Stepan Lipgart: "Es Ist Richtig, Die Eigene Linie Zu Biegen"

2024 Autor: David Durham | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 02:31

Die Familie

Wikipedia schreibt, dass Lipgarts eine Familie des Ostsee-Adels ist, die seit dem 16. Jahrhundert in Livland bekannt ist. Im 19. und 20. Jahrhundert wurde dieser Familienname von Künstlern, Ingenieuren und U-Boot-Designern getragen. Welche von ihnen sind deine Vorfahren?

Die Eltern meiner Mutter waren vierte Cousins, beide geborene Lipgarts, Nachkommen des alten Nachnamens der baltischen Deutschen, Einwanderer aus Pernau (heute Pärnu, Estland), die einst wirklich einen Adelstitel hatten. Meine Vorfahren haben es jedoch zu Beginn des 19. Jahrhunderts verloren. Der Großvater meiner Großmutter, Ernest Lipgart, ein ausgebildeter Ingenieur, erbte von seinem Vater ein großes Unternehmen, das Zement und landwirtschaftliche Maschinen herstellt. Sein Sohn Voldemar (Vladimir) studierte Architektur, bevorzugte aber den Weg eines Künstlers. Sein Schicksal war tragisch, in den späten 1930er Jahren „verschwand“er: Wie sich in den letzten Jahren herausstellte, wurde er auf dem Butovo-Trainingsgelände erschossen. Meine Großmutter, ebenfalls Künstlerin, wurde zu Beginn des Krieges als Deutsche von Moskau nach Karaganda verbannt.

Der Vater meines Großvaters, Ingenieur Andrei Aleksandrovich Lipgart, ist ein Vertreter eines anderen Familienzweigs, das Oberhaupt einer großen und starken Familie, eine herausragende Persönlichkeit. 1933 wurde er Chefdesigner des Gorki-Automobilwerks, wo er im Laufe von fast zwanzig Jahren Dutzende Modelle von Automobilausrüstungen schuf. Die Verdienste und Leistungen von Andrei Alexandrowitsch wurden hauptsächlich in der Sowjetzeit anerkannt, daher reichte beispielsweise seine Autorität aus, um einen entfernten Verwandten, meine Großmutter, aus dem Exil zu retten. So fand ihre Bekanntschaft mit meinem Großvater statt.

Die Privilegien meines Urgroßvaters in den 1950er Jahren: Ein großes Landhaus und eine Wohnung in einem stalinistischen Wolkenkratzer wurden zu Räumen, in denen auch der größte Teil meiner Kindheit verbracht wurde. Die festliche Atmosphäre von Familientreffen - feierlich, aber auch aufrichtig, die in einer hellen Wohnung mit hohen Decken, reichem Stuckleisten und getäfelten Türen stattfand, aus denen der Weihnachtsmann immer am Neujahrstag erschien - wurde anscheinend zu einem Eindruck, der meine Kunst bestimmte Geschmack und ästhetische Vorlieben seit Jahren …

Was hat Ihre Entscheidung beeinflusst, neben Ingenieurwesen und künstlerischer Genetik Architekt zu werden?

Es scheint mir, dass ein Architekt kein Zufall ist - ein Beruf, der oft vererbt wird. In meinem Fall ist der Einfluss meiner Mutter zweifellos, die, obwohl sie sich ihr ganzes Leben lang nicht mit praktischer Architektur beschäftigt hat, sondern theoretisch, sondern von früher Kindheit an erklärte, dass unser Beruf der beste, universellste darin ist - Kreativität, Denken und Schönheit und Moskauer Architektur - ein Ort seltener Anmut.

Berufung

An welchen der Lehrer bei MARCHI ist es wichtig, dass Sie sich erinnern? Wer hat dich inspiriert, von wem hast du angefangen?

Ich erinnere mich mit Ehrfurcht und Dankbarkeit an meine beiden Lehrer, die jetzt verstorben sind. Als ich in das Institut eintrat, hatte ich sofort großes Glück: Mein Lehrer in den ersten zwei Jahren war Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Ein Mann mit einem großen Herzen und großem Charme, einem brillanten Zeitplan - ich erinnere mich, mit welchem Neid wir beobachteten, wie klare, lebhafte Linien meisterhafter Skizzen unter seiner Hand hervorkamen. Die Breite der Natur schien in den Themen seiner Zeichnungen enthalten zu sein: Jagd nach Hunden, die er sehr liebte, alte Waffen, Pferde, Schiffe, Segel … Anscheinend entsprachen architektonische Vorlieben dieser romantischen, leicht nostalgischen Wahrnehmung der Welt: Er sprach mit großem Respekt von Venturi, Aldo Rossi. Im Allgemeinen war die Postmoderne laut Kudryashov etwas Gutes. Auch in Bezug auf die stalinistische Architektur gab es für ihn kein Negativ, im Gegenteil, Konstantin Wladimirowitsch machte uns bei der ersten praktischen Lektion, die außerhalb des Instituts stattfand und diese Gelegenheit nutzte, auf das Haus mit den Gläubigen des Architekten aufmerksam Rybitsky, der auf Zemlyanoy Val, reagierte auf diese Architektur als qualitativ hochwertig und bedeutsam. Vielleicht habe ich deshalb die Ordnungselemente und Kompositionen, deren Studium die Grundlage des ersten Studienjahres bildete, ohne einen zweiten Gedanken meine Methode in den ersten Schulprojekten im zweiten Studienjahr gemacht. Kudryashov mischte sich nicht ein, brach nicht, aber am Ende des zweiten Jahres warnte er: "Sie haben ein Verlangen nach Ordnungsarchitektur, versuchen Sie, sich nächstes Jahr davon zu entfernen."

Warnte, dass es Probleme geben könnte?

Ich habe es nicht direkt gesagt, aber ich habe es so ausgedrückt. Im Allgemeinen war meine Ausbildung in Architekturdesign vom dritten bis zum fünften Jahr ziemlich seltsam. In jedem Fall schien mir das Hauptprinzip, ausländische Magazine mit themenähnlichen Projekten zu kopieren und dann die in Ihrem Projekt gefundenen Ideen und Techniken zu reproduzieren, weitgehend sinnlos zu sein. Gleichzeitig wurde die Leidenschaft für die klassische Architektur, das Erbe der sowjetischen 1930er bis 1950er Jahre, immer bewusster und tiefer. Ich erinnere mich, wie ich zu dieser Zeit zu Kudryashov kam und mich beschwerte, dass die Moderne nicht inspiriert, worauf ich die Antwort erhielt: Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie Recht haben, müssen Sie "mit Äxten" kämpfen.

Natürlich war dieses "auf Äxten" zunächst mit schlechten Noten und einem absoluten Missverständnis der Lehrer behaftet, aber später versöhnten sie sich jedoch mit den wunderbaren Abhängigkeiten eines fahrlässigen Schülers und ließen mir die Möglichkeit, meinen eigenen Saft zu schmoren.

Im sechsten Jahr war es Zeit, einen Diplom-Supervisor zu wählen, und dann gab es eine zweite glückliche Chance - ich stieg in die Gruppe von Vladimir Vladimirovich Khodnev ein. Das Abschlussjahr war absolut glücklich, der formale Ansatz der ehemaligen Lehrer wurde durch eine berauschende Freiheit der Kreativität und des Selbstausdrucks ersetzt. Es stellte sich heraus, dass es richtig ist, die Linie zu biegen, aber worin die Seele liegt, ist wertvoll und wichtig. Die Sensibilität und Aufmerksamkeit des Lehrers, an die ich mich mit großer Dankbarkeit erinnere, ermöglichte es mir, viel zu verstehen und zu lernen. Am Ausgang stellte sich heraus, dass das Diplom hell war, ich würde sagen schockierend, vielleicht naiv, irgendwo lächerlich, aber wirklich meins. Ich muss sagen, dass im selben Jahr die Kinder von Iofan erschienen sind, in denen Khodnev mich übrigens sehr unterstützt hat. Es war eine gute Zeit - wir haben an uns geglaubt.

Die Gruppe "Children of Iofan" sorgte für Furore. Es wurde von Vertretern aller Richtungen geschätzt. Wie kam es dazu?

Zweiundzwanzig Jahre sind wahrscheinlich eine glückliche Zeit für fast alle: die hektische Energie der Jugend, Begeisterung ohne Rücksicht auf Geld, Ansehen, Verbindungen. Im Frühjahr 2006 haben wir Boris Kondakov kennengelernt und uns mit ihm angefreundet. Ich erinnere mich an unser erstes Gespräch: "Wie stehen Sie zum Palast der Sowjets?" "Es ist schade … schade, dass es nicht gebaut wurde." Es war das Passwort, das vorerst eine seltene Gleichgesinnte feststellte. Wir haben angefangen zusammenzuarbeiten, natürlich war von keinerlei Handel die Rede. Boris 'künstlerisches Talent und meine architektonische Vision wurden in Wettbewerbsprojekten und Kunstobjekten verkörpert. Anschließend arbeiteten wir gemeinsam an dem oben genannten Diplom und bevölkerten das imaginäre Moskau von 2006 mit Menschen aus den Gemälden von Deineka und Samokhvalov. Eine große Rolle in unserer Biografie spielten die Stadtfestivals, die von Ivan Ovchinnikov und Andrey Asadov organisiert wurden. Heimwerkerinstallationen zum Selbermachen waren die erste Gelegenheit, räumliche Ideen in der Natur zu testen. Zum ersten Mal nahmen wir an einer Veranstaltung namens "Die Stadt der Kindheit" teil. In dieser Stadt bauten wir ein Objekt, das den Propagandastrukturen der 1930er Jahre ähnelte - den "Roten Stand", während das Team für konsonant mit dem Thema erklärt wurde des Festivals - "Kinder von Iofan".

Die feurigen und widersprüchlichen dreißiger Jahre, zu denen Iofans Projekt die Wende markierte, kamen in Resonanz mit ihren eigenen Jugenderfahrungen, die nach Aktion und Veränderung dürsteten. Im Gegensatz zum Chaos und Chaos von Luschkows Moskau haben wir versucht, ein anderes Moskau vorzustellen, wie es im Generalplan von 1935 vorgesehen war. Stundenlang gingen wir auf der Suche nach Fragmenten dieser Stadt: rote Linien, Richtungen, unfertige Komplexe, lösten sie wie einen Rebus, stellten uns ein ganzes und schlankes Ensemble aus hochwertiger Architektur vor, das von verstorbenen Meistern geschaffen wurde, von denen einige Namen hervorgerufen wurden Ehrfurcht: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

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  1/5 Installation: Tank "Blumen zu den Gefallenen". Architekturgruppe "Kinder von Iofan" © Stepan Lipgart

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  2/5 Installation: Tank "Blumen zu den Gefallenen". Architekturgruppe "Kinder von Iofan" © Stepan Lipgart

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  3/5 Installation: Tank "Blumen zu den Gefallenen". Architekturgruppe "Kinder von Iofan" © Stepan Lipgart

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  4/5 Installation: Tank "Blumen zu den Gefallenen". Architekturgruppe "Kinder von Iofan" © Stepan Lipgart

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  5/5 Installation: "Luftfahrtsystem - ein Werkzeug zur Erhöhung des Freizeitkomforts von Moskau". Architekturgruppe "Kinder von Iofan" © Stepan Lipgart

Was für ein Skandal ist mit dir mit Tom Maine passiert?

Ja, tatsächlich gab es keinen Skandal, aber auch ohne ihn hat mich dieser Vorfall sehr beeinflusst. Der Vortrag des Gründers der Morphosis-Gruppe sorgte damals in meinem dritten Jahr für großes Aufsehen: Fast das gesamte Moskauer Architekturinstitut erschien in der schneeweißen Wlassow-Halle des Zentralen Künstlerhauses. Maines Kreativität ist hell, aufregend, all diese zerrissenen, schwebenden, zerfallenden Bände konnten nicht gleichgültig bleiben. Dann schien mir alles, was er demonstrierte, schrecklich, nicht organisch, ohne Logik und vor allem anti-menschlich. Nachdem ich meinen Mut zusammengenommen hatte, stellte ich nach dem Vortrag eine Frage, sagen sie, aber was ist mit den Menschen? Ich war beeindruckt, dass Maine zunächst nicht einmal verstand, was ich meine. Seine Antwort bezog sich auf Designtechnologie. Während des Vortrags sprach er viel darüber. Man sagt, der Computer sei nur ein Werkzeug, und Menschen, dh Architekten, seien Schöpfer, Autoren. Ich habe nie eine Antwort bezüglich der Nutzer seiner Gebäude erhalten. Wie dem auch sei, jede moderne architektonische Form nach diesem Vortrag erschien mir lange Zeit unnatürlich.

Es erinnerte mich daran, wie einst der Komponist Arvo Pärt mit der Avantgarde brach, weil er in dieser Sprache nicht sagen konnte, was er sagen wollte. Sie wurden oft gefragt, warum Sie die 1930er Jahre als Inspirationsquelle gewählt haben, aber ich bitte Sie immer noch, Ihre Einstellung zu dieser Architektur zu erklären

Nach meinen Gefühlen erreichte die Architektur des Russischen Reiches zu Beginn des 20. Jahrhunderts vor allem in der Hauptstadt das Weltniveau, und wenn wir es nicht mit den damaligen Kulturzentren vergleichen - Frankreich, Österreich-Ungarn, aber zum Beispiel mit Italien, dann übertraf es. Nehmen wir die Gebäude in Rom um die Jahrhundertwende, dies ist eine solide, gut gezeichnete, aber immer noch sehr sekundäre Architektur: eine Reproduktion der Renaissance, absurde Kompositionen zum Thema Antike oder nach der gleichen französischen Art und Weise.

Dennoch steht St. Petersburg der Silberzeit, die Zeit von Benoit und Lidval, im Mittelpunkt von Hochprofis, Meistern der Architektur. Erinnern wir uns an den Bau von Marian Peretyatkovich, das Wawelberg-Haus am Newski-Prospekt, ein brillantes Werk, eine virtuose Synthese aus einem florentinischen Palazzo und dem nördlichen Jugendstil oder an die emotionalen Opusse des jungen Belogrud, gefüllt mit einer vagen Energie der Vorfreude und Erwartungen von Schock und Veränderung.

Als diese Schocks 1917 auftraten, schlossen sich die meisten Architekten der älteren Generation dem Bau des neuen Landes an, und ihre Schüler, eine Galaxie herausragender Architekten, die am Vorabend der Revolution und in den ersten Jahren danach studierten, schlossen sich an mit noch größerem Eifer: Lev Rudnev, Noah Trotzki, Evgeny Levinson und viele andere. Es geht nicht nur um die St. Petersburger Akademie, denn die Begründer des Moskauer Konstruktivismus, Alexander und Viktor Vesnin, Alexander Kusnezow, sind Profis der alten Schule.

Egal wie paradox es auch klingen mag, die Wende der frühen 1930er Jahre bereicherte für einige Zeit die sowjetische Architektur: Mehrere Jahre lang existierten sowohl avantgardistische als auch klassizistische Konzepte nebeneinander. Die Meister der alten Schule hatten die Gelegenheit, den in den 1910er Jahren begonnenen Neoklassizismus „fertig zu schreiben“, um ihr Wissen und ihre Erfahrung vollständig auf eine neue Generation bemerkenswerter Architekten zu übertragen: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Mit einem Wort, nach meinem Verständnis ist die sowjetische Architektur der Vorkriegszeit ein Phänomen von sehr bedeutendem Ausmaß, reich an Ideen und Ambitionen, das hohe Qualität aus früheren Epochen erbt.

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  1/3 Arch. M. Peretyatkovich. Haus Wawelberg auf B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

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  2/3 Arch. M. Peretyatkovich. Haus Wawelberg auf B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

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  3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Häuser in der Ivanovskaya Straße in St. Petersburg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Ihr Motiv für die 1930er Jahre ist es also, hohe Qualität anzusprechen

Ich bin fasziniert von dem künstlerischen Potenzial dieser Zeit, wahrscheinlich als eine der Formen von hoher Qualität.

Was ist dein Lieblingsstück der Architektur?

Es ist jetzt eine große Versuchung, sich an etwas aus der oben genannten Silberzeit in St. Petersburg zu erinnern, aber der Klarheit halber werde ich das in den 1930er Jahren erbaute Gebäude nennen, es hat mich wirklich überwältigt. Für die internationale Ausstellung von 1937 errichtete Frankreich unter anderem zwei große Ausstellungskomplexe, von denen ich einen erwähnen möchte - das Palais de Tokyo. Die Architektur des Palastes ähnelt sowohl dem Mussolini-Stil als auch den sowjetischen Vorbildern, vor allem der Lenin-Bibliothek. Das strenge monumentale Erscheinungsbild des Gebäudes wird jedoch erheblich gemildert, sowohl durch die Bildhaftigkeit einer klaren volumetrischen Komposition als auch durch die sinnliche Plastizität der Skulptur, die die Räume in der Nähe der Palastfassaden ausfüllt. Ich denke, die Emotionen des Palais de Tokyo, die völlig frei von der offiziellen "totalitären" Architektur sind, aber selbst, wie es mir scheint, ein gewisses Maß an Intimität implizieren, sind auf die Tatsache zurückzuführen, dass der Palast dennoch in einem Gebäude erbaut wurde Land der bürgerlichen Demokratie.

Für mich gibt es ein bestimmtes Kriterium von höchster architektonischer Qualität: Wenn ein großflächiges Gebäude so perfekt, ganzheitlich und harmonisch ist, dass der von seiner Architektur beeinflusste Stadtraum als eine Welt von überirdischer Schönheit wahrgenommen wird spürbar anders als die schönen Ensembles der umliegenden Stadt. In St. Petersburg wird ein solches Gefühl durch die Kolonnaden der Kasaner Kathedrale in Paris geweckt - durch das Palais de Tokyo. In der Welt der letzteren triumphieren Proportionen und Linien, Geist und Wille, feurige Liebe, in Stein gemeißelt.

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  1/3 Palais de Tokyo auf der Weltausstellung in Paris. 1937

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  2/3 Palais de Tokyo auf der Weltausstellung in Paris. 1937

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  3/3 Palais de Tokyo in Paris. Fragment. © Stepan Lipgart

An welchen Wettbewerben und Ausstellungen haben Sie teilgenommen, mit welchen Werken? Was sind die Auszeichnungen?

2017 gab es in Moskau und dann in St. Petersburg zwei meiner persönlichen Ausstellungen ("Die siebzehnte Utopie" und "Suche nach einem Helden"), für die ich ihren Kuratoren Alexandra Selivanova und Alexandra Selivanova sehr dankbar bin Lyusa Malkis. Aber mit besonderer Wärme erinnere ich mich an unsere Ausstellung mit dem schneidigen Titel "Forward, to the 30s!" im Museum für Architektur, das im Herbst 2008 eröffnet wurde. Ihre Vorbereitung erinnerte etwas an ein anderes Stadtfest. Es gab sehr wenig Geld, aber viele Freunde, die bereit waren zu helfen, Ideen und meine eigene Stärke in unbegrenzten Mengen. Der Kurator war meine Freundin, Kunstkritikerin Masha Sedova.

Und jetzt, zweieinhalb Monate lang, ließen wir uns in einer kleinen Gemeinde nieder, beschäftigten uns mit dem Bau von Modellen, Ausstellungsinstallationen, der Herstellung von Postern und anderem Ausstellungsmaterial. Das Ergebnis schien wirklich hell zu sein, auf jeden Fall machte der besondere Gast der Ausstellung, Grigory Revzin, auf die Kinder von Iofan aufmerksam.

Was die Wettbewerbe angeht, so haben wir anscheinend aufgrund der Besonderheit des Themas unserer Arbeit hier nicht allzu viel Erfolg gehabt, aber wir haben uns nicht um Erfolg bemüht, es gibt ein paar ARCHIWOOD-Preise, aber ich denke, das kann zugeschrieben werden zu einer Ausnahme von der Regel.

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  1/6 Installation "Pillars of OSVOD", Preisträger des ARCHIWOOD-2012-Preises Architekturgruppe "Children of Iofan"

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  2/6 Installation "Pillars of OSVOD", Preisträger des ARCHIWOOD-2012-Preises Architekturgruppe "Children of Iofan"

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  3/6 Installation "Pillars of OSVOD", Preisträger des ARCHIWOOD-2012-Preises Architekturgruppe "Children of Iofan"

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  4/6 Installation "Pillars of OSVOD", Preisträger des ARCHIWOOD-2012-Preises Architekturgruppe "Children of Iofan"

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  5/6 Installation "Pillars of OSVOD", Preisträger des ARCHIWOOD-2012-Preises Architekturgruppe "Children of Iofan"

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  6/6 Installation "Pillars of OSVOD", Preisträger des ARCHIWOOD-2012-Preises Architekturgruppe "Children of Iofan"

Was sind Ihre Eindrücke von der Arbeit im Studio von Mikhail Filippov?

Nach meinem Verständnis ist Michail Anatoljewitsch ein brillanter Künstler, und seine Vision von Architektur setzt eine Qualität der Realität voraus, die heute unerreichbar ist: sozial, kulturell, technologisch. Damit Filippovs Architektur in vollem Klang Teil der materiellen Welt wird, gibt es zu viel, um sich in der Welt zu verändern und sich an viel zu erinnern. Diese Idee macht mir Angst und enttäuscht mich, aber es scheint, dass eine Person, selbst unendlich talentiert, es nicht kann. Ich habe insgesamt ein Jahr in der Werkstatt von Michail Filippow gearbeitet. Ich bin froh, dass ich den Meister kenne. Ich bin ihm für seine Arbeit dankbar.

Trainieren

Mit 30 Jahren haben Sie begonnen, große Wohnkomplexe in St. Petersburg zu entwerfen. Haus "Renaissance" auf der Straße. Dybenko wurde bereits teilweise gebaut, "Petite France" auf der 20. Linie der Vasilievsky-Insel wird gebaut. Nur wenige Menschen schaffen es in diesem Alter, solche Bestellungen zu erhalten. Was ist das Geheimnis?

Vor ein paar Monaten haben wir mit Aleksey Komov gesprochen, und er hat diese Situation insbesondere wie folgt definiert: „Es gibt Ihre Position als Meister, eine wiederbelebende. Es gibt Ihre Welt, in der Sie wohnen, ohne einen Unterschied zwischen Papier- und realen Projekten zu machen, und Kunden auf höchster Ebene, die Präsenz dieser Welt, die Festigkeit künstlerischer Überzeugungen, das Gefühl und den Wunsch, sich anzuschließen. Und da dies eine große Welt ist, erweisen sich die Projekte als groß: Wohngebäude und Fabriken, keine Privathäuser und keine Innenräume."

Es klingt sehr laut, lobend, andererseits ist es seltsam, einige Ereignisse im Leben mit einer blinden Chance abzuschreiben. Ich erinnere mich, dass ich im Alter von dreißig Jahren bei der Auswahl des Materials für Arch-Moscow meine zahlreichen Bilder überarbeitet habe: Papier, Wettbewerbsprojekte, Fotos von Installationen, und ich hatte das Gefühl, dass sich genug Bilder und Ideen angesammelt hatten, so dass sie irgendwie durchbrachen kam in die reale Welt heraus. So geschah es bald. Natürlich spielten frühere Bekannte eine Rolle: Grigory Revzin brachte mich mit Kusnirovich zusammen. Maxim Atayants, der mir beruflich und moralisch ein Vorbild ist, ermöglichte ein Treffen mit einem Entwickler in St. Petersburg.

Erzählen Sie uns etwas über das Gerät und die Methoden des Liphart Architects-Workshops?

Ich sehe meine Hauptaufgabe darin, mit einem Architekturbild zu arbeiten. Alles ist so aufgebaut, dass es mit maximaler Effizienz, aber mit einem minimalen Team gelöst werden kann. Die Werkstatt ist sehr klein, bis zu fünf Personen, sie beschäftigt sich fast ausschließlich mit Skizzendesign. Ich ziehe es vor, das Äußere des Gebäudes mit meiner eigenen Hand zu zeichnen, von der ersten Bleistiftlinie bis zum letzten Zentimeter des endgültigen Computermodells der Fassade. Den Rest der Arbeit delegiere ich an meine Kollegen. Das Projekt und die Arbeitsdokumentation werden von externen Designern entwickelt. Wir beteiligen uns im Rahmen der Aufsicht des Designers am Prozess.

Das erste Haus in St. Petersburg,

Wohnkomplex "Renaissance" habe ich nach den vorgegebenen Grundrissen gemalt. Natürlich haben die Designer sie im Prozess geändert und angepasst, meine Entscheidungen wurden ebenfalls geändert, aber am Ende sollte beachtet werden, dass die Implementierung der ursprünglichen Idee sehr nahe kommt. Die Installation des Kunden war ebenfalls betroffen: Ändern Sie die Architektur an letzter Stelle und erstellen Sie sie so, wie sie gezeichnet wird.

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  1/6 Blick von Südosten auf die Rotunde. Wohnkomplex "Renaissance" © Liphart Architects

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  2/6 Renaissance-Wohnkomplex Visualisierung © Liphart Architects

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  3/6 Wohnkomplex "Renaissance" Foto © AAG

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  4/6 Projekt des Wohnkomplexes "Renaissance" in der Dybenko Straße, St. Petersburg, seit 2015Computergrafik Im Bau Kunde: Investment- und Bauholding AAG © Stepan Lipgart

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  5/6 Blick von Südosten, Abendbeleuchtung. Wohnkomplex "Renaissance" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Mit freundlicher Genehmigung von Liphart Architects

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  6/6 Nordfassadenansicht, Abendbeleuchtung. Wohnkomplex "Renaissance" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Mit freundlicher Genehmigung von Liphart Architects

Beim sogenannten "Little France" - unserem ersten Haus im historischen Zentrum der Stadt - hatte ich mehr Handlungsspielraum: Volumen und Anzahl der Stockwerke wurden festgelegt, eine Reihe allgemeiner Ideen mit Wohnungsformaten, alles sonst wurde auf der Grundlage des äußeren Erscheinungsbildes entschieden, das ich erfunden hatte. Das Design dieses Objekts fiel mit meinem Umzug nach St. Petersburg zusammen, so dass es mit großem Gefühl und einer Art Neophyten-Leidenschaft gezeichnet wurde. Die Werke von Lidval und Klenze, die ich damals wirklich für mich entdeckte, hatten einen großen Einfluss darauf die Architektur.

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  1/7 RC "Little France". 20. Linie der Wassiljewski-Insel. St. Petersburg © Liphart Architekten

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  2/7 RC "Little France". 20. Linie der Wassiljewski-Insel. St. Petersburg © Liphart Architekten

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  3/7 RC "Little France". 20. Linie der Wassiljewski-Insel. St. Petersburg © Liphart Architekten

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  4/7 RC "Little France". 20. Linie der Wassiljewski-Insel. St. Petersburg © Liphart Architekten

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  5/7 RC "Little France". 20. Linie der Wassiljewski-Insel. St. Petersburg © Liphart Architekten

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  6/7 RC "Little France". 20. Linie der Wassiljewski-Insel. St. Petersburg © Liphart Architekten

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  7/7 RC "Little France". 20. Linie der Wassiljewski-Insel. St. Petersburg © Liphart Architekten

Eine Reihe von St. Petersburg-Projekten, an denen wir derzeit in der einen oder anderen Phase arbeiten: Wohngebäude in der Magnitogorskaya-Straße, Malokhtinsky-Prospekt, am Ufer des Black River, werden auf ähnliche Weise entworfen. Das Haus in der 12. Linie der Wassiljewski-Insel ist sehr komplex aufgebaut, dicht, es wurde sechs Monate lang gezeichnet. Vielleicht wurden die meisten Anstrengungen in dieses Objekt investiert, ich hoffe wirklich auf seine Umsetzung.

Die "Do as Drawn" -Mentalität für Designer entstand, weil die Kunden Ihre Verbündeten waren. Spüren Kunden die Schönheit?

Es scheint mir, dass die Fähigkeit, das Schöne zu sehen, ein Geschenk ist, das jedem von Geburt an gegeben wird. Es ist eine andere Sache, dass Lebensumstände, Umwelt und Vorurteile einem Menschen dieses Geschenk nehmen oder ihm auf jeden Fall schweren Schaden zufügen können. Manchmal scheint es, dass im heutigen Russland, das im letzten Jahrhundert gelitten hat, die Mehrheit vergessen hat, wie man die Schönheit nicht nur erhöht, sondern sogar von der hässlichen unterscheidet. Umso schöner ist das Treffen mit dem Ehrgeiz, die Ästhetik zu schaffen. Meiner Meinung nach haben sowohl Alexander Zavyalov, der Eigentümer der St. Petersburger Entwicklerfirma, als auch Mikhail Kusnirovich einen solchen Ehrgeiz.

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  1/7 Blick auf die Verwaltungs- und Produktionsgebäude von Südwesten. Bekleidungsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / zur Verfügung gestellt von Stepan Lipgart

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  2/7 Blick auf das Verwaltungsgebäude von Südosten. Bekleidungsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / zur Verfügung gestellt von Stepan Lipgart

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  3/7 Vordertreppe, Fragment. Bekleidungsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / zur Verfügung gestellt von Stepan Lipgart

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  4/7 Fragment der Westfassade des Verwaltungsgebäudes. Bekleidungsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / zur Verfügung gestellt von Stepan Lipgart

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  5/7 Halle im 1. Stock mit dem Wintergartenfragment. Bekleidungsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / zur Verfügung gestellt von Stepan Lipgart

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  6/7 Gesamtansicht des Haltepunktes von Süden. Bekleidungsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / zur Verfügung gestellt von Stepan Lipgart

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  7/7 Die Südfassade des Verwaltungs- und Ausstattungsgebäudes, Fragment. Bekleidungsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / zur Verfügung gestellt von Stepan Lipgart

Darüber hinaus spielen natürlich die Geschmackspräferenzen des Kunden eine Rolle und ändern sich, wie ich sagen muss, im Laufe der Zeit von einem völligen Zufall mit meinem zu einem völligen Missverständnis. In den ersten Projekten mit Zavyalov, zum Beispiel Ordnung, wurde klassische Architektur mit einem Knall akzeptiert, und wir sprachen dieselbe Sprache, aber jetzt wird die Aufgabe immer mehr nach dem aus den Institutsjahren bekannten Prinzip gestellt: "Mach mich wie In diesem Bild." Hier stellt sich unfreiwillig die Frage, inwieweit ich zu einem Kompromiss bereit bin. Im Allgemeinen gibt es nach den ersten Jahren der praktischen Arbeit einige Enttäuschungen im Beruf. Bisher wurde das wirklich Wichtige und Wertvolle in Papierprojekten gewonnen, nicht in der Umsetzung.

Papierprojekte

Vor mehr als zwei Jahren erwähnte ich in einem Kommentar zu archi.ru, dass das Hauptthema, das mich interessiert, die ungelösten Widersprüche sind, die der russischen Kultur und Geschichte innewohnen und die sich in den 1930er Jahren besonders stark manifestierten. Die Kollision der Maschine mit dem Traditionellen und Künstlichen. Die Linie der heroischen Petersburger Architektur, die sowohl im Art Deco von Levinson und Trotzki als auch im düsteren Archaikum von Belogrud und Bubyr und noch früher im Bogen des Generalstabs und im Denkmal für Peter verkörpert ist. Eine Linie belasteter Impulse, die überwunden werden und mit der Natur der Stadt verbunden sind, die mehrmals einer gewaltsamen Europäisierung ausgesetzt war.

In Ihren Arbeiten leugnen sich Auftragsarchitektur und Technologie nicht gegenseitig, sondern bereichern sich gegenseitig: Art Deco und Reaktor, Art Deco und Rakete … Welches Papierprojekt liegt Ihnen am liebsten und warum?

Die Serie "At the Reactor" ist eine persönliche Widmung, sie verkörpert das Bild eines Atomreaktors als eine Kraft, die diese Welt erwärmt, aber auch zu zerstören droht. Diese Energie hat Ähnlichkeit mit der menschlichen Leidenschaft. Die Station ist wie ein Tempel, und auch hier ist das Thema der Vergöttlichung des Autos präsent.

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  1/5 Serie "At the Reactor" 2014 Computergrafik Papierprojekt © Stepan Lipgart

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  2/5 Serie "At the Reactor" 2014 Computergrafik Papierprojekt © Stepan Lipgart

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  3/5 Finlyandsky Railway Station 2014 Computergrafik Papierprojekt © Stepan Lipgart

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  4/5 Projekt zur Verbesserung und Rekonstruktion des Territoriums des Neskuchny Sad Parks. Phase 2011-2012 Computergrafik Nicht implementiert Kunde: Bosco Unternehmensgruppe © Stepan Lipgart

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  5/5 Projekt zur Verbesserung und Rekonstruktion des Gebiets des Neskuchny-Gartenparks. Gewächshaus 2011-2012 Computergrafik Nicht implementiert Kunde: Bosco Unternehmensgruppe © Stepan Lipgart

Ich erinnere mich gut, wie die Handlung der Arbeit, die ich "Arc de Triomphe" nenne, zustande kam. Am Tag zuvor hatte ich ein inspirierendes Gespräch, in dem der Gesprächspartner ein Bildmanifest forderte, meine Vorstellung von der Zukunft. Anscheinend fand er die richtigen Worte, das Bild war in einer Minute geboren: eine gewagte Rakete, die bereit ist, im Empirismus abzubrechen, eingerahmt von einer gigantischen architektonischen Form. Die Eroberung des Weltraums, ermöglicht durch einen technologischen Durchbruch, und dynamische Linien, die im Einklang mit dieser Bewegung klingen und den Stempel eines bedeutungsvollen Art Deco tragen.

Auf der Ausstellung in Moskau gab es Projekte von recht ästhetischen Art-Deco-Villen. Eine Villa ist das Bild einer Privatperson. Was für eine Person ist das, mit welchen Eigenschaften?

Es ist interessant, dass jedes Projekt ein Angebot für einen bestimmten Kunden ist, aber keiner von ihnen hat beschlossen, sein Haus in solchen Formen zu bauen. Es scheint mir, dass Maxim Atayants eine ziemlich genaue Beschreibung gegeben hat und festgestellt hat, dass es sich nicht um Privathäuser handelt, sondern um Ausstellungspavillons für die Ausstellung des Kunden und seines Alltags. Ja, vielleicht bedeutet die betonte Repräsentativität, Monumentalität und Feierlichkeit der Architektur nicht Privatsphäre, Komfort und einen ruhigen Fluss der Tage. Das Bild dieses Hauses fordert seinen Bewohner heraus, und er muss ihm zunächst in ästhetischer Hinsicht entsprechen, aber nicht nur. Hier kommen wir dem Thema der außergewöhnlichen Persönlichkeit, dem Helden, nahe.

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  1/4 Projekt "Winged Villa" 2016 Computergrafik Nicht implementiert Privatkunde © Stepan Lipgart

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  2/4 Projekt der Villa "Akropolis Litorinum" 2015 Computergrafik Region Leningrad, Bezirk Wyborgski Nicht umgesetzt Privatkunde © Stepan Lipgart

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  3/4 Projekt "Villa ITR", 2011 Computergrafik Region Moskau, Bezirk Tschechowski Nicht umgesetzt Privatkunde © Stepan Lipgart

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  4/4 Villa Projekt "Pavillon Lecayet", 2015Computergrafik Region Moskau. Nicht implementiert Privatkunde © Stepan Lipgart

Metaphysik

Was ist der Unterschied zwischen Ihrem Konzept eines Helden und eines romantischen Helden des 19. Jahrhunderts, der in einen Kampf mit dem Schicksal gerät und sich der Menge widersetzt? vom Übermenschen und Demiurgen der Avantgarde; von einem Libertären des 20. Jahrhunderts?

Ich erinnere mich, dass ich bei Khan-Magomedov gelesen habe, dass Ivan Leonidov, der seine "Stadt der Sonne" schuf, mit dem Text von Tommaso Campanella kaum vertraut war. Sein utopischer Konstruktivismus gab ein Bild von einer glänzenden Zukunft, und die Handlung der Stadt der Sonne stimmte mit seinen Gefühlen überein. Es lohnt sich sofort festzustellen, dass mein „Konzept des Helden“auch nicht genügend philosophische Tiefe hat, dahinter stehen keine langen Texte, Recherchen, Versuche, meine eigenen Vermutungen empirisch zu überprüfen. Die Hauptsache hier ist Ihre eigene Intuition, das Erleben bestimmter Gefühle, die Erhöhung. Und der erfolgreichste Weg der berüchtigten Suche nach dem Helden besteht darin, die künstlerische Darstellung menschlicher Schönheit zu beobachten. Das offensichtlichste Beispiel ist ein Porträt der Renaissance, das die menschliche Natur erhöht und vergöttert. Aber noch näher am Ideal sind jene Leinwände, auf denen das himmlische Licht mit der dunklen Seite der menschlichen Natur in Konflikt gerät. Es war ein frischer, starker Eindruck für mich, die Werke von Parmigianino und Bronzino live zu sehen. Es gibt keinen leichten Frieden der Renaissance-Harmonie in ihnen, im Gegenteil, die durchdringende Kälte makelloser Züge, das fragile Gleichgewicht zwischen Apollonian und Dionysian Antwort, Kühnheit, das Werk der Seele.

In Scriabins Divine Symphony erschafft der Helden-Demiurg eine Welt aus dem Nichts. Das Konzept des Gotteskampfs führt zu sehr schöner Musik, aber ethisch gesehen ist es an der Grenze. Dein Held - wer ist er?

Der Held ist der mittlere Schritt zwischen einem Menschen mit seinen Schwächen und Lastern und dem höchsten Prinzip. Der Held ist nicht einer, der auf wundersame Weise mit göttlichen Fähigkeiten ausgestattet ist, sondern der mit der Kraft seines Geistes, seiner eigenen Seele, zum höchsten Ideal strebt, sowohl moralisch als auch im Sinne körperlicher Schönheit.

Aber ein Künstler ist ein Held in dem Moment, in dem er etwas erschafft. Die Manifestation von Schönheit in einem Werk ist immer ein Wunder und Wagemut. Zurück in die 1930er Jahre sind sowohl die Schöpfer als auch ihre Bilder dort heldenhaft. Architekten bauten und Komponisten schrieben und riskierten ihr Leben. 1938 saß Schostakowitsch jeden Abend mit einem Koffer im Treppenhaus seines Hauses und wartete auf seine Verhaftung, weil sein Freund, Marschall Tukhachevsky, erschossen worden war. Schostakowitsch wird seit den frühen 1930er Jahren im Druck verfolgt. 1937 schrieb er jedoch die 5. Symphonie, in der laut Pasternak "er alles sagte und ihm nichts passierte". Der Held in dieser Musik stirbt im Kampf gegen eine höllische totalitäre Maschine

In den dreißiger Jahren wurde ein ultimativer Versuch unternommen, das heldenhafte, demiurgische Maximum zu ertragen - das Dritte Reich. Ein Versuch, die universelle menschliche Moral zu verändern, zu verzerren, eine neue Person, eine neue Gesellschaft, eine neue Stadt zu schaffen. Der Kult eines Helden, der zig Millionen erobert hat. Das Ergebnis ist ungeheuerlich und unter ethischen, humanistischen Gesichtspunkten nicht gerechtfertigt. Es muss daran erinnert werden, dass die Linie hier wirklich dünn ist.

Ja. Weil die Mittel ungeheuerlich sind und die Mittel das Wichtigste sind. Ja, es gab ein monströses Ziel

Sind andere Mittel möglich? Nehmen Sie Rittertum - es ist mit Gewalt und Mord verbunden, und gleichzeitig erinnert sich jeder gutaussehend an die majestätischen Mauern mittelalterlicher Burgen und den Kult einer schönen Frau.

Ich bin nicht der Meinung, dass das heroische Konzept mit Gewalt verbunden ist, vielleicht mit der Auseinandersetzung mit Gewalt und der Überwindung von sich selbst. Wenn wir das Leben mit einer vertikalen Dimension in Einklang bringen, dann sprechen wir von einem Helden, der sich für andere Menschen opfert

Das Opfer wurde übrigens auch in der NS-Gesellschaft gefördert. Infolgedessen gibt es im modernen Deutschland bereits die Meinung, dass das Streben nach selbstwertiger Schönheit mit dem Nationalsozialismus gleichgesetzt werden kann.

Das ist ein Fehler. Der Künstler schafft eine Form, es ist eine dominierende Geste, in gewissem Sinne totalitär, aber Kunst ist ein Bereich, in dem Hierarchie von Vorteil ist. Die Postmoderne hat versucht, diese Geste zu dekonstruieren, und das künstlerische Ergebnis ist nicht sehr überzeugend. Das Silberzeitalter balancierte am Rande von Kunst und Lebensaufbau. Er schuf Schönheit, blieb aber im künstlerischen Bereich und ging nicht weiter (genauer gesagt, Dichter und Künstler experimentierten mit allen möglichen obszönen Kulten, wie wir aus den Memoiren von Alexander Benois wissen, aber dies war ihre private Angelegenheit). Lenin ist nicht das Silberzeitalter

Aber die Künstler sammelten diese Wolken am Vorabend des Dramas von 1917, riefen und hungerten nach ihnen. Was sind Donner und Blitz? Das ist etwas Unkontrollierbares. Scriabin hatte natürlich eine andere Vorstellung vom Aussehen eines neuen Mannes, es ist klar, dass er kein Kommissar mit einer Mauser und kein brutales Angriffsflugzeug war. Die Leningrader Blockade als Verwirklichung der schrecklichsten Träume der Silberzeit liegt im Gefühl der Übermenschlichkeit und des Opfers, in diesen düsteren Kälteempfindungen, die in den Belogrudov-Häusern verkörpert sind. Sie hatten bereits eine Vorahnung einer bevorstehenden Tragödie, eine Vorahnung des Archaischen, die im Bild Stalins aus den dunkelsten Tiefen erschien. Wenn ich das Thema schärfe, sehe ich das Bild des Helden in den Werken der Bildhauer Josef Torak und Arno Brecker. Die Kühnheit dort neigt sich definitiv der dunklen Natur zu, aber es ist beeindruckend.

Ebenso wie der Wagemut vieler libertärer Künstler des 20. Jahrhunderts. Wright, Sullivan, Scriabin waren Nietzscheaner. Aber sie verstanden Nietzsche auf vulgäre Weise. Als Nietzsche seinen Satz über den Tod Gottes sagte, bedeutete dies, dass ein Mensch aufgehört hat, sich dem Himmel zuzuwenden, nicht mehr in der Lage ist, zu danken und seine Handlungen an Gott anzupassen. Die Menschen haben die resultierende freie Energie angewiesen, um ihre Ziele zu erreichen, und viel erreicht. Aber die gefallene menschliche Natur manifestierte sich in all ihrer Herrlichkeit

Die gefallene menschliche Natur manifestiert sich heute in vollem Wachstum. Schade, dass diese Displays keinen künstlerischen Wert haben.

Ja. Aber die Leute haben einige Dinge verstanden. Die Welt hat den Faschismus besiegt, und das Gleichgewicht bleibt bestehen, wenn auch mit Schwierigkeiten. Albert Schweitzer sagte, dass der Mensch nach der Erfindung der Atombombe, dh der Supermacht, nicht superintelligent geworden sei. Vielleicht ist der Held eine superintelligente Person. Natürlich nicht im Sinne von Vorsicht, sondern im Gegenteil von Rücksichtslosigkeit, der Fähigkeit zur Barmherzigkeit, Opferbereitschaft. Der Heilige ist ein ziemlicher Held und Übermensch. Wir haben Werte, die wir nicht verlieren wollen. Wenn wir über Architektur sprechen, ist eine europäische historische Stadt ein Wert, und die Architektur der 1930er Jahre ist ein organischer Teil davon

Ja, aber es gab auch eine neue Qualität in ihr. Zurück zu meinem Pariser Eindruck: Dieser Besuch war sehr kurz und konzentriert: In acht Stunden ging ich vom Pantheon zum Trocadero, nachdem ich den Louvre besucht hatte. Die große Stadt besticht durch ihre Größe, den Reichtum an Fassaden aus Naturstein, die vielen Alleen, die Pracht riesiger Paläste, und doch konnte ich beim Betreten der Gebäude der Pariser Ausstellung nicht anders, als eine andere Dimension, einen anderen Grad zu spüren von Bedeutung, ein Bild der Zukunft, das nie kam, weil die zerstörerische Natur des Menschen dann die schöpferische überwog.