Sergey Estrin:
- Es ist schwierig, ein klares Kriterium für die Beurteilung des Niveaus der grafischen Arbeit zu erarbeiten. Wenn Sie vom Gegenteil ausgehen, von dem, was Sie nicht mögen, dann mögen Sie es definitiv nicht, wenn talentierte Zeichner Fotos reproduzieren. Solche Grafiken fallen nur insofern auf, als sie Bilder mit höchster Genauigkeit vermitteln, ihre Bilder sehen aus wie lebende. Für mich ist dies definitiv kein Auswahlkriterium. Für mich ist es wichtig, dass ich beim Betrachten einer Arbeit sofort den Wunsch habe, darüber nachzudenken. Damit erscheint eine ganze Reihe von assoziativen Bildern, Anspielungen, sogar Empfindungen und Emotionen. Ich mag es, wenn Sie anfangen, der Linie zu folgen, wie der Autor sie geführt hat, und ich denke gerne darüber nach, warum er es so gemacht hat und nicht anders. Ähnlich verhält es sich mit Architektur - ich bin fasziniert von mehrdeutigen Gebäuden, in denen Sie verschiedene Blickwinkel, verschiedene aufkommende Bilder und Entdeckungen genießen können …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Ich liebe seine Grafik sehr. Es ist ganz anders. Bunin hatte zum Beispiel eine Zeit, in der er an Stellen malte. Als Kind hatte ich Bücher mit seinen Illustrationen. Ich erinnere mich an seine erstaunlichen Illustrationen für Puschkin. Ich mag die Art und Weise, wie er mit den Texten von Omar Khayyam gearbeitet hat. Oder diese Zeichnung: durch die Lebendigkeit der Linie, durch die Untertreibung - das ist eine interessante Arbeit. Bunin muss nicht die gesamte Figur, das gesamte Volumen zeichnen, das ist überflüssig - die Linie selbst, die Art und Weise, wie sie verläuft, und vermittelt die Bedeutung des Bildes. Irgendwo scheint die Hand zu zittern, die Linie bricht - aber das liegt nicht daran, dass der Künstler schwach ist, sondern daran, dass es notwendig ist, die Bedeutung zu vermitteln. Und jetzt schauen Sie sich diese Linie an - intermittierend, nervös, unterschiedlich dick - und sie sagt alles, was benötigt wird. Für mich ist dies die absolut erstaunlichste Grafik auf höchstem Niveau. Außerdem bin ich mir sicher, dass Bunin dies ohne Vorbereitung gemalt hat, das Modell posierte kaum für ihn. Ich versuche absichtlich, diese Art des Zeichnens der Linie zu wiederholen, ich zeichne Berge wie diese … Auf diese Weise - in halben Linien - versuchen viele Künstler zu zeichnen, aber nicht alle schaffen es. ***.
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Ich habe seine Arbeit am Institut kennengelernt. Noakovsky - russisch-polnischer Architekt und Grafiker, lebte um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert, bevor die Revolution, die er an der Moskauer Schule für Malerei, Skulptur und Architektur unterrichtete, Mitglied der Kaiserlichen Akademie der Künste war. Er war ein großer Aquarellist, malte architektonische Denkmäler. Die Studenten verehrten ihn. Ein Foto ist erhalten, auf dem er während eines Vortrags mit Kreide auf eine Tafel zeichnet und architektonische Stile erklärt. Ich stelle mir lebhaft vor, wie er zuerst zeigt, was beispielsweise den Rokoko-Stil auszeichnet - Proportionen, Elemente, Kombinationen, das Verhältnis der Wand- und Dekormaßstäbe. Und er macht alles schnell, mit ein paar Strichen, aber so, dass die Essenz eingefangen wird. Das heißt, auf einer sehr künstlerischen und professionellen Ebene. Ich kann mir vorstellen, wie verärgert es für die Schüler war, als er eine Sache wusch und anfing, eine andere zu zeichnen, vielleicht nicht weniger brillant …
Das gleiche gilt für diese Aquarelle: Die Hauptsache wird hier vermittelt. Noakovsky musste nicht jedes Detail, jedes Relief zeichnen, als würde er ein Foto kopieren. Stattdessen konzentriert er sich auf das Wesentliche: Es vermittelt Raum, Kraft, Rhythmus, Proportionen, Eindrücke von ihnen. Dies ist sehr ähnlich der Funktionsweise unseres Gedächtnisses im Allgemeinen - kleine Dinge werden gelöscht und hinterlassen ein gemeinsames Bild, das uns beeindruckt hat. Noakovsky auch - er erfasst das ganze Bild. Eine sehr architektonische, sehr korrekte Herangehensweise an das Zeichnen, wie es mir scheint. ***.
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Um ehrlich zu sein, berührt mich nicht alles in Piranesis Arbeit. Alte Denkmäler, Ausblicke auf Rom und seine architektonischen Landschaften lassen mich nicht stark fühlen. Es ist sehr gut gemacht, durchdacht, verifiziert, macht Ihnen aber keine Sorgen. Und noch etwas anderes sind seine Fantasien zum Thema Gefängnisse, seine "Dungeons" - eine Serie von 16 Blättern. Architektonische Torheiten, in der Realität völlig unmöglich, in denen er sich nicht mehr auf irgendetwas beschränkte. In diesen Blättern baute er eine transzendentale Welt auf, komplex, faszinierend, mystisch, aufregend. Ich habe einmal ein ganzes Buch für ein paar Reproduktionen von Piranesis Dungeons gekauft. Diese Werke sind sehr persönlich, emotional und vor allem sehr modern, obwohl sie erstmals Mitte des 18. Jahrhunderts veröffentlicht wurden. ***.
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Vater von Alexander Brodsky. Abschluss am Moskauer Architekturinstitut. Und in seinen Buchgrafiken ist tatsächlich ein Architekt zu spüren. Es gibt einen Kontrast, Proportionen, eine Art Strenge, natürlich einen Sinn für Linie und Form - all dies zusammen macht einen starken Eindruck. Er weiß, wie man das Thema gekonnt aufwirbelt - schauen Sie sich diese schreienden Köpfe an, es gibt so viele von ihnen, dass Sie ihr Lachen anscheinend schon hören und körperlich spüren können. Die Figuren von Don Quijote und Sancho in der Mitte dieses Meeres von Köpfen sind gezeichnet, als wären sie von einem Bildhauer gemacht worden. Sehr gute Grafik. Für seine Illustrationen an Don Quijote erhielt Savva Brodsky auf der Moskauer Buchmesse eine Goldmedaille und wurde von der spanischen Königlichen Akademie der bildenden Künste zum korrespondierenden Akademiker gewählt.
Und seine Blätter für Romeo und Julia sind auch erstaunlich und sehr architektonisch. Dies zeigt sich daran, dass es sich um eine Serie handelt - das heißt, der Autor gibt den Rhythmus vor und arbeitet daher als Architekt. Es gibt Äxte, eine Perspektive, die bis ins Unendliche reicht, und skulpturale Figuren, die den Maßstab dieser Kolonnade und des Kirchenschiffs bestimmen. Sehr hübsch. Brodsky weiß, wie man den Standpunkt einer Person vermittelt, die Riesen ansieht. Als Architekt verstehe ich hier absolut alles, vielleicht gefällt es mir deshalb. ***.
5.
Egon Schiele (1890-1918)
Der österreichische Künstler, ein Schüler von Klimt, war nach seinem Tod tatsächlich der Künstler Nummer eins in Österreich, starb jedoch im Alter von 28 Jahren an einer Spanierin. Er hat viele Gemälde und mehrere tausend Zeichnungen. Seine Arbeit ist sehr interessant. Tolles Talent. Erkennbar und vielfältig. Wenn er ein langes Leben geführt hätte, wäre er vielleicht Bildhauer geworden, weil seine Sachen sehr skulptural sind und vielleicht sogar ein Architekt … Er sieht sehr richtig, entfernt unnötige Dinge und fügt ungewöhnlich scharfe Emotionen hinzu. Er hat eine unglaublich wundervolle Linie, wie ein bloßer Nerv. Sein Gemälde ist untrennbar mit Grafiken verbunden. Sogar die Dinge, die gemalt werden, sind absolut grafisch.
Seine Porträts sind in keiner Weise eine Karikatur, keine Karikatur, in der sie auch versuchen, die Hauptsache festzuhalten. Er ändert auch die Proportionen ein wenig, streckt sie. Schiele hat eine wundervolle Schule, er kennt sicherlich sowohl Proportionen als auch Anatomie, aber er weiß, wie man sie schärft und so vermittelt, dass jede Linie mit einem gestreckten Nerv zu klingeln beginnt, man kann es fast hören.
Und seine Architekturzeichnungen, die viel seltener veröffentlicht werden als Porträts, sind in ihrer Einfachheit einfach großartig. Und hier sieht er auch die Hauptsache. Es scheint, dass die gewöhnlichsten Häuser niemand daran denken würde, sie zu erobern. Aber ein paar Akzente - und an ihnen erkennen Sie die frühen 1900er Jahre, die Stimmung der Moderne, obwohl es hier keine einzige Linie von der Moderne gibt, vom Jugendstil. ***.
