in Provinzstädten, der bewusst kunstlosen Malerei und damit einer atemberaubenden Kultur von Farbe und Raum. Roginsky und Larionov verbindet das Verständnis der gewöhnlichen und banalen städtischen Umgebung als einzigartige Quelle künstlerischer Ideen und Bilder.
Heute, sowohl in Russland als auch in der Welt, gab es einen Prozess der Sanierung dieser unpersönlichen Blockarchitektur der 1960er bis 1980er Jahre, die vorerst in der Intelligenz der Liebe unanständig war und Bonton zu hassen war. Heute befindet sich die jüngere Generation genau in der zweiten Welle der Nachkriegsmoderne und sucht nach Beispielen für einen antibürgerlichen Stil, der auf soziale Probleme reagiert. Viele Pavillons der heutigen Biennale sind den modernistischen Gebäuden der Länder der sechziger bis achtziger Jahre gewidmet.
Wie inspirieren Sie den Betrachter, mit dieser gleichgültigen Architektur in Kontakt zu treten? Wie kann man sie animieren? Roginsky hilft, die Antwort zu finden. Der letzte Teil der Ausstellung heißt "The Returned Painting" (1991-2001). Es zeigt Gemälde (Leinwand, Öl) mit Blick auf die Ecken Moskaus, die der in Paris lebende Künstler aus dem Gedächtnis schrieb. Rosa Häuser mit Reihen identischer Fenster, blauer Kasernen, grauer Straßen und Eingänge würden deprimierend und freudlos aussehen, wenn nicht die Energie der Liebe und des Mitgefühls von jeder Leinwand ausgeht. In die Welt, die der Künstler vor langer Zeit verlassen hat, die ihm aber ein Leben lang erhalten geblieben ist.
Die Ausstellung ist bis zum 28. September geöffnet.
